|
|
maio 9, 2014
Who Are the Top 10 Most Expensive Living Women Artists? by Rozalia Jovanovic, artnet.news
Who Are the Top 10 Most Expensive Living Women Artists?
Matéria de Rozalia Jovanovic originalmente publicada no artnet.news em 6 de maio de 2014.
Women artists can earn their keep.
Among the crop of the most expensive living women artists, which we have gathered here by a search of artists’ auction records by individual lot via artnet Analytics, some are abstract painters, some figurative, others use photography or blend mediums or have seen an astonishing resurgence in popularity at auction after decades-long periods of relative obscurity. At least one has been on our radar of late for her masterful transition from platforms of visual art to those of social media, and she’s not even a Millennial. At least one has previously appeared on another of our Most Expensive Artists lists. Here then, without further ado, is our list of the Top 10 Most Expensive Living Women Artists.
1. Cady Noland
When Cady Noland’s Oozewald (1989) sold at Sotheby’s New York in 2011 for $6.6 million (exceeding by threefold its low estimate of $2 million and eclipsing her earlier record of $1.8 million), it broke the record for the highest price ever paid at auction for a work by a living female artist and puts her first on this list. It also garnered the artist a spot on our tally of the Top 10 Most Expensive Living American Artists. Oozewald, of silkscreen ink on aluminum plate, depicts a black-and-white image of Kennedy assassin Lee Harvey Oswald as he’s being shot; he’s gagged with an American flag and his body riddled with white spots that evoke gun shot wounds. The piece captures the spirit of Noland’s work, which frequently traffics in the broken illusion of the American dream. That illusion is also conveyed in Noland’s Gibbet (1993–94), which sold for $1,762,500 at Sotheby’s New York in 2010. Noland, who was born in 1956 and is the daughter of Color Field painter Kenneth Noland, made other news at that same 2011 groundbreaking Sotheby’s sale when she disavowed Cowboys Milking (1990), a silkscreen print on an aluminum sheet, due to damage, and had the auction house withdraw it.
2. Marlene Dumas
Had this been 2005, Dumas would have been at the top of this list. It was in that year, that Dumas made headlines as the most expensive living artist when her painting The Teacher (sub a) (1987)—a forbidding portrait taken from a class picture from her childhood in South Africa—sold for $3.3 million. In 2008, the year of artist Marlene Dumas’s first US survey (which opened at the Los Angeles MOCA and then moved to New York’s MoMA), the artist’s auction record reached a new high with the sale at Sotheby’s London of The Visitor (1995), an oil painting of a group of strippers standing expectantly by an open door. Dumas’ paintings often have moribund subject matter, frequently featuring drowned and hanged people or babies with bloodied hands, and seem to drip with a nightmarish subtext that one imagines must have been informed by the politics of her early surroundings (the 60-year-old artist was raised during Apartheid). Grim as they are, though, her work caught the attention of mega-dealer David Zwirner, who in 2008, after years of courting her, finally signed the artist.
3. Yayoi Kusama
Japanese artist Yayoi Kusama may now be, thanks to social media, best known for the sensation she created this past November with her celestial installation at David Zwirner gallery, “Infinity Mirrored Room.” Visitors lined up for hours to get 45 seconds in the darkened room outfitted with tiny flickering LED lights and mirrored walls that evinced the sensation of free-floating through an endless cosmos. But it is perhaps Kusama’s Infinity Nets, or paintings in which the entire canvas is filled with a hypnotic “net” of monochromatic brushstrokes, that are the 85-year-old artist’s trademark. And with the sale in 2008 of “No. 2” (1959), an early white-on-white iteration of one of her Infinity Nets, Kusama’s auction record (which was already well-established with 3463 lots at auction) hit an all-time high. Selling for $5.8 million, more than doubling its presale low estimate, the painting, which had been owned at one time by Donald Judd, brought in the highest price ever paid at auction for a work by a living female artist.
4. Bridget Riley
Around 1960, while working part-time as an illustrator at an advertising firm, British artist Bridget Riley began to develop the Op Art style that would become her signature. While initially, she worked in black-and-white, in 1967, she would begin using color and created her first stripe painting. One year later she would represent Great Britain at the Venice Biennale where she scooped up the international prize for painting, and was the first woman and the first contemporary British painter to win the prize. Chant 2 (1967), a painting of alternating vertical blue and white stripes, which was part of three works that went to the Biennale, was purchased by an American collector in 2008 at Sotheby’s London for $5.1 million, outpacing her own record, set only a few months earlier, by a couple of million. (If looking at British Pound Sterling, this record was broken by the February 2014 sale of the same painting at Christie’s London, though when converted to US dollars, the 2008 sale remains the record for Riley.) Perhaps the market high was encouraged by her retrospective that year at the Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. But in 2006 Riley’s work was already attracting renewed collector interest, as indicated by the sale to Jeffrey Deitch of Untitled (Diagonal Curve) (1966) for $2.2 million, roughly four times its low estimate.
5. Julie Mehretu
Amongst the youngest in the group is Julie Mehretu (born in Ethiopia in 1970), whose abstract painting Retopistics: A Renegade Excavation (2001) broke the artist’s record when it sold for $4.6 million at Christie’s New York in 2013. Mehretu’s abstract paintings, which are created with layers of acrylic on canvas followed by marks in pencil, ink and more layers of paint, were already fetching six figures in 2006. But it wasn’t until 2010, at the sale of works from the Neuberger Berman and Lehman Brothers corporate art collections at Sotheby’s New York in 2010, that one of her abstract paintings first garnered $1 million. That same year, Mehretu’s work was the subject of a novel high profile legal dispute brought by contemporary art collector Jean-Pierre Lehmann against Mehretu’s gallery at the time, the Project Gallery for failure to uphold a contract that granted him access to Mehretu’s work: in exchange for a $75,000 loan, the gallery was to provide the collector the right of first refusal for work by any artist represented by the gallery, at a 30 percent discount. The case, which Lehmann ultimately won, showed not only that the young artist was in high demand, but that money alone can’t secure the privilege of buying art.
6. Cindy Sherman
When American artist Cindy Sherman’s Untitled #96, a 1981 print of Sherman in a pumpkin-colored sweater as a lovesick woman lying on the kitchen floor, sold for $3.9 million at Christie’s New York in May 2011, more than doubling the low estimate of $1.5 million, it became, at the time, the most expensive photograph ever sold at auction. By that point, Sherman’s market had already been on the rise for several years. While the 60-year-old artist is one of the best-known and most critically acclaimed artists working today, at auction she has trailed behind other artists of her generation, including Julian Schnabel and Richard Prince (who made our list of Top 10 Most Expensive American Artists). Though something of an auction darling (Sherman’s work has been offered 1738 times (according to the artnet Price Database), her staged conceptual photographs of herself in costume only broke the $1 million mark in 2007 with the sale of Untitled film still no. 48 (1979), a black-and-white image of herself as a hitchhiker on a desolate highway.
7. Jenny Saville
Jenny Saville‘s unsettling massive female nudes brought her much attention during the 1990s, as she came of age among the Young British Artists. Born in 1970, Saville is best known for these large-scale paintings of nude women, some obese, with their bodies marked up as they would be before having liposuction. Plan (1993), a prime example from this body of work, is also the painting that holds her record at auction. Though Saville has been on the scene for years, she only had her first solo show in Britain in 2012. And interest in her work appears to be on the rise. In February of this year, Plan sold for $3.5 million at Christie’s London, more than doubling its low estimate of $1.3 million.
8. Vija Celmins
Latvian-American artist Vija Celmins is known for her laborious paintings and drawings of images taken from the natural world such as the surface of the moon, the night sky, and the interiors of shells. Her images, which border the photorealistic and the abstract, tend to be her most popular at auction, including Night Sky #14 (1996–97), an oil on linen painting for which her record was set at Christie’s New York in 2013 when it sold for $2.4 million. For Celmins, a 75-year-old artist who has over 40 global exhibitions under her belt since she first started showing in 1965, and whose work is in the collections of the Art Institute of Chicago, the Metropolitan Museum of Art, and the National Gallery of Art in Washington DC, among many others, Night Sky #14 was only the third work to sell for more than $1 million and may indicate that her auction record is finally catching up to her institutional acclaim.
9. Beatriz Milhazes
Interest in Brazilian born artist Beatriz Milhazes’s vivid kaleidoscopic paintings has been steadily growing since she was invited to participate in the 1995 Carnegie International in Pittsburgh. But it wasn’t until the Contemporary Art Day auction at Sotheby’s New York in May 2008, at which her work O Mágico (2001) sold for $1.1 million (more than quadrupling the low estimate of $250,000), that that interest seemed to take on more serious proportions. It was the first time the artist’s work would bring in $1 million at auction. But since then, it has surpassed that mark six more times, the most expensive of which was Meu Limão (2000) a work that sold at Sotheby’s New York in November 2012 for $2.1 million (tripling its low estimate of $700,000). Though her work has only been at auction some 80 times, more than three dozen of them have sold in the six figures. Fomenting interest and solidifying her global reputation over the past 10 years, Milhazes, who was born in 1960, represented Brazil at the Venice Biennale in 2003; had a 2009 show at the Fondation Cartier in Paris; and has been granted several prominent public art commissions in the UK, including a massive installation along the archways of a London Underground station. While interest is gathering steam, supply is, as always, limited. Milhazes has a meticulous process whereby she applies paint on plastic sheets and later transfers the pigment to canvas to achieve a smooth, brushless surface that shows no sign of the artist’s hand.
10. Lee Bontecou
2003 was a good year for Lee Bontecou. On two consecutive days, the 83-year old artist astonished auction goers by breaking her own record twice. First, on November 11, at Christie’s New York, her welded steel work Untitled (1960) sold for $298,700 roughly six times its low estimate of $50,000. The very next day at Sotheby’s, another welded steel work Untitled (1959-1960), blasted past its presale low estimate, which was also $50,000, tenfold realizing $456,000. Perhaps aided in part by her retrospective that year co-organized by the Hammer Museum and the Art Institute of Chicago, the artist who had been living in relative obscurity in Pennsylvania, was yanked back into the spotlight. Her ominous welded steel sculptures (covered with recycled canvas) from 1959 to 1960, which seem to conjure, with all their insectoid armor-like carapaces, gnarly visions of the future, are among her most recognizable works and continue to command high prices at auction. Her record is held by the sale Untitled (1962), which sold at Christie’s New York for $1.9 million in 2010. And with all the talk of the 50th anniversary of the World’s Fair, her sculpture in the David H. Koch theater at Lincoln Center, which was commissioned when the buildings were constructed for the 1964 World’s Fair, are decidedly timely and a good way to check out her work whether or not you’ve got millions to spare at auction.
maio 4, 2014
Mostra celebra o universo sombrio de Iberê Camargo por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Mostra celebra o universo sombrio de Iberê Camargo
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 3 de maio de 2014.
Iberê Camargo foi uma espécie de arquiteto da solidão.
Na mostra que celebra seu centenário, aberta hoje no Centro Cultural Banco do Brasil, fica claro como o artista, morto aos 79, há 20 anos, construiu um universo singular, quase todo azul e cheio de figuras à beira da morte.
Do subsolo, onde estão seus estudos e um amplo recorte de sua obra gráfica, ao terceiro piso, que concentra as enormes telas de sua chamada fase trágica, estão expostos desde os alicerces mais tímidos de sua pintura até seu auge expressionista.
Ocupando todo o antigo banco no centro paulistano, as 150 obras não respeitam uma cronologia, embora o fim de sua vida, a produção dos anos 1990, esteja em peso maior no terceiro andar e o segundo piso tenha as pinturas dos anos 1960 e 1970.
Mas Camargo não se divide em capítulos. Nada é estanque nessa obra contínua de exploração da matéria.
Sua pintura parece obcecada em afirmar a própria presença, o peso físico de estar aqui e agora mais do que qualquer noção de devaneio.
Nesse ponto, suas telas dos anos 1950, abarrotadas de carretéis, uma lembrança de infância que se tornou o símbolo máximo de sua obra, são composições espessas que parecem transbordar do quadro.
FASE DE TRANSIÇÃO
Mas entre os carretéis e a abstração plena dos anos 1960 e 1970, está uma de suas fases mais poderosas. São telas negras, de uma escuridão aterradora só rompida por vultos de carretéis esbranquiçados, quebrando o silêncio.
Essa série, que venceu o prêmio de pintura da Bienal de São Paulo em 1961, é um dos pontos altos da mostra, sinalizando uma transição na obra de Iberê Camargo.
Foi depois dessa espécie de expurgo da cor que apareceu sua fase mais gestual e abstrata, com tons coloridos.
Camargo parecia se entregar ali a um expressionismo histérico, em que mais do que a forma final dos quadros importavam seus gestos, a violência do pincel sobre a tela.
Ele parecia construir a antessala de sua fase trágica, mais silenciosa e toda azul. É difícil reduzir a obra do artista a um só momento, mas o terceiro andar da exposição é sem dúvida o ponto máximo de sua trajetória plástica.
Estão lá suas "idiotas", as figuras quase amorfas, de rostos cadavéricos e olhos ausentes, que aguardam solenes e patéticas o próprio fim.
Há algo de beckettiano nessa espera. Suas figuras desgarradas do plano terreno e em plena ascensão rumo a um firmamento acachapante afirmam a beleza do fim.
Em crise, Masp aprova reforma de seu estatuto por Camila Molina, Estado de S. Paulo
Em crise, Masp aprova reforma de seu estatuto
Matéria de Camila Molina originalmente publicada no jornal Estado de S. Paulo em 29 de abril de 2014.
Processo começou por conta de dificuldades financeiras que podem chegar a R$ 54 milhões
O primeiro passo oficial de mudança de governância do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp) ocorreu no fim da tarde desta terça-feira, 29, quando foi aprovada a reforma do estatuto da entidade em assembleia realizada no pequeno auditório da instituição. Com 73% de aprovação, ou seja, com a presença de 40 dos 53 conselheiros e associados do Masp, todas as propostas de uma nova gestão que terá o consultor e empresário Heitor Martins à frente da presidência do museu serão incorporadas nos autos da entidade.
O processo foi alavancado por causa das "dificuldades financeiras" pelas quais passa o museu - oficialmente, as dívidas seriam de R$ 10 milhões, mas extra-oficialmente o rombo seria de montante em torno de R$ 54 milhões, incluindo os gastos com o prédio Masp-Vivo. Entre as mudanças propostas, está a criação de comitês de gestão para acompanhar as atividades de gestão do museu e para o processo de construção do edifício Masp-Vivo, atualmente, com obras paralisadas.
"Estamos em um momento de grandes transformações no Masp", disse a atual presidente executiva da instituição, Beatriz Pimenta Camargo. Possivelmente, ela vai presidir o conselho da instituição para dar lugar a Heitor Martins, sócio-diretor da empresa de consultoria McKinsey & Company e ex-presidente da Fundação Bienal de São Paulo, na presidência do museu. O nome do empresário foi levado pelo Banco Itaú e pelo "grupo de empresas" que assumirão a dívida do Masp, afirmou Beatriz. A colecionadora contou que há mais de uma década não ocorriam mudanças no estatuto da instituição.
Uma nova assembleia será convocada em até 60 dias para que seja oficialmente efetivada a eleição de Heitor Martins como presidente do Masp e para que novos conselheiros entrem na entidade, chegando a um total de 80 membros. Além de Martins, a nova diretoria-executiva da instituição será formada por Alberto Fernandes (vice-presidente executivo do Banco Itaú BBA), Alexandre Bertoldi, advogado, Flavia Velloso, Nilo Cecco e pelo cientista-social e colecionador Miguel Chaia.
Segundo Beatriz Pimenta Camargo, ainda não foi cogitada a troca do curador do Masp, Teixeira Coelho, neste processo de mudança de gestão do museu. "Nós não somos eternos aqui", afirmou o arquiteto Julio Neves, ex-presidente do Masp. Outra mudança apresentada no novo estatuto é a criação de lugares natos para o poder público, ou seja, para os secretários de cultura do município e do Estado de São Paulo e para o presidente do Ibram (Instituto Brasileiro de Museus), órgão do Ministério da Cultura.
Mostra inicia as celebrações do centenário de Iberê Camargo por Camila Molina, Estado de S. Paulo
Mostra inicia as celebrações do centenário de Iberê Camargo
Matéria de Camila Molina originalmente publicada no jornal Estado de S. Paulo em 2 de maio de 2014.
Exposição em São Paulo apresenta 48 pinturas e cerca de 80 desenhos, gravuras e matrizes do 'homem-pintor'
"Pinto porque a vida dói." Parece não haver maneira de fugir desta afirmativa que o artista Iberê Camargo (1914-1994) usou para falar de sua obra.
Na sala do terceiro andar do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) de São Paulo, seis grandes óleos sobre tela realizados pelo pintor no fim de sua vida concentram naquele espaço a expressão mais trágica de sua arte. Nas pinturas da série Tudo Te É Falso e Inútil (1992), As Idiotas (1991) e Crepúsculo da Boca do Monte (1991), figuras cujas formas e rostos não as definem como velhas ou mais novas parecem apenas esperar pela morte, já sem suas vestes. A atmosfera azul, lilás, roxa daquelas obras faz remeter, como identifica o curador Luiz Camillo Osório, à capela Rothko em Houston.
Monumentais (com mais de dois metros de comprimento cada uma), as telas são o auge da exposição Um Trágico nos Trópicos, a retrospectiva do artista gaúcho Iberê Camargo a ser inaugurada no CCBB. A mostra, que abre o calendário de comemorações do centenário de nascimento do pintor (exatamente, em 18 de novembro de 1914, em Restinga Seca), apresenta 48 pinturas e cerca de 80 desenhos, gravuras e matrizes do "homem-pintor", expressão de seu conto Hiroshima, já publicado em livro.
Iberê Camargo também soube usar as palavras para expressar o drama, a melancolia, o lado trágico de sua criação. Além de escrever, sempre definiu com clareza, em suas falas, suas motivações. Mas a pintura – de densa matéria (muita tinta), em que os elementos nunca se soltam por ser tão coesa, afirma Luiz Camillo Osório, curador da exposição –, é a essência de sua produção artística. "Teve um sacerdócio de Iberê com a pintura, com o ofício plástico, uma fala sempre muito de dentro do fazer e que desdobra o conhecimento técnico para as questões metafísicas que perpassam sua obra", afirma o crítico. "Da mão", Osório completa, sai toda a "respiração espiritual" que o trabalho do artista carrega.
Sombrio. Não se trata de uma retrospectiva didática, porque já de princípio a exposição não tem nem mesmo um percurso cronológico. Diz o curador, baseado em citações filosóficas, que a cultura brasileira "rasura, nega" a dimensão trágica da vida – Iberê Camargo, o gravador Oswaldo Goeldi e, na face contemporânea, o artista Nuno Ramos formariam o tripé de "exceção", ou seja, seriam criadores que trazem o sombrio existencial para a obra plástica (e o escritor Graciliano Ramos, opina o curador, no campo da literatura nacional). A "afirmação do trágico" é, assim, o mote que Osório tomou para conceber a exposição que, por ora, só será exibida em São Paulo. "Anoiteceu dentro de mim", disse o artista em uma entrevista inédita concedida ao pintor Jorge Guinle e reproduzida no catálogo (que, aliás, traz também falas de Iberê à escritora Clarice Lispector e outros).
Em pequena sala do quarto andar do CCBB, está uma espécie de "microuniverso de Iberê". É uma visada geral e concisa pela trajetória do pintor, começando por duas pequenas pinturas de paisagem, Jaguari (1941) e Dentro do Mato (1941-42) – raridades pelo protagonismo do verde. Passa-se, ainda, pela obra Natureza-Morta com Garrafas (1957) – sombria, com formas negras ao fundo, já em diálogo com a série dos carretéis, das mais emblemáticas de sua carreira, realizada no fim da década de 1950 e início dos anos 60, e representada por um trabalho. Há também uma grande tela de 1965, que indica o período abstrato de Iberê, e peças apresentando sua volta, aos poucos, à figuração – até chegar às imagens dos ciclistas e dos homens e mulheres solitários, fantasmagóricos.
"A ideia é justamente pegar esse elemento mais pictórico para mostrar, seja indo para a abstração, seja para figuração, como a articulação da tinta, cor, gesto e matéria se mantém ao longo do trabalho dele", afirma Camillo Osório. Só nesta sala acontece uma exibição explícita de passagem ou percurso na obra de Iberê Camargo. Nos outros segmentos, as obras reúnem-se por conjuntos expressivos de sua carreira.
Por uma opção curatorial, a série dos carretéis, "ponto de partida da sua fase considerada abstrata", afirmou o pintor em carta de 1979 a Pierre Courthion e na qual ele traz para sua obra a forma do objeto que era um brinquedo em sua infância, "foi sacrificada". Falta de espaço para exibir tudo o que se tinha vontade a partir de uma produção tão ampla (calcula-se que Iberê tenha criado mais de 7 mil trabalhos).
Além da já citada apresentação de conjunto denso de pinturas do fim da trajetória do gaúcho, estão em outra sala, no segundo andar, criações dos anos 60, 70 e 80, dando destaque para a abstração no trabalho do pintor. O escurecimento da pintura chega ao auge com as Fiadas de Carretéis e depois a cor vai explodindo (com destaque para o vermelho) em telas diversas. Para o curador, há uma "vibração" na pintura do artista que a torna, até mesmo, "sensorialmente otimista".
"Eu não abandonei a figura, apenas a transformei", afirmou Iberê a Clarice Lispector, em 1971. Há quem considere que ele tenha voltado a ser figurativo depois do trágico episódio do assassinato de um homem em 1980, no Rio de Janeiro, durante uma briga de rua (o pintor foi absolvido por legítima defesa). Mas isso não importa. O fato é que mais outras celebrações de sua obra virão, culminando com a homenagem maior em Porto Alegre, com a abertura, em novembro, de mostra na casa do artista, a Fundação Iberê Camargo.