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fevereiro 20, 2020
Marcelo Tinoco na Zipper, São Paulo
Em “Museu de Novidades”, o artista Marcelo Tinoco sai em busca do belo e eterno na história da arte. Com inspiração nos grandes mestres da pintura e no trabalho paisagístico de Roberto Burle Marx, Tinoco inaugura a exposição “Museu de Novidades” no dia 29 de fevereiro, às 12h; Nancy Betts assina o texto crítico da exposição.
Segunda individual de Tinoco na Zipper Galeria, a mostra reúne a série homônima onde o artista realoca personagens emblemáticos das obras de grandes mestres da pintura ocidental — como “O Nascimento de Vênus” de Sandro Botticelli, “Ophelia” de John Everett Millais e “Retrato de Mada Primavesi” de Gustav Klimt — em ambientes originalmente estranhos à composições originais — os personagens icônicos são realocados nos jardins botânicos de Londres, Berlim, São Petersburgo, e principalmente o do Rio de Janeiro.
A proposta do artista é, desta forma, estabelecer deslocamentos temporais e estilísticos entre elementos da história da arte em trabalhos que mesclam registro fotográfico, desenho de observação e pintura digital. É o que Marcelo Tinoco chama de “fotografia multidisciplinar”, ou seja, o resultado de intervenções na imagem fotográfica com o objetivo de deslocar este suporte da função de representação fiel da realidade para outros campos das artes visuais. “Nesta série, selecionei referências que podem ser relidas, revalorizadas e recicladas em novos diálogos contemporâneos. São figuras que sempre me tocaram afetivamente, e continuam me encantando até hoje” diz o artista.
O processo se inicia com o registro documental (de paisagens, obras de arte, museus, monumentos, cidades) e se segue com a edição e a colagem destes “rascunhos fotográficos” para a construção de uma nova cena, uma nova composição. Fotografados em seus museus de origem muitas vezes de maneira simples com o celular, após a edição das imagens os personagens clássicos são recriados em grandes dimensões, através do desenho de observação e inseridos em novos cenários. Marcelo Tinoco faz uso da pintura digital à mão livre para criar áreas inteiras com pincel digital autoral. Por fim, a nova composição é iluminada e finalizada com uso de cores e contrastes. “Posso dizer que se trata de uma reciclagem artística. É como se o nascimento da Vênus tivesse sido, desta vez, no Jardim Botânico do Rio de Janeiro”, ele comenta.
Marcelo Tinoco (São Paulo, Brasil, 1967) vive e trabalha em São Paulo. O artista intervém na imagem fotográfica com colagens, recortes e pinturas com pinceis digitais, compondo o que ele chama de “fotografia multidisciplinar”. Sua intenção é deslocar este suporte das funções de representação fiel da realidade para outros campos das artes visuais, como a pintura. Premiado no Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia (Brasil, 2013), seu trabalho figura nas coleções institucionais do Consulado-Geral do Brasil em Frankfurt (Alemanha), do Museu da Imagem e do Som e do Museu de Arte do Rio. Principais exposições individuais: "Histórias Naturais", Caixa Cultural, Rio de Janeiro, Brasil (2014), "Timeless". Centro Cultural São Paulo, São Paulo, Brasil (2013), "Nova Fotografia", Museu da Imagem e do Som, São Paulo, Brasil (2012). Principais exposições coletivas: "Ao amor do público". Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brasil (2016), Foto Bienal MASP/Pirelli, Museu Oscar Niemeyer, Curitiba (2014), Programa de Exposições, Museu de Arte de Ribeirão Preto, Brasil (2013).
Nancy Betts - Mestre em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP. É professora de Evolução das Artes Visuais (História da Arte) na Faculdade de artes Plásticas – FAAP. Integra o corpo docente dos cursos de Pós-graduação de Audiovisual e Mídias Interativas do SENAC-SP, nas disciplinas de Semiótica da imagem e do som e Comunicação, Linguagem e Sentido respectivamente. Em 2005, professora convidada da UNICHAPECÓ-SC no curso de Pós-graduação lato sensu em Artes Visuais em Culturas Contemporâneas na disciplina de Semiótica do Visual. Pesquisadora CNPq em linguagem da arte e da artemídia. Projetos de curadoria – 2005 - Fidalga ’05, no Paço Municipal de Santo André, SP; 2003 – curadora adjunta na exposição A subversão dos meios, Itaú Cultural, SP; 2002 – Palavra-Figura, Paço das Artes, SP; 2000/1999 - XS/XL (extra small, extra large) MUMA (Museu Metropolitano da Arte), Curitiba-PR; Espaço Cultural dos Correios, RJ; Galeria Nara Roesler, SP; Galeria Marina Potrich, Goiânia-GO; Muna (Museu Universitário da Arte), Universidade Federal de Uberlândia, MG.
Archeologies of The Selfie na Nara Roesler NY, EUA
A Galeria Nara Roesler | Nova York tem o prazer de inaugurar seu programa de exposições de 2020 com a coletiva Arqueologias da selfie, curada por Luis Pérez-Oramas. A mostra tece comentários sobre o fenômeno contemporâneo da produção e disseminação em massa de imagens, cuja síntese se faz evidente no gênero fotográfico da selfie. De saída, Luis Pérez-Oramas contextualiza a selfie a partir de duas ideias convergentes: a teoria de Pierre Bourdieu de Arte média e a autocracia narcísica do indivíduo. Baseando-se na abordagem de Bourdieu, Pérez-Oramas coloca a selfie como sintoma do uso social da fotografia pelo qual todos nos tornamos fotógrafos, justamente em função do acesso ampliado aos dispositivos que produzem imagens cada vez mais perfeitas e com maior facilidade. Simultaneamente, para a autocracia narcísica individual, o uso social da fotografia funciona como meio de autorrepresentação (podendo ser realista ou fantasiosa), ou como marco da existência do eu.
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Por essa perspectiva, pode-se estabelecer uma arqueologia da selfie a partir da primeira delas: o reflexo sedutor e fatal de Narciso. Arqueologias da selfie emerge dessa archè, não como uma exposição de fotografias ou de selfies mas, sim, como comentário curatorial sobre a dialética entre a autorrepresentação e a obliteração da imagem. Nas palavras de Pérez-Oramas, a mostra é um exercício de “desconstrução da selfie pelo reencontro com a lentidão das imagens”.
As peças principais, ou ancoragens históricas, de Arqueologias da selfie são duas pinturas: Sun Photo as Self-Portrait (1968), de Antonio Dias – pois, no fundo, todas as selfies são autorretratos –, e Sem título (1961), de Tomie Ohtake, pintada enquanto a artista usava uma venda e que, mesmo sendo explicitamente autorreferencial em sua feitura, resulta em uma imagem obliterada. Esses marcadores são expostos junto a trabalhos de Milton Machado, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Wesley Duke Lee, Vicente de Mello, André Severo e Vasco Szinetar. Cada um deles explora, a seu modo, seja em sua execução, técnica ou imaginário, os diferentes modos pelos quais o eu foi retratado, referenciado, imaginado, suprimido ou desafiado ao longo do tempo. Arqueologias da selfie apresenta obras provenientes de um tema constante em nossa cultura: a retórica sobre o eu, atualmente revigorado pela natureza da produção contemporânea de imagens, conduzindo a selfie para o interior da narrativa histórica da arte que acompanha esse fenômeno social, antropológico e psicológico.
Galeria Nara Roesler | New York is delighted to inaugurate its 2020 exhibitions program with a group show titled Archaeologies of the Selfie, curated by Luis Pérez-Oramas. The exhibition comments on today’s phenomenon of mass image production and dissemination arguably conflated in the recent genre of the selfie. Luis Pérez-Oramas begins by contextualizing the case of the selfie through two concurrent ideas: Pierre Bourdieu’s theory of Middle-Brow Art and the narcissistic autarchy of the individual. Following Bourdieu's approach, Pérez-Oramas situates the selfie as a symptom of the social use of photography, whereby we can all become photographers by having access to devices that produce easy and increasingly perfect images. Concomitantly, the narcissistic autarchy of the individual addresses the social use of photography as a means of self-representation – either realistic or fantasized – and as a token of one’s existence.
From this perspective, one can establish an archaeology of the selfie beginning with the fantasized image of Narcissus’ luring and ultimately fatal reflection. Archaeologies of the Selfie thus emerges from this archè, not as an exhibition of photographs nor of selfies, but rather as a curatorial commentary on the dialectic of self-representation and image obliteration – in Pérez-Oramas’ words, as an exercise of ‘deconstruction of the selfie and reconciliation with slow imagery.’
The core pieces, or historical anchors, of Archaeologies of the Selfie are two paintings: Sun Photo as Self-Portrait (1969) by Antonio Dias – because ultimately all selfies are self-portraits – and Untitled (1961) by Tomie Ohtake, which she painted wearing a blindfold and while being explicitly self-referential in its making, nonetheless results in an obliterated image. These markers are exhibited with pieces by Milton Machado, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Wesley Duke Lee, Vicente de Mello, André Severo and Vasco Szinetar – each of which inherently explores, in their process of making, medium or in their imagery, the different ways in which the self has been depicted, referenced, imagined, obliterated or defied over time. Archaeologies of the Selfie will present pieces from the enduring matter that is the rhetoric around the self, reinvigorated today by the nature of contemporary image production, positioning the selfie within an art historical trajectory that has accompanied this social, anthropological and psychological phenomenon.
About Luis Pérez-Oramas (b. Caracas, 1960) Writer, poet and art historian. He received a PhD in History of Art, under the direction of Louis Marin and Hubert Damisch, from the École des Hautes Études en Sciences Sociales, Paris (EHESS, 1994). Chief-Curator of the 30th Bienal de São Paulo (2012); Latin American Art Curator at the Museum of Modern Art (MoMA), in New York (2003-2017); Curator of the Patricia Phelps de Cisneros Collection, in Caracas (1995-2002).
Pérez-Oramas was the curator and co-curator of a number of exhibitions, particularly during his role at MoMA, including: Transforming Chronologies: An Atlas of Drawings (2004), a retrospective of the work of Armando Reverón (2007); New Perspectives in Latin American Art: 1930-2006 (2007); O alfabeto enfurecido: León Ferrari e Mira Schendel, at Fundação Iberê Camargo (2009), in Porto Alegre, and at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) (2010), in Madrid; Lygia Clark: O Abandono da Arte (2014); Joaquín Torres-García: The Arcadian Modern (2015), at the Museo Picasso, in Barcelona; and Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brazil, at The Art Institute of Chicago (2017), in Chicago, and at the Museum of Modern Art (2018), in New York.
He taught Art History at the Université de Haute Bretagne-Rennes 2 and at the École Supérieure de Beaux-Arts de Nantes, in France (1987-1993), and Art History and Theory at the Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón and at the Universidade Central da Venezuela, in Caracas, Venezuela (1995-2002). Pérez-Oramas has been invited to lecture at several universities and museums, including, recently, at the INHA and EHESS, in Paris (2013); Barnard College-Columbia University (2016); Princeton University (2017-2018-2019); Museo del Prado (2015- 2017); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), in Madrid, and the Gainesville University, Florida (2019). Pérez-Oramas is the author of seven collections of poems (of which the most recent is La dulce astilla, 2015, Editorial Pre-textos) and five collections of essays (of which the most recent is Olvidar la Muerte: Pensamiento del toreo desde América, 2016, Editorial Pre-textos), as well as his numerous collaborations in exhibition catalogs and specialized art publications. In 2020, Editorial Pre-textos (Valencia, Spain) will publish a collection of his essays entitled La inactualidad de la pintura y vericuetos de la imagen.
fevereiro 17, 2020
Visitas dialogadas com Bruno Borne, Mariza Carpes + Túlio Pinto no MARGS, Porto Alegre
O Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS) promove um encontro com os artistas que integram a atual programação de exposições do museu apresentando mostras individuais.
18 de fevereiro de 2020, terça-feira, às 16h, 17h e 18h
MARGS
Praça da Alfândega s/n, Centro Histórico, Porto Alegre, RS
No evento, Túlio Pinto (16h), Bruno Borne (17h) e Mariza Carpes (18h) receberão o público para uma sequência de visitas dialogadas nos espaços expositivos.
A ideia é promover um momento de encontro e conversa com os artistas, a partir dos seus processos criativos e dos trabalhos artísticos apresentados nas três exposições: Túlio Pinto - Momentum, Bruno Borne - Ponto vernal e Mariza Carpes - Digo de onde venho.
Inauguradas em dezembro, as três mostras seguem em exibição até março, quando os espaços expositivos do museu darão lugar aos preparativos para a 12ª Bienal do Mercosul, cuja abertura está prevista para o mês de abril.
O MARGS funciona de terças a domingos, das 10h às 19h, sempre com entrada gratuita. Visitas mediadas a grupos podem ser agendadas por e-mail.
Pinacoteca Barão de Santo Ângelo visita Museu Nacional de Belas Artes no MNBA, Rio de Janeiro
Na primeira vez que uma representação do rico acervo da Pinacoteca do Instituto de Artes da UFRGS é exposta fora do Rio Grande do Sul, a exposição Pinacoteca Barão de Santo Ângelo visita Museu Nacional de Belas Artes, será inaugurada dia 18 de fevereiro, terça-feira.
A mostra reúne oitenta e seis obras sobre papel — desenhos, aquarelas, gravuras e livros de artista — cobrindo uma linha do tempo que vai do século XIX até a atualidade, contando com peças de artistas nacionais e internacionais da Pinacoteca, uma das instituições culturais gaúchas mais importantes.
A curadoria da exposição “Pinacoteca Barão de Santo Ângelo visita Museu Nacional de Belas Artes” é dos professores Blanca Brites e Alfredo Nicolaiewsky e o evento integra as comemorações dos 85 Anos da Universidade Federal do RGS.
Para a mostra, os curadores agregaram as obras em quatro módulos, obedecendo basicamente a ordem cronológica, subdivididos em pequenos grupos por afinidades formais. O primeiro conjunto, “Tempo de constituição”, é formado prioritariamente por academias e desenhos de gessos, compreendendo temporalmente de 1866 aos anos 1920, com desenhos de Justina Kerner (1846–1941), Pedro Weingärtner (1853–1929) e Francisco Bellanca (1895–1974). O segundo modulo, “Tempo de afirmação”, concentra trabalhos da década de 1920 a 1940, com temáticas variadas entre figuras humanas, paisagens e naturezas-mortas, apresentando, dentre outros artistas, José Lutzenberger (1882–1951), Oscar Boeira (1883–1943) e Francis Pelichek (1896–1937).
Já o terceiro conjunto, intitulado “Tempo de constância”, exibe gravuras de artistas do Clube de Gravura, como Vasco Prado (1914–1998) e Danúbio Gonçalves (1925–2019) e também desenhos de João Fahrion (1898–1970), Alice Soares (1917–2005) e Paulo Peres (1935–2013) em um recorte que abarca dos anos 1940 ao final da década de 1970. “Tempo de continuidade”, o último segmento, avança até o início do século XXI, reunindo propostas diversificadas, dentre as quais podemos salientar as gravuras de Zoravia Bettiol (1935), Anico Herskovits (1948), Maria Lucia Cattani (1958–2015) Rafael Pagattini (1985), e os desenhos de Carlos Pasquetti (1948) e Mário Röhnelt (1950–2019). Todas as imagens cedidas pelo Setor Acervo da Pinacoteca Barão de Santo Ângelo do IA/UFRGS.
Kilian Glasner na Lume, São Paulo
Encontros Austrais reúne trabalhos que nasceram após uma expedição solitária, na qual o artista desbravou cinco países sul-americanos
O desejo de desbravar o continente sul-americano, de conhecer as Constelações Austrais, de se aventurar em uma viagem sozinho e de viver uma experiência de autoconhecimento levou o artista pernambucano Kilian Glasner a percorrer uma jornada de 20.000 km de carro, atravessando cinco países da América do Sul. Desta experiência, nasceram obras inéditas, exibidas a partir de 18 de fevereiro na exposição Encontros Austrais, na Galeria Lume.
O título da mostra alude aos encontros que Glasner teve no decorrer da aventura. Mesmo na condição de viajante solitário, ele se deparou com nativos, andarilhos, pessoas que lhe trouxeram inspiração, que apresentaram novas paisagens e modos de vida.
Com um diário de viagem e câmeras fotográficas, o artista passou 100 dias em expedição percorrendo Brasil, Argentina, Chile, Uruguai e Bolívia. “A ideia não era só fotografar, mas viver a experiência. Quando você passa um tempo sozinho, sem falar com ninguém, vê um mundo diferente, é um mergulho no autoconhecimento”, ele explica.
Glasner eternizou as paisagens por quais passou em mais de três mil fotografias. São registros de lugares diversos do continente, do Deserto do Atacama até Mato Grosso do Sul, transformados agora nos 20 desenhos e pinturas que compõem a mostra. Em alguns trabalhos, o artista traz elementos do hiper-realismo, enquanto em outros faz valer técnicas de pinturas mais soltas.
Já no fim da expedição, em Bonito, no Mato Grosso do Sul, Kilian conheceu o Buraco das Araras, uma enorme cratera em arenito, com cerca de 500 metros de circunferência e 100 metros de profundidade, que abriga uma população de mais de 200 araras. A intensa coloração dessas aves, que recebe luz direta do sol em contraponto ao obscurantismo da formação rochosa, trouxe ao artista uma conexão com as características de sua obra e, também, a sensação de liberdade e um desejo de contemplação. E é o que ele propõe aos visitantes com a instalação Voo (2020).
Kilian convida o público a adentrar uma espécie de câmara escura, um ambiente de contemplação, com trilha sonora produzida em parceria com músico e produtor musical Homero Basílio. Lá, estão as araras eternizadas em suas pinturas. “É um espaço que proporciona uma vivência de um ambiente fantástico, como se o visitante estivesse em uma história, um universo onírico”, conclui Glasner.
Sobre o artista
Kilian Glasner é natural de Recife, Pernambuco. Foi premiado no 39º Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, em 1999. Tem graduação e mestrado na École Nationale Superieure des Beaux-Arts, em Paris, onde residiu de 2000 a 2007. Do período em que viveu na Europa destacam-se a residência artística na Academia Francesa de Artes em Roma, a Villa Médici, e mostras coletivas na França, Holanda e Itália.
Regressou à Recife em 2007 e, no ano seguinte, apresentou uma mostra individual na Galeria Mariana Moura. Em 2009 foi contemplado pelo edital Rumos Artes Visuais do Instituto Itaú Cultural e participou de exposições em São Paulo, Rio de Janeiro, Rio Branco e Brasília. No ano seguinte foi convidado pelo curador Antonio Pinto Ribeiro a apresentar a exposição O Brilhante Futuro da Cana-de-Açúcar, na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa. Atualmente, Kilian Glasner é representado pela Galeria Lume.
Mariana Palma no Tomie Ohtake, São Paulo
Em 2011 o Instituto Tomie Ohtake realizou a coletiva Os 10 Primeiros Anos, com artistas cujas trajetórias notabilizaram-se a partir do ano 2000. A mostra com curadoria de Agnaldo Farias e Thiago Mesquita pretendia apontar recorrências, sintomas e inquietudes comuns aos artistas de destaque no panorama contemporâneo emergente à época. Entre os cerca de 50 participantes, estava a paulistana Mariana Palma (São Paulo, 1979), que retorna agora ao espaço com a exposição Lumina, sua primeira individual em uma instituição cultural na capital paulista.
A mostra retrospectiva Lumina, com curadoria de Priscyla Gomes, curadora associada do Instituto Tomie Ohtake, reúne cerca de 50 trabalhos que repassam os quase vinte anos de carreira da artista, fundamentada, sobretudo, na pintura e no desenho. Segundo a curadora, o conjunto de obras demonstra a recorrência com que a artista se refere à ideia de integração de partes e de superfícies que se tocam e atritam dando forma a um novo corpo. (ler texto curatorial)
Articulando composições ricas em texturas, quase sempre com cores intensas, a obra de Palma provoca a ilusão de sensações táteis, seduzindo o olho do espectador. Segundo a curadora, Lumina, que dá nome à mostra, se refere ao mito de Orfeu, sintetizado no instante em que ele fica cara a cara com Eurídice e a luz dos seus olhos emite um raio em sua direção. (Orfeu foi buscar a amada no mundo dos mortos e conseguiu libertá-la com a promessa de não olhar para trás, mas sucumbiu).
Na exposição, como uma série de atos, tal qual uma ópera adaptada, o visitante percorre diversos momentos do trabalho de Palma. “Explorando elementos provenientes da botânica, de estampas, organismos marítimos e fragmentos arquitetônicos, Palma aborda a interpenetração de corpos, destaca alternâncias entre instantes de tensão e expansão, e compõe infindáveis universos frutos da exploração de luz e sombra”, pondera Gomes.
O percurso pelo espaço expositivo inicia-se com uma série de aquarelas, pinturas e fotografias que corroboram com a mitologia dos amantes. Aos poucos, a narrativa traz, por intermédio de pinturas em grande formato, as idas e vindas dessa trajetória. Para a curadora, o encontro é materializado por uma instalação em que frutos de palmeiras, tal qual duas cascatas, vertem-se em uma bandeja de líquido viscoso. “Palma constrói por intermédio do jorro das plantas uma metáfora pujante do possível encontro desses corpos fatidicamente cindidos”.
Os demais atos exploram a atmosfera da busca de Orfeu por Eurídice, destaca a curadora. Obscuridade e renascimento são fios condutores da aproximação dos trabalhos. Segundo Gomes, esses dois polos explorados são determinantes à compreensão da multiplicidade do léxico da artista. “Embora a profusão de elementos, aliada à intensidade do uso da cor, salte aos olhos no primeiro fitar das obras de Palma, a sutileza e rigor com que a artista articula cada camada sucessiva de tinta desvela um processo lento e meticuloso somente evidente quando nos debruçamos sobre a superfície planar de suas pinturas”, conclui.