|
|
maio 25, 2019
Sob as lentes de Bárbara Wagner e Benjamin de Burca por Marcos Grinspum Ferraz, Arte!Brasileiros
Sob as lentes de Bárbara Wagner e Benjamin de Burca
Matéria de Marcos Grinspum Ferraz originalmente publicada na revista Arte!Brasileiros em 2 de abril de 2019.
Com um trabalho audiovisual multidisciplinar, produzido em universos ao mesmo tempo marginalizados e pop de diferentes cidades do mundo, dupla ganha destaque e vai representar o Brasil na Bienal de Veneza
Entre o primeiro trabalho realizado conjuntamente e os dias atuais passaram-se apenas seis anos. Neste período prolífico, Bárbara Wagner, 38, e Benjamin de Burca, 43, realizaram cerca de dez grandes projetos – entre séries fotográficas, videoinstalações e curtas-metragens musicais – e com eles estiveram presentes em uma série de bienais, exposições e festivais ao redor do mundo. Percorreram espaços dos universos da arte e do cinema e, neste 2019, foram premiados no Festival de Berlim com o curta RISE (2018). Agora, se preparam para representar o Brasil na 58ª Bienal de Veneza com o inédito Swinguerra, filmado em Recife.
Em uma sequência produtiva quase sem respiros desde 2013, a dupla desenvolveu uma linha de pesquisa coerente e sólida tanto nas temáticas tratadas quanto na criação de uma linguagem e estética autorais – mesmo com as nuances e peculiaridades de cada projeto. Mas, segundo eles mesmos, poucas vezes pararam para analisar este conjunto da obra. “Tenho começado a pensar nisso só recentemente. Até pouco tempo a gente não conseguia ver um corpo, porque produzimos muita coisa em pouco tempo. Agora que acumulamos alguns trabalhos a gente consegue olhar para trás e perceber mais claramente as relações entre eles”, diz Wagner, que ao lado de De Burca conversou por mais de uma hora com a ARTE!Brasileiros.
Especialmente nos projetos filmicos, que agora chegam a sete, a dupla apresenta obras audiovisuais concebidas em conjunto com seus protagonistas, que misturam documentário e ficção, realidade e imaginação, e que levantam debates sobre o uso do corpo, a indústria musical, os diálogos e conflitos entre cultura pop e manifestações tradicionais e sobre as ideias de bom e mau gosto. Temáticas tratadas de modo multidisciplinar em trabalhos que retratam personagens de universos marginalizados e como eles próprios se autorrepresentam e se apresentam ao mundo – dos músicos de brega e dançarinos de frevo de Recife aos rappers de Toronto; dos cantores do schlager de Münster aos oradores evangélicos da Zona da Mata pernambucana.
“Por um lado, são manifestações que parecem marginais, mas na vida real elas são muito centrais na cultura. O schlager é o gênero mais consumido na Alemanha, o hip hop é um fenômeno mundial e o brega é muito popular aqui no Nordeste”, afirma De Burca. “Acho que a gente procura entender esses fenômenos que parecem marginalizados, mas que na verdade têm um nervo central na nossa experiência de cultura”, completa Wagner. “Eles bebem o tempo inteiro dessa produção cultural central, ao mesmo tempo não precisam dela, não são dependentes do mainstream e dos meios de comunicação convencionais. São grupos que encontram saídas para sua própria existência, dentro desse universo de trocas entre centro e periferia”.
Neste sentido, Wagner e De Burca questionam a noção, em voga em setores do ativismo político e em áreas das ciências sociais, de “dar voz” às minorias e aos marginalizados. Para a dupla, esses grupos têm voz própria, “sabem muito bem como se apresentar”, e o trabalho trata muito mais de ouvir essas vozes ou, ainda, criar juntos outras vozes possíveis. “Então a gente sempre se pergunta qual pode ser a nossa contribuição. O registro que a gente faz em audiovisual tem que ir para um outro lugar, que vem do encontro, do diálogo entre as nossas vontades de observar, de compreender e de questionar e a vontade artística deles, das pessoas com quem a gente colabora”, diz Wagner.
O que resulta, portanto, vem de um fazer compartilhado que chega a algo novo. De algum modo remete a filmes etnoficcionais de Jean Rouch, que criava narrativas junto aos protagonistas, ao mesmo tempo que transparece menos improvisação que os trabalhos do francês. Para a dupla, o trabalho conjunto começa no planejamento e no roteiro, segue na filmagem, e continua, posteriormente, em toda a carreira da obra. “A gente mantém contato com todo mundo que a gente trabalhou desde o primeiro filme até hoje, e eles sempre sabem onde os filmes estão circulando”.
Da Europa para o Brasil
Wagner e De Burca já desenvolviam trabalhos autorais quando se conheceram na Europa, no fim de 2009, na época em que a artista realizava seu mestrado em Artes Visuais na Holanda. Wagner, nascida em Brasília e formada em jornalismo em Recife, aprofundava uma pesquisa principalmente fotográfica, já centrada em questões do corpo e nos campos da cultura pop e da tradição. Benjamin, nascido em Munique (Alemanha), com graduação e pós-graduação em Artes concluídas em Glasgow (Escócia) e Belfast (Irlanda do Norte), tinha um trabalho focado principalmente em colagens, fotografias e pintura.
A primeira obra feita em parceria começou a ganhar forma quando os dois se mudaram para a capital pernambucana no fim de 2012, em “um período muito interessante para se observar o que era a representação de uma nova classe média no Brasil”. Edifício Recife (2013), uma série fotográfica acompanhada de pequenas entrevistas, analisa “a relação entre as esculturas de prédios nobres de Recife e os porteiros destes edifícios”. Apesar de não ser centrada em questões musicais ou do corpo, o trabalho já apresentava várias das temáticas desenvolvidas posteriormente pela dupla, como o contraste entre classes sociais e o uso do espaço urbano.
No mesmo ano surgiu a primeira obra audiovisual, Cinéma Casino (2013), uma investigação sobre o gênero musical maloya entre as novas gerações na Ilha da Reunião. Comissionado para a 4a Bienal do Oceano Índico, o trabalho foi filmado no departamento ultramarino francês, localizado próximo à África, e coloca em perspectiva sonoridades e danças locais – tanto vertentes tradicionais ligadas à cultura crioula e à resistência anticolonial quanto manifestações contemporâneas alinhadas à indústria de consumo. “A gente estava interessado em entender como é que os corpos desses jovens, bastantes influenciados pela cultura pop, transitam entre a tradição e o contemporâneo”, comenta a artista.
Foi essa mesma linha de pesquisa, transportada para outro território e contexto, que resultou no curta Faz que Vai (2015), trabalho feito em Recife após a produção de dois outros projetos: Desenho Canteiro (2014), uma vídeo-colagem sobre o mercado imobiliário; e Como se Fosse Verdade (2015), um híbrido de série fotográfica e instalação realizado no terminal de ônibus de Cidade Tiradentes, em São Paulo. Faz que Vai, filmado com quatro dançarinos de frevo, levanta também questões de gênero, que percorrem outros trabalhos da dupla.
“No caso dos filmes a gente entendeu que a música é o elemento que constitui uma espécie de fundamento para as práticas que pesquisamos. Seja de dança, dos videoclipes, da canção. É a performance de forma geral ligada às indústrias da música que estão no limite entre a tradição e o pop”, diz Wagner. “São jovens que têm pela primeira vez a possibilidade de trabalhar com arte, e o corpo é um elemento central nisso. Ele é o instrumento de trabalho nessa cultura do espetáculo”.
Democratização e mundo da arte
Convidados para a 32a Bienal de São Paulo, com curadoria de Jochen Volz, a dupla produziu Estás Vendo Coisas (2016) também em Recife, deslocando-se do universo do frevo para o dos jovens cantores de brega em boates e nas gravações de videoclipes. Considerando que passaram 900 mil pessoas pela Bienal, foi ali que se deu o momento de maior visibilidade para o trabalho dos artistas. Wagner confessa: “Foi muito emocionante ver como as pessoas se relacionam com o trabalho. Pessoas com idades e repertórios diferentes, com compreensões distintas do que é um trabalho artístico”.
Segundo ela, foi um momento interessante também para ver como o trabalho repercutia no próprio mundo da arte, com educadores, com o circuito comercial, com curadores independentes ou com a direção de instituições. “A gente está sempre testando, porque cada instância dessas tem suas especificidades. E por ter esse trabalho híbrido, é muito bom poder mostrar o RISE, por exemplo, tanto em uma galeria privada de São Paulo (Fortes D’Aloia & Gabriel) quanto no festival de Berlim. É interessante testar os cruzamentos dessas esferas, os pontos de interseção”.
O curta feito no ano após a bienal, Bye Bye Deutschland! (2017), realizado para o festival Skulptur Projekte de Münster, acompanha um casal de cantores de schlager, gênero musical popular na Alemanha e em países do norte europeu marcado por letras e melodias sentimentais. “E também tinha muito a ver com essa questão de bom gosto e mau gosto. Artistas alemães contemporâneos torcem o nariz para o schlager, então a gente querer falar sobre esse gênero foi uma surpresa, até mesmo para o Skulptur Projekte. Mas, para nós, era o único caminho possível. Um trabalho em Münster tinha que ser sobre isso”, explica Wagner.
Essa surpresa de que fala a artista levanta também um estranhamento quando se pensa no grande reconhecimento que a dupla alcançou em meios onde os gêneros musicais de que tratam são normalmente considerados ruins. “Os circuitos da arte e do cinema são muito elitistas. Mas o que eu sinto é que de algum modo os nossos trabalhos comunicam algo, até para além da nossa intenção, que interessa as pessoas. Mas é difícil explicar, nós mesmo estamos sempre tentando entender.”
A reação mais polêmica veio com o curta Terremoto Santo, de 2017 – ano em que Wagner foi vencedora do Prêmio PIPA –, que apresenta o universo evangélico da Zona da Mata pernambucana a partir de uma gravadora de música gospel da cidade de Palmares. Ao criar no filme uma atmosfera ao mesmo tempo real e fantasiosa, em que, em dado momento, a câmera treme simulando um terremoto – em diálogo com a música que está sendo cantada –, a dupla incomodou parte da comunidade artística. “Até hoje a recepção é dividida. Tem gente que acha que o filme é propaganda conservadora dos evangélicos, outros acham que a gente pode ter até debochado deles”, ela comenta. O curioso, segundo De Burca, é que os trechos que soam mais ficcionais nos filmes são sempre concebidos nos processos de criação com os próprios personagens, a partir de coisas que existem em suas vidas.
“Na prática artística desses grupos, sejam cantores, dançarinos, produtores musicais do brega, do schlager, do gospel ou da swingueira, essa fantasia é muito presente. Não há limites entre ficção e realidade. Entrar e sair do espetáculo é uma prática que eles manejam muito bem, e o limite entre uma coisa e outra fica muito fluido”, diz Wagner. “Acho que o cinema permite o manejo entre essas narrativas e, para nós, borrar esses limites é importante até mesmo para suspender o julgamento sobre o que se está vendo.” Fazer a câmera tremer no momento do “terremoto”, seria como “fazer tremer” qualquer tipo de leitura fácil sobre o trabalho da dupla. “A gente não tem nenhum pudor em levar às últimas consequências essa ideia de que um filme pode falar da realidade, mas ao mesmo tempo ser completamente fantasioso. Queremos criar fissuras”.
RISE (2018), curta que venceu o Audi Short Film Award na Berlinale deste ano, dá continuidade à essa ideia. Filmado em uma estação de metrô recém-inaugurada na periferia de Toronto, o trabalho foi realizado com integrantes do grupo Reaching Intelligent Souls Everywhere, que reúne jovens rappers, poetas e cantores afrodescendentes da cidade. O curta, que foi comissionado pela AGYU (Art Gallery of York University), chama atenção, talvez de modo ainda mais acentuado que outros filmes, para o extremo cuidado técnico e estético que percorre a produção da dupla – que sempre trabalha com o diretor de fotografia Pedro Sotero (parceiro de filmes de Kleber Mendonça). “Acho que se não fosse esse rigor do cinema, com alta qualidade de som e imagem, a gente perderia todo o nosso esforço em promover uma relação empática com o conteúdo do trabalho”, afirma Wagner.
Swinguerra, que está em fase de pós-produção, é o trabalho que representará o Brasil na 58a Bienal de Veneza, comissionado para tal a partir da escolha de Gabriel Pérez-Barreiro. O novo filme apresenta três grupos: os de swingueira, que se reúnem em quadras de escolas públicas de Recife e preparam coreografias para socializar e competir entre si; os dançarinos de brega funk, que derivam da swingueira, mas trabalham comercialmente em palcos de boates e em shows de MC’s; e os do chamado passinho do maloka, adolescentes que criam danças e coreografias para se divertir e divulgar no Instagram: “Da quadra, para o palco, para o Instagram. No filme nós cruzamos essas expressões, seus códigos, corpos e gestos”.
Em uma prática multidisciplinar, que mistura cinema, artes visuais, performance, música, dança e antropologia, no qual o fazer é compartilhado e onde surgem questões de gênero, raça, classe e indústria cultural, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca têm consciência da responsabilidade política de seus trabalhos, especialmente no contexto atual brasileiro. “Esse lugar em que ao invés de ‘dar voz’ procura-se ouvir, ou falar junto, é possivelmente um lugar de resistência. Porque isso mostra como esses grupos que a gente encontra, esses artistas, criam suas próprias saídas para resistir no mundo. E trabalhar junto com eles é, portanto, participar da construção destas formas de resistência”.
Art in the open: the joys of Jupiter Artland sculpture park by Phoebe Taplin, The Guardian
Art in the open: the joys of Jupiter Artland sculpture park
Matéria de Phoebe Taplin originalmente publicada no jornal The Guardian em 17 de maio de 2019.
The innovative sculpture park near Edinburgh is reopening for summer, marking its second decade with new commissions and an art and music festival
You imagine what you desire,” reads an arty light sculpture in the grounds of Jupiter Artland. It’s my first visit to this privately owned sculpture park five miles west of Edinburgh and I’m feeling rather overwhelmed – Jupiter is a destination that challenges easy definitions. It has more than 100 acres of fields and woods, with views across rolling countryside to the Pentland hills, and dozens of permanent installations. Several of these artworks incorporate small buildings, islands or terraced slopes.
On a hilltop stands a huge, nebulous, humanoid steel sculpture by Anthony Gormley. From it I can see as far as the Forth Bridges. There’s also a terrifying caged hole by Anish Kapoor called Suck, but my favourite work is Stone Coppice by Andy Goldsworthy, where quarried boulders nest in the branches of growing coppiced trees. Wandering through another part of the estate, I see Goldsworthy has fixed harvested branches from the coppicing upright inside a stone-walled shed to create a linked work, Coppice Room.
There are also temporary exhibitions, galleries, a new cafe, workshops, festivals, even a swimming pool. The illuminated quote, borrowed from George Bernard Shaw, is the characteristic work of Glasgow-based artist Nathan Coley. It seems to capture something of the ambition and creativity on display here. Shortlisted for the Artfund’s 2016 Museum of the Year award, alongside the V&A and others, Jupiter is now a big-league player.
The owners and creators of Jupiter Artland live in Bonnington House, a Jacobean manor at the centre of the site. Former sculptor Nicky Wilson is the artistic power behind the project. Her husband Robert chairs several charities and runs natural medicine company Nelsons (which makes Rescue Remedy, among other things). The couple bought Bonnington House in 1999 and have opened the grounds to the public every summer since 2009. US landscape architect Charles Jencks was one of the first artists they commissioned and his giant Cells of Life, reflected in a series of lakes, took eight years to build.
Jupiter Artland reopens and is starting its second decade with a new five-star rating from VisitScotland. Talk-of-the-town restaurant Fhior, on Edinburgh’s Broughton Street, is providing “hyper-seasonal” cakes and sandwiches for Jupiter’s restaurant, Café Party, where the walls were painted with vivid murals in 2017 by Swiss artist Nicolas Party.
Jupiter is one of those places where “enchanted” doesn’t feel like a cliche. My bus from Edinburgh stops outside an animal feed depot on the B7015 (25 minutes from the city centre on the number X23 or X27) and I walk through gates studded with knots of silver nails into a world of flowering woods and twisted rhododendrons. Birds are singing in the trees and a baby rabbit hurries into a nearby hedge. Further in, I can make out works such as Phyllida Barlow’s industrial-looking Quarry (2018), framing a changeable sky and leafy beech branches. Nearby, Anya Gallacio has sunk a crystal-walled cell into the forest floor.
Female artists are well-represented at Jupiter. From a lawn near the studios, Helen Chadwick’s Piss Flowers sprout like strange white mushrooms. I enjoy a sneak preview of this year’s major new installation: Gateway is an organically shaped swimming pool designed by Joana Vasconcelos, with hand-painted Portuguese tiles, a topiary garden and a mirror-faced pool room. Visitors can book a swim there in August.
Jupiter has been part of Edinburgh’s summer art festival for several years. This year, for the first time, it is also part of August’s main Edinburgh International Festival. The Trisha Brown Dance Company will perform on a series of rafts on Jupiter Artland’s lakes, and its late summer exhibition (Time, Space, Gravity, 27 July-29 September) is a retrospective of the choreographer’s work.
For 2019’s early summer exhibition, Brazilian artist Daniel Lie is combining natural materials from around the estate to create a living installation (The Negative Years, 18 May-14 July). Sheep’s wool hangs in wreaths, mirroring the plasterwork on the ceiling above. Pots made with clay from the riverbed will be full of fermenting plants. Growing fungi and decaying flowers will create what Lie, reverently sprinkling mushroom spores into straw, tells me will be “a non-verbal show about smells, atmosphere, feelings and emotions, where other living beings guide the way”. Lie values these biodegradable resources and hopes to heat the studios using energy produced by decomposition.
The summer’s cutting-edge creativity climaxes in a festival, Jupiter Rising (23-25 August, £80.54 including camping). It expects to welcome 700 people for a weekend of art, film and music, with late-night dancing in the woods and bell tents in the wildflower meadows available for hire.
It’s not only artwork and events that are on a large scale here; Jupiter Artland’s educational plans are also ambitious. Its mission is to provide a free school visit for every child in Scotland. Tens of thousands of students have already visited, from under-fives in bobble hats to earnest groups of performance artists. In a book celebrating the 10th anniversary, Gormley writes that Jupiter Artland is “an experiment in human relations and human imagination: a workshop for the spirit, the body and the mind”.
Open daily 18 May-30 September, 10am-5pm, adult £9, child (4-16) £5, 10% off online, jupiterartland.org