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Leonardo Finotti na Casa Modernista, São Paulo

No dia 17 de agosto de 2019, a Casa Modernista, instituição vinculada ao Museu da Cidade de São Paulo e à Secretaria Municipal de Cultura, abre a exposição Sotaques Paulistanos da Bauhaus, mostra individual do fotógrafo Leonardo Finotti. A mostra, com 20 obras, registra a ressonância do pensamento da escola alemã em obras de arquitetos brasileiros como Lina Bo Bardi, Vilanova Artigas, Burle Marx, Oscar Niemeyer, Paulo Mendes da Rocha, Rino Levi, David Libeskind, Décio Tozzi, Joaquim Guedes, Marcos Acayaba, entre outros.

O olhar “organizador” de Leonardo Finotti passeia pelas construções destes grandes mestres para mostrar, como no brutalismo, a essência e a função primeira dos materiais como vidro, madeira e aço, da integração com o urbanismo e outras características da escola Bauhaus em edifícios, públicos ou privados, casas e jardins na cidade de São Paulo, batizando suas fotos com os nomes dos elementos arquitetônicos que elas apresentam. Assim, Pilar, Rampa, Marquise, Esquadria, Brise, Viga, Treliça, entre outros, ganham dimensão e status de “top models” da arquitetura paulistana.

À convite do diretor do Departamento dos Museus Municipais, Marcos Cartum, “Sotaques Paulistanos da Bauhaus” ganha os espaços da primeira Casa Modernista de São Paulo, assinada pelo arquiteto Gregori Warchavchik, e chega com o cuidado de dialogar respeitosamente com o espaço -- que está em início de obras de restauração -- e com o olhar do fotógrafo em cada imagem, através da expografia de Michelle Jean de Castro, que respeita e estabelece relações com este momento da casa. As obras são instaladas em suportes metálicos (escoras) usados para sustentar lajes em construção e se utilizam da iluminação presente. São 20 fotos de 80 x 80 cm, todas em P&B, derivadas de duas séries de produção do fotógrafo: Brutiful e Urbanometria, produzidas entre 2006 e 2018.

A atual gestão do Museu da Cidade reativou o uso cultural da Casa Modernista e busca no momento viabilizar para breve o início das obras de requalificação a partir de projeto já aprovado nos órgãos de preservação.

“O diálogo entre os espaços da primeira construção modernista no Brasil e os registros de alguns exemplares da arquitetura de ‘inspiração bauhausiana’ possibilita uma imersão poética singular que potencializa a percepção de conceitos e princípios do programa da escola presentes na paisagem paulistana”, afirma Cartum.

O trabalho fotográfico de Leonardo Finotti é altamente respeitado mundo afora. Enquanto abre na cidade de São Paulo a exposição “Sotaques Paulistanos da Bauhaus”, tem outras exposições ou obras em exibição em seis mostras em locais como New York Botanical Garden (Nova York, EUA), COAC (Girona, Espanha), Centro Cultural la Moneda (Santiago, Chile), Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, EUA), Design Museum (Londres, Inglaterra), e Casa da Arquitectura (Matosinhos, Portugal). Além disso, suas imagens são parte permanente do acervo de instituições do calibre de MoMA-NY (EUA), Bauhaus Dessau Foundation (Alemanha), Fundação EDP (Portugal), AzW (Áustria), MOT (Japão), Cité de L'Architecture & du Patrimonie (França), MAR (Brasil), entre outros.

“Nosso trabalho, artista-arquiteta, transcende nossa vida de casal como uma simbiose entre a imagem e o espaço, sempre estabelecendo diálogos entre a história da arquitetura e fotografia preenchendo pouco a pouco lacunas na memória visual na América Latina”, dizem em uníssono Leonardo e Michele.

Leonardo Finotti é artista visual e tem sua trajetória estruturada através de dois pilares complementares. Ele empreende, através da fotografia, uma exploração rigorosa da Arquitetura Moderna e uma investigação dos espaços urbanos anônimos ou informais.

Após se graduar em Arquitetura e concluir pós-graduação na Bauhaus Foundation (Dessau, Alemanha) começa sua carreira como fotógrafo em Portugal, onde viveu por seis anos, colaborando com os mais importantes arquitetos portugueses. Inicia então um projeto sistemático de releitura do Modernismo em diferentes continentes, que prossegue quando do seu retorno ao Brasil. Contribui internacionalmente com diferentes arquitetos e publicações, ao mesmo tempo em que desenvolve diversos projetos pessoais (exposições, publicações) tendo a arquitetura e a cidade como eixo principal de sua pesquisa visual: Pelada (2014), Latinitudes (2015), Rio enquadrado (2016), Brutiful (2017), para citar apenas alguns.

Já realizou diversas exposições individuais e coletivas e seu trabalho faz parte de coleções de algumas das mais importantes instituições públicas e privadas, tais como Bauhaus Dessau Foundation (Alemanha), Fundação EDP (Portugal), AzW (Áustria), MOT (Japão), Cité de L'Architecture & du Patrimonie (França), MAR (Brasil). Representou o Brasil em duas Bienais de Arquitetura de Veneza, Shenzhen, na X Bienal de Arte do Mercosul e foi premiado na XV Bienal Internacional de Arquitetura de Buenos Aires.

Em 2008, Finotti foi convidado por Barry Bergdoll, então curador-chefe do MoMA-NY, a fazer parte da exposição “Latin America in Construction: Architecture 1955-1980”. O projeto, desenvolvido ao longo de sete anos, reinterpreta visualmente o legado da arquitetura moderna da América Latina. O trabalho além de integrar a exposição, teve 15 obras adquiridas para sua coleção permanente e recebeu um capítulo no catálogo, sob a forma de portfólio.

Emanuel Monteiro na Mamute, Porto Alegre

Exposição Tinha textura o meu silêncio, de Emanuel Monteiro, inaugura dia 16 de agosto, às 19h, na Galeria de Arte Mamute. O artista apresenta obras inéditas oriundas de sua pesquisa de doutorado em Artes Visuais no Instituto de Artes da UFRGS.

A histórica escadaria da galeria recebe obra In Situ, com poema de Drummond de Andrade, cunhado sobre as paredes. As salas apresentam desenhos em grandes formatos e uma instalação composta por fragmentos de vaso em barro e projeções de slides.

A mostra tem curadoria de Henrique Menezes (ler texto curatorial), pesquisador pós-graduado em Estudos Curatoriais e Arte Contemporânea pela Universidade de Lisboa.

Emanuel Monteiro (Londrina/PR, 1988). É Doutorando pelo Programa de Pós-graduação do Instituto de Artes da UFRGS e Mestre em Artes Visuais pela mesma instituição. Vive e desenvolve seu trabalho artístico entre Porto Alegre e Curitiba. Seus desenhos e pinturas configuram-se em módulos de papel dispostos lado a lado, com grossas camadas de tinta e materiais não convencionais como terra, sementes, flores, folhas de ouro, entremeadas com escrita pontiaguda de textos poéticos da literatura. Um livro aberto com páginas dadas simultaneamente ao olhar do espectador. Na mesma técnica constrói seus livros de artista, grossas camadas de matéria da natureza e grafias com ponta-seca. Produz pintura, desenhos e livros de artista.

Henrique Menezes (Porto Alegre/RS, 1987). É curador independente, membro do Comitê de Curadoria e Acervo do Museu de Arte Contemporânea RS e do Comitê Curatorial da Fundação ECARTA. Entre 2018 e 2019, atuou como Curador Assistente na Fundação Iberê Camargo. Indicado ao Prêmio Açorianos de Artes Visuais - Prefeitura de Porto Alegre, na categoria Destaque em Curadoria 2018. Graduado pela UFRGS, tem pós-graduação em Estudos Curatoriais e Arte Contemporânea pela Universidade de Lisboa. Na Fundação Iberê Camargo, foi curador da mostra Continuum (2018), além de assinar projetos curatoriais e textos críticos para instituições como AC Institute (Nova Iorque), MACRS, Espacio de Arte Contemporáneo Uruguay, The Switch Gallery (Lisboa), Museu do Trabalho, Instituto Estadual de Artes Visuais e Fundação ECARTA. Seus interesses envolvem temas como pertencimento e identidade, geração millennial (pós-1980) e o impacto da cultura digital no sistema da arte.

Daniel Lie na Casa do Povo, São Paulo

Supremacia humana: o projeto falido é uma instalação site-specific pensada como oferenda para a Casa do Povo. O trabalho de Daniel Lie acontece nas duas extremidades do prédio da instituição, erguida em 1953: no subsolo, onde fica o histórico teatro TAIB, e no terraço, espaço onde diferentes usos acontecem diariamente. A instalação criada para o teatro só poderá ser vista pelo público em dois momentos: na data da abertura (10/08) e encerramento (28/09) da exposição. No terraço, a visitação acontece durante o horário de funcionamento da Casa do Povo.

A convite da Casa do Povo para pensar um projeto relacionado ao jardim, Daniel Lie coloca em questão a supremacia humana e o jardim como estrutura de colonização, dependência e dominação. O trabalho tem como protagonistas seres além-de-humanos, como fungos e bactérias, que se multiplicam e se transformam no decorrer da exposição. Partindo da ideia da Casa do Povo como ecossistema, cuja atuação sugere consciência própria, a artiste entende a pluralidade de vidas que constituem esse “povo” como existências que incluem também além do humano.

Pensando a instalação como alimento energético para o que não se vê, Daniel Lie reivindica outras lógicas de cooperação entre agentes naturais como base fundante para o jardim em processo.

Sobre Daniel Lie

Artista visual, de ascendência pernambucana e indonesiana, Daniel Lie nasceu em São Paulo e vive atualmente um processo nômade. Tem o tempo como pilar central do seu trabalho, desde a memória mais antiga e afetiva - trazendo histórias familiares e pessoais - até o tempo das coisas no mundo e dos ciclos da vida, humanos e além-de-humanos. Por meio de instalações e objetos, utiliza os materiais como eles são e trabalha com a performatividade de elementos como plantas, frutas, processos de vida e morte de fungos e bactérias, minerais. O olhar também é direcionado para tensões entre ciência e religião, ancestralidade e presente, magia e vida cotidiana. Daniel Lie já desenvolveu trabalhos site-specific em mais de 11 países com destaque para a sua recente individual no Jupiter ArtLand (Reino Unido), e participação em exposições coletivas como Bienal de Yogyakarta (Indonésia), Fundação Osage (China), Viena Festwochen (Austria), Kampnagel (Alemanha), Espacios Revelados (Chile e Colômbia). No Brasil, seu trabalho esteve presente na Trienal de Artes do Sesc Sorocaba, Centro Cultural São Paulo, Centro Cultural Banco do Brasil, Casa do Povo e Oficina Cultural Oswald de Andrade.

Tuneu na Raquel Arnaud, São Paulo

Se em sua última exposição na galeria, em 2017, o professor, pintor e desenhista Tuneu (Antonio Carlos Rodrigues – São Paulo, 1948) apresentou uma série de trabalhos que tinha na figura do hexágono o seu denominador comum, desta vez foge de um padrão único, ao reunir diferentes formas geométricas. Assim o artista produz mais um capítulo de sua constante pesquisa em torno de uma geometria sensível e atenta às relações entre planos e cores.

Em Colmeia, nome que associa o hexágono à figura do retângulo, com texto expositivo assinado pelo crítico Fabio Magalhães, há cerca de quatro pinturas e 15 desenhos que exploram os desdobramentos de formas e de cores na superfície. O crítico cita mais de uma vez as relações continente/conteúdo que, para Tuneu, dizem respeito às formas e seus desdobramentos no espaço. Enquanto um triângulo é continente como forma definidora de uma tela, por exemplo, vira conteúdo dentro de um desenho, de uma pintura.

Para Magalhães, o artista soube equilibrar o poético e o cerebral na sua expressão. “Fugiu do padrão construtivo e das sequências matemáticas previsíveis; explorou os possíveis desdobramentos da forma e da cor na superfície, e incorporou, muitas vezes, irrupções de formas no espaço (zonas de tensão), que estimulam o movimento dos planos e das cores estabelecendo novos conjuntos e ritmos visuais”, explica.

Se nas pinturas interessa a Tuneu as relações entre as cores pelas tonalidades, que aproximam ou afastam os planos, nos desenhos o artista busca os contrastes. Segundo Magalhães, ainda, para o artista as cores formam campos de força, de luz e de penumbra – de vibrações sutis. “A obra de Tuneu não se acomoda, está sempre atenta à experimentação, à inovação. O artista explora novos percursos sem abandonar as experiências adquiridas no passado. Desse modo, sem perder a memória e a coerência, a sua plástica permanece sempre aberta e com o frescor de um dia que amanhece”, completa o crítico.

SOBRE O ARTISTA

Pintor e desenhista, Tuneu [Antonio Carlos Rodrigues] estudou com Tarsila do Amaral entre 1960 e 1966 e recebeu influência de Wesley Duke Lee. Foi assistente de Willys de Castro e Hércules Barsotti durante vários anos. Em 1966 realizou sua primeira mostra individual no João Sebastião Bar, em São Paulo.

Entre as exposições de que participou, destacam-se: Salão de Arte Contemporânea de Campinas (várias edições entre 1966 e 1974, Prêmio Viagem à Europa, 1970, e Prêmio Aquisição, 1974); 16º e 17º Salão Paulista de Arte Moderna (São Paulo, 1967 e 1968); Bienal Internacional de São Paulo (várias edições entre 1967 e 1975, Prêmio Aquisição Itamaraty, 1971 e 1975); Panorama da Arte Atual Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (várias edições entre 1971 e 1989); 3º e 6º Salão Paulista de Arte Contemporânea, no Museu de Arte de São Paulo (1971 e 1975); Arte na Rua 2 (São Paulo, 1984); Off Bienal, no Museu Brasileiro de Escultura (São Paulo, 1996). Em 2010, a Casa de Cultura de Paraty (Rio de Janeiro) apresentou uma exposição individual do artista. A editora BEI organiza um amplo catálogo sobre sua trajetória e obra. A Galeria Raquel Arnaud, que representa Tuneu desde 2008, realizou individuais do artista em 2008, 2013 e 2017.

Shirley Paes Leme na Raquel Arnaud, São Paulo

Com lembra Douglas de Freitas, que assina o texto desta exposição, uma das questões centrais na produção de Paes Leme “é a matéria, seja em sua transitoriedade ou nas marcas que certas ações sobre elas podem produzir, lembrando que o próprio vazio do espaço, o ar, é ele mesmo matéria”. Isso explica o fato de artista nomear a exposição de RareAr, enfatizando o “Ar” na palavra.

Em Resíduos da cidade, iniciado na década de 1980 e desenvolvido até hoje, Shirley Paes Leme remove filtros de ar condicionado de carros para realizar desenhos e composições. Esses filtros de feltro sanfonado chegam para a artista tingidos de diversos tons de cinza, resultado da fumaça filtrada na passagem do ar. Com um removedor, parte desses filtros são trabalhados, em um desenho feito pela remoção dessa matéria. “São desenhos sem marcas precisas, se constroem em manchas de degradê, entre peso e leveza. Eles explicitam o peso do ar, registram a cidade, e são eles mesmos a própria cidade impregnada”, afirma Freitas.

Já na instalação São Paulo à noite: Poema Concreto, de 2014, três estantes repletas de livros de diversos assuntos estão pintadas de negro. As únicas informações que se fazem ver são poucas palavras nas lombadas dos livros, cuidadosamente eleitas pela artista. Assim o que se constrói é um skyline, uma massa constante e similar, porém cheia de singularidades, como as cidades. “Assim como nós habitamos as cidades, no trabalho as palavras habitam o skyline, e se nossas histórias também constituem a identidade da cidade, aqui a cidade também se faz de histórias, das mais diversas possíveis, cheias de singularidades, como as cidades”.

SOBRE A ARTISTA

Nascida em 1955, iniciou em 1975 sua formação artística no curso de Belas-Artes da UFMG e foi aluna de Amílcar de Castro. Entre 1981 e 1986 viajou para diversos países; estudou na Universidade do Arizona em 1983, no Instituto de Arte de San Francisco e na University of California, Berkeley, em 1984. Em 1986, obteve o título doutora em Artes na J.F.K. University, Berkeley. Foi bolsista da Fundação Fullbright de 1983 a 1986. Executa desenhos, intervenções, performances e instalações. Tem recebido vários prêmios nos principais salões brasileiros e norte-americanos. Realiza exposições individuais no Brasil e no exterior. Participa de coletivas desde 1975, com destaque para Novos Valores da Arte Latino-Americana, no Museu de Arte de Brasília, 1989; Bienal de Lausanne, 1993; VII Bienal da Polônia,1995; Deux Artistes Brésiliens: Amílcar de Castro et Shirley Paes Leme, Paris, 1996; Die Anderen Modernen, Casa das Culturas do Mundo, Berlim,1997; e Tridimensionalidade na Arte Brasileira do Século XX e Diversidade da Escultura Brasileira, Itaú Cultural, 1997. Em 1999 participou do programa Artista em Residência no Kunstlerhaus Bethanien, em Berlim. Em 2000 participou das seguintes mostras: II Bienal do Mercosul, Porto Alegre; VII Bienal de La Habana, Cuba; Mostra do Redescobrimento -Brasil +500, São Paulo e Século XX: Arte do Brasil, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal. Em 2001: Bienal 50 anos, São Paulo; e Côte à Côte - Art Contemporain du Brésil, musée d’art contemporain de Bourdeaux, França. Em 2013, expôs Água Viva, Museu Vale, (Vitoria, E.S, 2012). Atualmente participa da exposição Examples to follow! Em cartaz no Kulturhof num Güldenen Krönbacken, na Alemanhã e também da mostra ambiental Arte e Movimentos no Mube, em São Paulo.

Ester Grisnpum na Raquel Arnaud, São Paulo

A mostra Duplos os Lugares traz os mesmos títulos de duas exposições (Os Duplos, de 1989) e (Do Lugar, de 1997) realizadas por Ester Grinspum entre os anos 80 e 90. A Galeria Raquel Arnaud reúne quatro pares de esculturas em ferro, quatro desenhos em nanquim que conversam entre si, e um desenho em bastão de óleo, síntese dos diálogos em nanquim. Já é reconhecido como o desenho é pensamento seminal na obra de Grinspum, de seu trabalho gráfico às esculturas. Sônia Salztein, em seu texto para a exposição, acrescenta: “Talvez se possa mesmo dizer que essa obra se realiza numa região indefinida entre o desenho e a escultura, e que seu desafio crucial seja manter-se numa tensão controlada entre esses dois lugares”. A mostra aponta outras questões, como diálogo e delimitação, que também marcam a produção da artista.

“No vocabulário austero, de formas elementares que se decantaram ao longo de décadas de paciente lapidação nas obras gráficas de Grisnpum – nas quais círculos cheios e vazados, barras paralelas, retângulos hachurados e jarros se distribuem num deserto branco de papel – é na maior ou menor distância entre essas formas enigmáticas que o trabalho propriamente se realiza”, afirma Salztein. Para a crítica, a constelação de signos brota lacônico demais para configurar um feixe de relações, para compartilhar um espaço comum, uma comunidade de indivíduos. “A disjunção, a distância lunar entre eles – e, inversamente, a sugestão de um fluxo de trocas que se anuncia, mas que fica permanentemente em suspenso – é parte substancial dessa obra, seja nas esculturas ou nos desenhos”. Para Salztein ainda, ”as esculturas carregam à flor da pele a mesma lógica de superfície dos trabalhos gráficos, a proximidade misteriosa com a escrita, uma proximidade que de fato silencia e desarticula a um passo da escrita”.

SOBRE A ARTISTA

Formou-se em Arquitetura e Urbanismo pela Universidade de São Paulo. Fez sua primeira exposição individual na Pinacoteca do Estado de São Paulo, em 1981, e a seguir no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo e na Galeria Funarte Macunaíma no Rio de Janeiro, em 1983. A partir de então, fez várias exposições individuais no Brasil e exterior, entre elas na Galeria Paulo Figueiredo em 1989,1991,1994; na Galerie Lil'Orsay, Paris, em 1993 e 1995; na Galeria Marilia Razuk, em 1997 e 2009; no Paço Imperial do Rio de Janeiro, em 1997; no Musée de Langres, em 1999; na Pinacoteca do Estado de São Paulo, em 2004; e na Galeria Transversal e no Instituto Tomie Ohtake, em 2011.

Participou de inúmeras exposições coletivas, como Como vai você, Geração 80?; Bienal Latino-Americana de Arte Sobre Papel, em Buenos Aires, 1986; I e II Bienal de Havana, 1984 e 1986; XX Bienal Internacional de São Paulo, 1989; Tabula Rasa, Bienna, Suíça, 1991; UltraModern – The Art of Contemporary Brazil, Washington, 1993; Bienal Brasil Século XX, 1994; Selections Brazil, Drawing Center, Nova Iorque,1995; I Bienal do Mercosul, 1996; Stedelijk Museum, Schiedam, Holanda, 1996; Escultura Urbana, Alger, 2003; ARCOMadrid, Solo Project, 2012.

Foi contemplada com a Bolsa de Trabalho European Ceramic Work Centre em s'Hertogenbosch, Holanda, em 1995; a Bolsa Virtuose e de Residência na Cité des Arts, em Paris, em 1997 e 1998; e a Bolsa Vitae de Artes, em 2002, entre outras.

Possui trabalhos em coleções como Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brooklyn Museum (Nova Iorque), Fonds National d'Art Contemporain (França) e Coleção Patricia Phelps de Cisneros.

Cadu na Anita Schwartz, Rio de Janeiro

Artista paulistano radicado no Rio, destacado no panorama contemporâneo por sua produção que abrange desenhos, pinturas e esculturas resultantes de longos processos de pesquisa, ocupa os dois andares da Anita Schwartz Galeria mostrando cerca de 30 obras inéditas, em sua primeira individual na galeria

Anita Schwartz Galeria inaugura no próximo dia 4 de setembro de 2019, às 19h, a exposição Fábrica de Ratoeiras Concorde, com perto de 30 trabalhos inéditos, entre desenhos, pinturas, esculturas e duas obras interativas, do artista Cadu, nascido em São Paulo, em 1977, e radicado no Rio de Janeiro. No grande espaço do piso térreo estarão as obras das séries “Fábrica de Ratoeiras Concorde”, e as interativas “Chinese Whispers” e “Pantógrafo”.

A série que dá nome à exposição, “Fábrica de Ratoeiras Concorde” é um conjunto de nove pinturas sobre papel, em tamanhos que variam entre 1,90m x 1,50m e 1,80m x 1,50m. Partindo de dois conceitos distintos, uma ratoeira e o avião Concorde, o artista constrói uma imagem poética, “que leva a uma série de associações, uma relação entre duas criações do engenho humano”. “Uma forma pedestre, um objeto rudimentar de caça para controle de pragas, e a outra uma aeronave, uma desobediência aos deuses, da ambição industrial”, comenta, acrescentando que “os dois cedo ou tarde acabaram ficando obsoletos”. Ele busca criar imagens “que têm a ver tanto com esquemas de distorção de espaço, que sugerem circuitos fechados, gaiolas, grades de onde fica difícil escapar”. “São arapucas visuais, em que se pode ficar preso ou escapar, se for rápido como um Concorde...”. “São diagramas matemáticos de distorção do espaço, dialogam com pinceladas abstratas, em um estranho convívio entre ordem e caos, que ora oferecem volume ao conjunto, ora o planificam”, observa.

Chinese Whispers

Na obra interativa “Chinese Whisper”, ou “sussurro chinês”, a brincadeira popular conhecida entre nós como “telefone sem fio”, o público poderá movimentar um lápis acoplado a um inventivo sistema criado pelo artista que reproduz o gesto feito, o desenho, resultando versões aumentadas, diminuídas ou distorcidas do desenho original. “Tanto é escultura, gesto performático, como partitura de desenho, que usa este lugar que é eleito como a superfície do trabalho, a mesa, para pensar versões, distorções, reduções, ampliações, de imagem e de discurso”, diz.

Pantógrafo

Neste outro trabalho interativo, o “Pantógrafo” consiste em uma mesa de 2m x 2m, em que o público fará um pequeno desenho em um canto, e no lado oposto surgirá uma imagem ampliada em oito vezes. O atrito provocado pela ação da máquina, do bastão com a mesa, “que pode lembrar uma batuta de maestro”, provoca um som, que para o artista é “como se fosse o próprio instrumento musical imprimindo a partitura dele no momento de produção da música”. “Mais uma vez se trata de uma situação híbrida, em que se tem gesto, desenho, escultura, sonoridade, convivendo”, destaca Cadu. A palavra pantógrafo vem do grego pantos, que significa “tudo”, mais graphein, “escrever”, e é um aparelho utilizado para transferire redimensionar figuras, inventado possivelmente pelo astrônomo e jesuíta alemão Christoph Scheiner (1575-1650) em 1603.

SEGUNDO ANDAR

No segundo andar da galeria estarão quatro séries: “Ganga”, “Craca Ganga” (com Virgilio Bahde), “Ágata” e “Walden”.

A série “Ganga”, feita em parceria com o artista e ourives Virgilio Bahde, são dez esculturas em que se explorou o processo de galvanização, em que o metal é submetido a uma solução salina, eletrificada, e se dissolve, migrando por indução para outro lugar. Dez ganchos de metal passaram por demorados procedimentos que levaram meses, e passaram por esse processo, ganhando aglutinações que se assemelham a corais. Cadu lembra que na mitologia grega quando Perseu corta a cabeça da Medusa e a arrasta sobre as águas do mar, surgem os corais, “que são as pedras do mar que vão ornar os cachos das ninfas”. “Aquela que tudo transformava em pedra no seu último gesto produz beleza”, comenta. Há um ano o artista vem se interessando por questões de diluição, indução e coagulação, que são os princípios básicos da alquimia. Derivando de sua conhecida pesquisa sobre a paisagem e a passagem do tempo, o artista passou a explorar características telúricas dos elementos. Ele explica que “ganga” é o nome dado na mineração para as impurezas presentes no metal que se pretende refinar. Sua origem etimológica é matriz africana, e advém do termo “nganga”, que denomina o feiticeiro chefe dos antigos terreiros cabindas. Nas dez esculturas expostas, o público verá a progressiva metamorfose sofrida pelo metal no processo do trabalho.

Cadu lembra que seu sempre tem “um dado de diluição de autoria”. “Com Virgilio Bahde, partilhamos o próprio procedimento, a operação técnica, e o resultado do trabalho. A força vem daí. Em épocas de Medusa, temos que fazer os nossos escudos de Perseu. Arte é isso. É um escudo para a gente não olhar diretamente para o problema, mas para se olhar de lado, nos protegendo, com nossa esfera imunossimbólica, porque o real petrifica”, afirma.

“Craca Ganga”, também em parceria com Virgilio Bahde, é uma série de oito esculturas feitas em madeira, níquel, cobre e incrustação de pedras semipreciosas brutas, como ônix, malaquita, ágata, quartzo fumê e pirita. “É um mimetismo de construção entre algo que é mineral, vegetal, oceânico, marítimo, em um raciocínio mais formal de construção compartilhada, com etapas divididas no processo. No final temos um jardim mineral sobre tronco de árvores que são metalizados”, conta.

“Ágata” é uma série de 14 trabalhos de pintura em óleo sobre chapas de alumínio em tamanhos variados entre 60cm x 60cm e 25cm x 25cm, que recebem aplicação de lâminas de pedras semipreciosas brutas, como ágata, granada, quartzo, zurita e malaquita. As obras intrigam o espectador, por parecerem uma colagem, e não se saber ao certo onde está a pintura, se por baixo ou por cima das pedras. “A pessoa não sabe se foi feito à mão, ou se já estava pronto, e há uma certa relação óleo/água que embaralha o olhar”, diz o artista.

“Walden” é um conjunto de três gravuras relevo sobre papel, formando uma única peça, feitas a partir de páginas do livro “Walden ou A Vida nos Bosques” (1854), autobiografia do escritor transcendentalista Henry David Thoreau (1817-1862). A publicação acompanhou Cadu durante o ano em que residiu, a partir do primeiro dia do inverno de 2012, em uma cabana construída por ele mesmo, na região serrana do Rio de Janeiro. O artista queria recriar nas gravuras os caminhos percorridos pelos cupins, que devoraram as folhas de papel. Para isso, se dedicou a dois anos de pesquisa, para criar um sistema adequado, com um movimento constante para que o ácido criasse nas chapas de cobre as áreas determinadas. “De alguma forma, este trabalho reproduz o processo presente nas outras obras com metal, como também o processo de corrosão que o papel passou quando o cupim comeu, recriando este caminho”, destaca. Nesta obra, o artista trabalhou com o mestre gravador Agustinho Coradello, requisitado por artistas como Beatriz Milhazes, Cildo, Thereza Miranda, entre outros grandes nomes.

SOBRE O ARTISTA

Cadu (1977, São Paulo) é artista plástico, professor da PUCRio e da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. A prática artística de Cadu lida com a criação de sistemas, máquinas, instalações, pinturas, desenhos e esculturas que incorporam elementos da natureza para impulsionar as barreiras da relação entre o homem e a paisagem. Esses sistemas também são utilizados para explorar a arte sonora. O artista recebeu a Bolsa Iberê Camargo, que lhe concedeu um programa de residência em 2001 no London Print Studio. Em 2008, foi artista visitante na Universidade de Plymouth, a convite do Arts Council (Reino Unido). Cadu foi finalista do Prêmio Marcantonio Vilaça em 2011. Foi indicado ao PIPA em 2010, 2011, 2012 e venceu a edição de 2013. Vive e trabalha no Rio.

Artista ativo na cena contemporânea nacional e internacional desde 2000, Cadu participou de muitas exposições no Brasil e no exterior. Exemplos são as individuais no Museo Jumex, na Cidade do México (2017), e na Galeria BWA SOKÓŁ, em Nowy Sącz, Polônia (2015); em Lima e Lisboa (2012); e Santiago do Chile (2010), entre outras. Integrou diversas bienais, como a Anozero 19 – Bienal de Arte Contemporânea de Coimbra (2019), 4ª Bienal do Fim do Mundo, em Mar del Plata, Argentina (2014), 13ª Bienal de Istambul, Istambul (2013), a 30ª Bienal de São Paulo (2012), a 7ª Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, e a 27ª Bienal de São Paulo (2006), em colaboração no trabalho de Mabe Bethônico.

Recentes exposições coletivas destacadas são “Movilizando afectos: Coparticipación e inserción local, tres proyectos artísticos”, no Museu Amparo, em Puebla, México, “Projeto Cavalo – Quadrivium” no Instituto Tomie Ohtake e “Matriz do Tempo Real”, no MAC USP, São Paulo, em 2018; 35º Panorama da Arte Brasileira: Brasil por multiplicação – Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 2017; “Wind Line – Pionner Works”, Nova York, em 2014; “Amor e ódio a Lygia Clark”, na Zacheta National Gallery, em Varsóvia, Polônia e IV Annual Hybrid Art, no Manage Exhibition Space, em Moscou, em 2013; “After Utopia”, no Museo Centro Pecci, Prato, Itália, em 2009; “Estratégia”, no Plymouth Art Centre, Inglaterra, “Paper Trail: 15 Brazilian Artists”, Allsopp Contemporary, Londres, “Champs D’expériences – L’artcomme expérience – Le 10neuf”, no Centre Régional D’art Contemporain, Montbéliard, França, em 2008, entre muitas outras. Ao longo dos anos participou de muitas mostras no Instituto Tomie Ohtake e Instituto Itaú Cultural, em São Paulo, e na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre.

No Rio de Janeiro, sua última individual foi “Entardecer no Ano do Coelho”, em 2011, na Casa de Cultural Laura Alvin. Em 2013, integrou a mostra de finalistas do PIPA, no MAM Rio, em que foi o vencedor da categoria principal. Entre outras coletivas na cidade, participou em 2015 de “Silêncio Impuro”, na Galeria Anita Schwartz, “Singularidades/Anotações: Rumos Artes Visuais”, no Paço Imperial, “Ocupação Mauá – Cais do Porto”; em 2008, de “Nova Arte Nova”, no CCBB; em 2006 de “Linguagens Visuais 10 Anos”, no Centro de Arte Hélio Oiticica, e de diversas edições do projeto “Multiplicidades, no Oi Futuro.

De 2015 a 2017 foi artista em residência pela Fundação InSite (México) e realizou residência artística com o projeto Plataforma Atacama. Em 2017 foi artista comissionado pela National Endowment for the Arts, Robert Wood Johnson Foundation e XLab IDEAS para trabalho em Natchez (Mississipi, EUA). Em 2018, artista comissionado pela HaundenschildGarage (San Diego, EUA) para execução de projeto na sede da fundação e para residência artística com a Secretaria de Educação do Município do Rio de Janeiro, através de parceria com o Instituto República.

É professor pesquisador da PUCRio no Departamento de Artes e Design e do projeto Escola Sem Sítio, em parceria com o Paço Imperial e a Vila Aymoré. Lecionou no Instituto de Artes da UERJ e na Escola Artes Visuais do Parque Lage.

Suas obras estão nas coleções Middlesborough Institute of Modern Art [MIMA], na Inglaterra, no Museu de Arte do Rio [MAR], na Coleção Gilberto Chateaubriand/MAM Rio e no Museu de Arte contemporânea de Atenas.

Carlos Zilio na Cassia Bomeny, Rio de Janeiro

Em exposição na Cassia Bomeny Galeria, em Ipanema, artista plástico apresenta criações inéditas

Dois anos depois de sua última individual na cidade, o artista plástico Carlos Zilio, que está completando 75 anos, apresenta nova mostra, dessa vez na Cassia Bomeny Galeria, em Ipanema, de 4 de setembro a 26 de outubro. Carlos Zilio – Pinturas e Desenhos reúne 13 obras produzidas ao longo dos dois últimos anos tendo, mais uma vez, o tamanduá como tema central.

A imagem do animal é recorrente na obra de Zilio. Apareceu pela primeira vez após a morte do pai, em 1986, por conta de uma história familiar: o pai teve um tamanduá de estimação quando criança. Desde então, a figura se tornou uma espécie de representação de afetividade e nostalgia, num sentido mais subjetivo; e de luto, num sentido mais amplo.

- Geralmente o tamanduá aparece caindo nas obras. Essa é também uma representação à queda da história, das utopias – explica o artista.

Carlos Zilio nasceu no Rio de Janeiro em 1944, estudou pintura com Iberê Camargo no Instituto de Belas Artes em 1963 e formou-se em Psicologia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Participou de algumas das principais exposições brasileiras dos anos 60 como “Opinião 66” e “Nova Objetividade Brasileira”, ambas no MAM carioca. Desde então, é destaque em inúmeras mostras coletivas, como as 9ª, 20ª e 29ª edições da Bienal de São Paulo (1967, 1989 e 2010); a 10ª Bienal de Paris (1977); e a 5ª Bienal do Mercosul (2005).

Na década de 1970, morou na França, onde se doutorou em Artes. E, desde a sua volta ao Brasil em 1980, vem realizando diversas exposições individuais, com destaque para “Arte e Política 1966 – 1976”, nos Museus de Arte Moderna do Rio, São Paulo e Bahia (1996 – 1997); “Carlos Zilio”, no Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro (2000); e “Pinturas Sobre Papel”, no Paço Imperial, no Rio (2005), e na Estação Pinacoteca de São Paulo (2006); " Atensão” no Museu de Arte Moderna do Rio (2016).

Suas mais recentes exposições coletivas foram: “Imagine Brazil” (Oslo, Lyon, Doha, São Paulo e Montreal, 2013 – 2015); “Possibilities of the object – Experiments in Modern and Contemporary Brazilian Art” (Edimburgo, 2015) e “Transmissions: art in Eastern Europe and Latin America, 1960 – 1980” (MoMA, Nova Iorque, 2015), Past/Future/Present, Phoenix Art Museum/MAM-SP (Phoenix, 2017) e Knife in the flash, PAC Padiglione d’Arte Contemporânea (Milão,2018).

Zilio foi professor na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Em 2008, a editora Cosac Naify publicou o livro Carlos Zilio, organizado por Paulo Venancio Filho, sobre sua produção artística. Seus trabalhos estão presentes em diversas instituições, como os Museus de Arte Contemporânea de São Paulo, Niterói e Paraná, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, nos Museus de Arte Moderna do Rio de Janeiro e São Paulo e no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).

Cine Iberê faz sessão comentada de filme sobre Wesley Duke Lee com Cacilda Teixeira da Costa, Eduardo Veras e Sérgio Zeigler

O Cine Iberê recebe no dia 1º de setembro (domingo) os historiadores da Arte Cacilda Teixeira da Costa (SP) e Eduardo Veras (RS) e o diretor e roteirista Sérgio Zeigler (SP), na sessão comentada de "A última viagem de Arkadin D’y Saint Amér", de Cacilda de Ziegler, um curta em três atos sobre o artista Wesley Duke Lee. O poeta Zuca Sardan narra as aventuras de Arkadin D'Y Saint Amér, alter ego do pintor. Trata-se de um documentário sobre as contradições e os conflitos de um artista cuja obra teve sua plenitude nos anos 1960 – eterno "enfant térrible". A sessão ocorre às 16h, no auditório da Fundação Iberê. A entrada é gratuita.

Cacilda Teixeira da Costa é doutora em artes pela Universidade de São Paulo. Especializou-se em arte moderna e contemporânea no Brasil, concentrando sua atividade em pesquisa e curadoria. Foi coordenadora do primeiro núcleo de videoarte do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (1977); curadora do setor de videoarte na XVI Bienal de São Paulo (1981); chefe de programação da Divisão de Artes Plásticas do Centro Cultural São Paulo (1984-1985); diretora técnica do Museu de Arte Moderna de São Paulo, responsável pela política cultural e por seu programa de exposições, no período de julho de 1994 a novembro de 1995; consultora de artes plásticas das séries para televisão e co-autora do curta-metragem "A última viagem de Arkadin D’y Saint Amér".

Eduardo Veras é professor adjunto do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Trabalha com os seguintes temas: crítica de arte, história da arte, historiografia da arte, depoimentos de artistas, arte conceitual e arte contemporânea. Atualmente desenvolve pesquisa sobre artistas viajantes, estabelecendo paralelos, via anacronismo histórico, entre a produção mais recente e a tradição. É também curador independente, tendo apresentado, entre outras mostras, A linha incontornável: desenhos de Iberê Camargo (Fundação Iberê Camargo, 2011); Destino dos objetos (Fundação Vera Chaves Barcellos, 2015); Salta d’água: dimensões críticas da paisagem (coletiva, em coautoria com Diego Hasse, Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, 2017) e Tempos reversos (individual de Hélio Fervenza, Galeria Mamute, 2018). É membro do Comitê Brasileiro de História da Arte e da Associação Brasileira de Críticos de Arte.

Sérgio Zeigler é roteirista e diretor. Formando em cinema pela Universidade de São Paulo, atuou como produtor e criador de diversos programas de TV. Foi diretor de arte do programa Café Filosófico e realizador de documentários, entre eles: A Voz do Morto (1993), co-dirigido por Ângelo Vitor, e Um diálogo sobre energia (2013), co-dirigido por Marta Maia.

O Cine Iberê tem a curadoria da realizadora e produtora audiovisual, Marta Biavaschi. O projeto tem por objetivo promover filmes que dialoguem com as exposições em cartaz na Fundação Iberê. "A última viagem de Arkadin D’y Saint Amér", conversa com a exposição A Zona: A vida e A morte.

Erika Malzoni na Luciana Brito, São Paulo

Com abertura em 31 de agosto, a terceira mostra do programa é composta exclusivamente por obras inéditas da artista paulista

Depois de receber Augusto de Campos e Alberto Simon, a Luciana Brito Galeria convida a artista paulista Erika Malzoni (Itapetininga, SP, 1966) para participar de seu programa artista visitante. Intitulada Expressura, a mostra é composta por obras inéditas e pode ser visitada entre 31 de agosto e 26 de outubro de 2019.

A pesquisa de Erika Malzoni relaciona o potencial narrativo do cotidiano, sistemas de valores culturais e referências da história da arte para refletir sobre temas como a transitoriedade, o excesso, a vulnerabilidade e a memória. Seus trabalhos partem da apropriação de materiais simples, domésticos ou remanescentes. Iniciou sua prática artística pela fotografia, mas rapidamente transitou para a tridimensionalidade, sendo autora de uma vigorosa produção de objetos, assemblagens, esculturas e instalações.

Em sua individual na Luciana Brito Galeria, Malzoni apresenta um conjunto de obras construídas a partir daquilo que sobrou. Os objetos da série Ilustres apresentam-se como cachos improváveis, ao mesmo tempo lúgubres e irreverentes, de lâmpadas queimadas do Jockey Club de São Paulo, envoltas por redes utilizadas para a venda de frutas em feiras e supermercados. Insustentável, por sua vez, é um labirinto de colunas impossíveis: frágeis cabides de plástico compõem uma intervenção arquitetônica alienígena à elegância da casa modernista que os abriga.

Suas estruturas precárias, que ocupam a maior parte da Sala Rino Levi, são assemblagens das muitas embalagens que transbordam, sem percebermos, de nossa vida contemporânea – caixas de medicamentos, de alimentos, de produtos de higiene pessoal. Embora assemblagens sejam uma linguagem bastante explorada pela artista, é raro que ela interfira sobre a nudez de sua matéria-prima, como o fez ao usar tinta acrílica, fazendo pintura a seu próprio modo e construindo com a cor. Apesar da aplicação dos pigmentos, os materiais de que se apropria continuam a guardar sua crueza quase não manipulada, sem parecer algo além daquilo que originalmente foram e, embora modificados e recontextualizados, continuam a ser.

“Eu coleciono sobras do mundo e me questiono se são o que resta ou o que resiste. Meu trabalho trata de observar o processo social e subjetivo de como estamos constantemente negociando valores e seus limites em qualquer circunstância da vida”, explica Malzoni. Também a arquitetura desempenha um elemento importante na sua pesquisa, em particular nesta exposição. A Luciana Brito Galeria está localizada numa construção residencial. A mostra é realizada no espaço expositivo que era o antigo living, o coração da casa, e também em uma pequena sala frontal originalmente pensada como quarto para funcionários. As obras de Expressura possuem essa forte relação com o ambiente doméstico, e, mais do que isso, com a funcionalidade das áreas que estão destinadas a ocupar nesse espaço. “Todos os trabalhos expostos são estruturas precárias que podem ser entendidos como metáfora para a fragilidade das instituições instáveis e falíveis que nos constituem e estão à nossa volta, nos mais diversos âmbitos da nossa sociedade”, complementa.

Erika Malzoni - Nascida em Itapetininga em 1966, Erika Malzoni vive e trabalha em São Paulo. Apresentou exposições individuais no Brasil e no exterior, na Fredric Snitzaer Gallery (Miami, EUA), em 2019; DAP – Divisão de Artes Plásticas (Londrina, PR) e Museu de Arte de Blumenau (SC), em 2018; Museu de Arte Contemporânea de Campo Grande (MS), Museu Alfredo Andersen (Curitiba, PR) e Galeria Emma Thomas, em 2017; Centro Permanente de Exposições de Guarulhos (SP), Museu Histórico Padre Lima (Itatiba, SP) e Oficina Cultural Oswald de Andrade (São Paulo, SP), em 2016. Dentre as coletivas de que participou, destacam-se a a 20ª Bienal de Cerveira (Portugal), em 2018, na qual recebeu o Prêmio Aquisição; as edições de 2015, 2017 e 2019 do Programa de Exposições MARP (Ribeirão Preto, SP); e o programa Abre Alas, na galeria A Gentil Carioca (Rio de Janeiro, RJ), em 2019. Foi ainda premiada no Salão de Arte de Jataí (GO) com uma menção honrosa em 2015. Obras de sua autoria integram as coleções da Fundação Bienal de Cerveira (Portugal) e do MARCO – Museu de Arte Contemporânea de Campo Grande (MS).

Caio Reisewitz na Luciana Brito, São Paulo

Com abertura em 31 de agosto, a mostra é composta por cinco fotografias de grandes dimensões que unem pesquisa formal a uma reflexão sobre a realidade política contemporânea

Em Cassino, sua sexta exposição na Luciana Brito Galeria, sendo a terceira na modernista Residência Castor Delgado Pérez, Caio Reisewitz (São Paulo, 1967) apresenta uma série de cinco fotografias inéditas de grandes dimensões. A mostra, com texto crítico da curadora Luisa Duarte, pode ser visitada no espaço Anexo entre 31 de agosto e 26 de outubro de 2019. Um dos nomes mais reconhecidos de sua geração, Reisewitz formou-se como fotógrafo e artista na Alemanha e no Brasil. Em seu trabalho convergem aspectos como o desenvolvimento de uma estética e técnica impecáveis, o rompimento das barreiras entre fotografia documental e artística, e a exploração do encontro, nem sempre pacífico, entre a racionalidade moderna e a suntuosidade da natureza tropical.

Sua mais recente mostra na Luciana Brito Galeria, Cassino, opera de forma semelhante ao seu corpo de obra ao não apenas permitir, mas promover a coexistência de múltiplas camadas de significação, as quais abrem possibilidades para diversas leituras. As cinco fotografias da série guardam entre si evidentes aproximações formais: foram todas realizadas no mesmo lugar, a Praia do Cassino, localizada em bairro homônimo do município de Rio Grande (RS). Todas as imagens da série parecem conter o mínimo necessário para a identificação de uma paisagem – a linha do horizonte –, flertando com a abstração e aproximando-se da composição pictórica (tendência, de resto, presente em seu trabalho como um todo). A paleta de cor é composta primordialmente por cinzas, o que confere tanto uma aura de melancolia às imagens quanto, por vezes, embaralha o olhar em sua busca pela distinção entre figura e fundo.

Mais do que escolha estética, o aspecto minimalista das imagens reflete o desejo do artista de buscar uma representação do vazio. “Há, nesta série, uma vontade incrível de chegar ao limite da fotografia, ao vazio, que é uma maneira de abordar a situação pela qual estamos passando, agora, no Brasil e no mundo”, explica Reisewitz. Para o artista, que tem, nas memórias de sua infância, recordações dos últimos anos da ditadura militar, nunca se viu, desde então, um momento tão vazio. Assim, embora as fotografias tenham sido realizadas em 2017 e apresentadas em pequeno formato nas ruínas do Cassino da Urca (Rio de Janeiro, RJ) no mesmo ano, sua formalização em grandes dimensões deu-se apenas neste ano, no preparo para a exposição – “como se a série tivesse esperado o momento certo de ser mostrada, pois não faria sentido antes”, complementa.

Embora a geografia não seja o aspecto mais importante para a série, a história da Praia do Cassino, com seu valor anedótico, trai algumas das questões que tanto atormentam os tempos contemporâneos – essa contemporaneidade que parece extremamente recente, inaugurada com eleições de governos de tendências autoritárias, ou talvez com a indicação do termo “pós-verdade” como a palavra do ano. Inaugurado em 1890, o Balneário do Cassino é o mais antigo do Brasil. Em 1994, a praia foi listada – erroneamente – pelo Guinness Book como a mais extensa do mundo.

O próprio nome do balneário parece anunciar os tempos de pós-verdade que viriam mais de um século depois de sua construção: apenas com uma pesquisa rápida no Google (modo que a maior parte de nós usa para descobrir informações rápidas hoje em dia), é praticamente impossível determinar se houve ou não um cassino no local. Algumas fontes afirmam que o plano de um grande cassino nunca se concretizou; outras, que tais planos nunca existiram; outras ainda (e provavelmente as corretas) oferecem relatos de como se davam as dinâmicas sociais no hotel-cassino. Independentemente de sua veracidade histórica, Cassino intitula, agora, a série de Caio Reisewitz, para quem a palavra tem dupla conotação: “um cassino é uma casa de jogos feita para iludir quem nela entra; a pessoa acredita que está à mercê da sorte, mas, na verdade, essa sorte é sempre levemente manipulada para favorecer a casa”, explica o artista. “O título da série faz referência a onde as fotos foram tiradas, mas me interessa principalmente seu caráter ambíguo, pois essa sensação de ilusão do cassino também expressa nossa experiência com a política brasileira nos últimos anos”, conclui.

Após a abertura da exposição, o artista inaugura diversos projetos internacionais. Entre 20 e 22 de setembro, lança o livro de artista Altamira na Art Book Fair Berlin – Friends with Books, realizada no Hamburger Bahnhof, Alemanha. No mesmo mês, acontece a abertura de sua instalação permanente Catendaú na Embaixada do Brasil em Pequim, China. Na mesma cidade, em outubro, apresenta uma instalação de grandes dimensões na Photo Beijing. E ainda no final do ano será finalizado o livro Jaraguá, com ensaio de Adolfo Montejo Navas e editado pela Casa da Imagem, São Paulo.

Lia Chaia na Vermelho, São Paulo

A Vermelho apresenta, de 31 de agosto a 28 de setembro, Febril, a 8ª exposição individual de Lia Chaia na galeria. Chaia apresenta objetos, vídeos, desenhos e fotografias inéditos, além de sua 7ª instalação para a fachada da galeria.

O corpo inserido nos ambientes natural e urbano é um dos temas de pesquisa de Lia Chaia e orienta sua nova exposição individual na Vermelho. Chaia aponta a influência da conjuntura social e política atual na produção da exposição: “O título está ligado à temperatura do corpo. A febre, funciona como um mecanismo de defesa. É um momento para se estar alerta. O corpo em questão é o humano, o corpo social”. Lia faz referências a ancestralidade e a cerimônias ritualísticas de alteração de estado corpóreo em vídeos, objetos, desenhos e fotografias.

Figura encarnada

A série Figura Encarnada agrupa formas articuladas vermelhas feitas em madeira, que lembram os bonecos usados em aulas de desenho de figura humana. Instaladas pelo espaço, as figuras parecem flutuar e dançar. As morfologias das figuras, embora refiram-se a anatomia humana, trazem deformações e são chamadas por Chaia de ‘Transhumanas’.

“Figura Encarnada é um trabalho que tem como referência a questão do ‘Transhumano’, uma vez que pensa, além do corpo humano, outros corpos existentes na natureza e os corpos mitológicos. Essa obra também se inspira nas pinturas corporais dos indígenas feitas como proteção contra os espíritos maus e como uma forma de defesa para enfrentarem o inimigo”, diz Chaia. Nesse contexto a escolha da cor vermelha para Chaia foi fundamental, já que diz respeito ao despertar da vitalidade e à potência dos movimentos, sendo a cor do fogo e do sangue. Chaia cita Wassily Kandinsky: “O vermelho evoca força, ímpeto, energia, decisão, alegria, triunfo. Ele soa como uma fanfarra, onde domina o som forte, obstinado, importuno da trombeta.”

Mulher verde

A Mulher verde de Lia Chaia faz parte de suas figuras ‘Transhumanas’. Lia conta que “a Mulher Verde busca a intersecção entre naturezas distintas, como no corpo feminino, que nas suas conformações se metamorfoseia em Pachamama”. Chaia refere-se a figura mítica andina cultuada como mãe do Tempo e da Terra. Na mitologia Inca, a Pachamama é a Deusa da fertilidade que olha pela agricultura e pela colheita. Certas culturas vêm a Deusa como intolerante com a extração excessiva da natureza e é tida como responsável por terremotos e outros acidentes naturais como reação ao consumo predatório de recursos. Chaia menciona Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral (1886-1973), como outra inspiração para Mulher verde, com sua hierarquia face-corpo invertida tal como na pintura de Amaral.

Máscaras

As Máscaras de Chaia, feitas em madeira vermelha, camurça e paetês, são como carrancas com muitos olhos e funcionam como objetos de proteção. Chaia conta que as máscaras remetem à cultura árabe e, em especial, ao provérbio que meus olhos te protejam (ya aini). “Os olhos se multiplicam para favorecer a vigília”, conta Chaia, que já trabalhou com o provérbio em desenhos e performances.

Mil olhos

Mil olhos integra o conjunto de performances de Chaia feitas para a câmera de vídeo. O plano estático e sequencial reforça a experiência vivida na situação registrada como dado principal do trabalho. De acordo com Chaia, o vídeo é a captura de uma ação de “movimentos insistentes, repetitivos e delirantes da cabeça. Aí está presente a potente recusa - o ‘não’ - e o estado febril. É uma ativação dos conceitos que estão em Máscaras.”

colaboração: João Marcos de Almeida
fotografia: Bruno Risas
som direto: Juliana R.
edição: João Marcos de Almeida

Desenho coreográfico

A performance está presente na obra de Lia Chaia de diversas maneiras. Em suas fotos, vídeos e áudios é comum para a artista recorrer ao próprio corpo para compor a sua obra. Em Desenho coreográfico, um percurso feito com uma linha colada à parede convida o espectador a percorrer, com as mãos e de olhos fechados, seu trajeto, deixando o corpo de quem participa trabalhar junto com o desenho, ativando a obra e colocando seu corpo em movimento.

Mãos chifres

No vídeo, duas mãos sacodem chocalhos em formato de mãos chifradas. O gesto é símbolo evocativo de diversas procedências, seja por satanistas, ou como sinal de proteção contra o mal, como na Itália, onde o gesto equivale às três batidas na madeira. No budismo, uma variante do sinal é usada para expulsar demônios e eliminar obstáculos e negatividade; na Grécia, o sinal remete à traição, já que lembra a mitologia da rainha Pasiphae de Creta, que manteve relação adultera com o Touro de Creta. Um som intenso de bateria acompanha o vídeo, propondo um ruído ritualístico que faz referência a rituais onde o tambor assume papel sagrado na ligação com divindades.

colaboração: João Marcos de Almeida
fotografia: Bruno Risas
som direto: Juliana R.
bateria: Guilherme Paccola
edição: João Marcos de Almeida

Aparição

Aparição é formada por recortes e rearticulações de fotografias que são organizados como máscaras inventadas, que misturam diferentes culturas, desde a austeridade das tradicionais máscaras africanas até pinturas de palhaços, que têm em sua origem o reverso da compostura régia da soberania.

Fonte

A obra registra uma ação fotografada no Viaduto do Ibirapuera, que mostra uma figura feminina cujo corpo se camufla com imagens de vegetação, deixando entrever o seio da mulher que realiza a ação.

Estacionamente

Na fachada da galeria, Lia Chaia propõe uma instalação performática com um banco instalado sob a palavra que dá nome ao trabalho. Com códigos próprios da circulação de automóveis, como a cor amarela que divide as faixas de trânsito e o título, que junta os termos estacionamento e mente, o trabalho é um convite à pausa. Segundo Chaia, “Estacionamente presta-se à desaceleração do ritmo urbano e a um interregno”.

Desenho carimbo seta

Os Desenhos carimbo seta criam fluxos contínuos e multidirecionados, a partir de uma matriz em forma de seta repetida sobre papel; segundo Lia, “os desenhos indicam o movimento incessante do corpo e da cidade.

Tripa métrica

Chaia propõe um objeto em borracha vermelha serigrafada em preto que assume a forma – e o tamanho - de um intestino humano dividido em escalas como uma régua.

Lucia Koch na Nara Roesler, São Paulo

A Galeria Nara Roesler | São Paulo apresenta Tumulto, Turbilhão, segunda individual de Lucia Koch na sede paulista da galeria. As duas obras que dão título à exposição são responsáveis por instaurar a atmosfera que recebe os demais trabalhos que compõem a mostra. Ocupando o salão principal da galeria, Tumulto é um cruzamento de cortinas diagonais que recortam o espaço, gerando um acúmulo de camadas semitransparentes. Parte destas cortinas-filtros parece atravessar as paredes, continuando para além das salas de exposição.

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Essa desordem calculada é o núcleo gerador da exposição, que tem no eixo de Turbilhão seu contraponto. Esta obra se propõe como uma espécie de antivitrine, com a abertura da grande janela de vidro do espaço expositivo preenchida inteiramente por uma treliça vermelha. Nela é instalado um grande círculo (recortado da mesma treliça) que se move vagarosamente com a ajuda de um motor, criando assim um efeito moiré, que pode ser visto tanto de dentro, como de fora da galeria. Durante o dia, o ar e o ruído da rua atravessam a obra e são sentidos na exposição. À noite, com a luz do espaço acesa, o trabalho pode ser visto em movimento constante por quem passa na rua.

Assim como Turbilhão, Trabalho Noturno ecoa a experiência de A Longa Noite, instaurada por Lucia Koch no SESC Pompéia em 2018, e dos workshops em que o público era convidado a construir estruturas temporárias com as hastes de madeira vermelhas ali deixadas pela artista. Em uma sessão com estudantes de Arquitetura da FAU, promovida pelo grupo Lero-Lero, foi criada uma peça de treliça recortada com forma semelhante às janelas do ginásios do SESC, que girava - manualmente - fixa ao portão de treliças original. O experimento que deu origem a estas esculturas cinéticas foi feito por Vitor Martins, Thalissa Bechelli, Gabriel Hirata e Sariana Monsalve, que foram convidados a colaborar com a artista e Leo Padilha, na transposição da peça original para uma nova escultura, autônoma, e também na criação de Turbilhão.

Muitas das respostas aos grandes e pequenos colapsos que vivemos hoje, são criadas coletivamente. Assim acontece em Tumulto, Turbilhão, quando Lucia propõe colaborações e participações de artistas convidadas: Tramatura, que será apresentada na abertura da exposição, é a performance criada pela coletiva Balaiada Qualira - formada pelas artistas Eliara Lua, Flora Maria, Ana Musidora e Jo dos Santos. Visitando A Longa Noite no SESC, reagiram espontaneamente ao espaço transformado e as hastes oferecidas à experimentação, e foram convidadas por Lucia a explorarem novamente aqueles elementos com seus corpos mas em outro espaço sob outra luz.

Além de Tramatura, a Balaiada exibirá a videoperformance Eclipse, feita com Aline Belfort. Projetada em cinemascope, criará uma espécie de janela para imagens de ações experimentadas fora dali. O uso de filtros de cor nas imagens de certa forma evoca a luz violeta das primeiras ações, mas as razões de Tramatura e Eclipse são próprias daquilo que seus corpos experimentam desde então, quando tramam, atravessam, transformam e mudam de lugar.

Recorrente na obra de Lucia Koch, a idéia de “filtro” remete àquilo que opera para transformar a luz de um espaço dado. Em 2007 Lucia criou o drink-obra Filtro, para uma exposição no Centro Universitário Maria Antonia, explorando a indução de estados alterados através da mistura de substâncias, associada a instalação de filtros para cinema nas janelas do espaço vazio. Como teve seu uso limitado pela instituição naquela ocasião, Filtro será servido pela primeira vez ao público no dia da abertura.

Simultaneamente à inauguração da mostra na galeria, acontece o encerramento de Casa de Vento, instalação de Lucia Koch na Casa de Vidro de Lina Bo Bardi, obra emblemática e residência da arquiteta.

(das 11h às 15h, vans sairão da Galeria em direção ao Instituto Bardi – Casa de Vidro)

Lucia Koch nasceu em 1966, em Porto Alegre. Vive e trabalha em São Paulo. Participou do Arte Construtora (1992/1996), projeto coletivo de artistas cuja proposta era ocupar espaços domésticos e públicos com obras ambientadas, produzindo-as de forma independente. Entre as exposições que participou estão: Open Spaces, Kansas City, EUA(2018); Iª Biennale d’Architecture d’Orléans, França (2017); Prospect 3, em New Orleans (2014),11ª Bienal de Sharjah, EAU, 2013; 11ª La biennale de Lyon, França (2011); Aichi Triennale, Nagoya (2010); 27ª Bienal de São Paulo, (2006); Bienal do Mercosul, Porto Alegre (1999, 2005 e 2011); Bienal de Istambul, (2003 e 2015). Integra coleções de instituições como o MAC - Musée d’art Contemporain de Lyon; MAM-Museu de Arte Moderna de São Paulo; LACMA - Los Angeles County Museum of Art; Pinacoteca do Estado de São Paulo; University of Warwick, UK; MCASD - Museum of Contemporary Art San Diego ; The J. Paul Getty Museum, Los Angeles ; MAR - Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro; National Gallery of Victoria, Melbourne; FRAC Centre - Les Turbulences, Orleans; Nouveau Musée National de Monaco; Fundación Casa Wabi, Puerto Escondido, Oaxaca.

Galeria Nara Roesler | São Paulo presents Tumulto, Turbilhão [Tumult, Turmoil], Lucia Koch’s second solo show at the gallery. The two artworks that give the exhibition its title set the scene for the works that compose the show. Occupying the gallery’s main room, Tumulto [Tumult] is the interlacing of diagonal curtains that separate the space, generating a cluster of semi-transparent layers. Some of the filter-curtains appear to traverse the wall, expanding beyond the exhibition rooms.

This calculated lack of order is the driving force behind the exhibition. The counterpoint is provided by Turbilhão [Turmoil], a sort of anti-display-window. The exhibition room’s large glass window is entirely filled with a red trellis, and a sizeable circular cutout from the same trellis moves slowly with the help of an engine, creating a moiré effect that can be seen from both inside and outside the gallery. During the day, the air and noise from the street cross through the artwork into the exhibition. At night, when the gallery’s lights are on, its constant movement can be seen by passers-by outside.

Like Turbilhão, Trabalho Noturno [Night Work] evokes Koch’s experience A Longa Noite [The Long Night], exhibited at SESC Pompéia in 2018, and the workshops in which the audience was invited to build temporary structures with red wooden poles left by the artist. During one of these sessions guided by the collective Lero-Lero, a group of architecture students created a structure of a cutout trellis in a shape similar to the windows of SESC’s sports hall, which was attached to the original trellis gate and manually rotated. The experiment, from which the kinetic sculptures originated, was created by Vitor Martins, Thalissa Bechelli, Gabriel Hirata and Sariana Monsalve, who were invited to collaborate with the artist and Leo Padilha in transposing the original piece into a new autonomous sculpture, as well as the creation of Turbilhão.

Many of the answers to the big and small issues we face today are created collectively. This is also the case in Tumulto, Turbilhão, as Koch proposes collaborations and the participation of invited artists. Tramatura, which will be presented at the exhibition opening, is a performance created by the collective Balaiada Qualira, formed by artists Eliara Lua, Flora Maria, Ana Musidora and Jo dos Santos. In 2018, when visiting A Longa Noite at SESC, the group spontaneously reacted to the transformed space and the poles that were available to the public. They were subsequently invited by Koch to explore the elements with their bodies in another space and under different light.

As well as Tramatura, the collective Balaiada exhibits the video-performance Eclipse, produced with Aline Belfort. Projected in cinemascope, the video creates a kind of window for images of actions performed faraway. The use of color filters evokes the violet light of the original actions. But in fact Tramatura and Eclipse stem from what their bodies have experienced since, whilst they weave, cross, transform and change place.

The idea of ‘filter’ – as the transformation of light in a given space – is recurrent in Koch’s work. In 2007, Koch created the drink-artwork Filtro [Filter] for an exhibition at Centro Universitário Maria Antonia. It explored the induction of altered states through the mixing of substances and the installation of cinema filters on the windows of the empty space. Filtro, which at the time had its use restricted by the institution, will be served for the first time during the exhibition opening.

The opening of the show at Nara Roesler also marks the end of Koch’s exhibition Casa de Vento [Wind House], an installation at Lina Bo Bardi’s Glass House – one of the architect’s most emblematic projects, as well as her place of residence.

Lucia Koch was born in 1966 in Porto Alegre. She lives and works in São Paulo. She took part in Arte Construtora (1992/1996), a collective artist-led project that proposed to occupy domestic and private spaces using site-specific works produced autonomously. Her group shows include: Open Spaces, Kansas City, USA (2018); Iª Biennale d’Architecture d’Orléans, France (2017); Prospect 3, New Orleans, USA (2014), 11th Sharjah Biennial, UAE (2013); 11ª La biennale de Lyon, France (2011); Aichi Triennale, Nagoya (2010); 27ª Bienal de São Paulo, (2006); Bienal do Mercosul, Porto Alegre (1999, 2005 and 2011); Istanbul Biennial, (2003 and 2015). Her works feature in the following permanent collections: MAC - Musée d’art Contemporain de Lyon; MAM-Museu de Arte Moderna de São Paulo; LACMA - Los Angeles County Museum of Art; Pinacoteca do Estado de São Paulo; University of Warwick, UK; MCASD - Museum of Contemporary Art San Diego; The J. Paul Getty Museum, Los Angeles; MAR - Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro; National Gallery of Victoria, Melbourne; FRAC Centre - Les Turbulences, Orleans; Nouveau Musée National de Monaco; Fundación Casa Wabi, Mexico.

a selection of permanent collections
• Musée d’art contemporain de Lyon (MAC Lyon), Lyon, France
• Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), São Paulo, Brazil
• Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil

a selection of recent exhibitions
• Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), São Paulo/SP, Brazil, 2019
• Sesc Pompeia, São Paulo/SP, Brazil, 2018
• Museu de Arte do Rio (MAR), Rio de Janeiro/RJ, Brazil, 2018
• Open Spaces Kansas City Arts Experience, Kansas/MI, USA, 2018caba/SP, Brazil, 2017

Cobogó lança livro de Alexandre da Cunha no Pivô, São Paulo

Monumento apresenta as obras públicas de Alexandre da Cunha: Publicação da Editora Cobogó será lançada no sábado, 31 de agosto, no Pivô com a presença do artista

Em meio a uma avalanche de informações no mundo tecnológico contemporâneo, em que a atenção é disputada a todo instante, a arte de Alexandre da Cunha captura o olhar do espectador para esculturas que revelam o inesperado e encantam. Depois do livro Alexandre da Cunha, publicado em 2012, a Editora Cobogó lança o livro Monumento com uma seleção das obras públicas do artista carioca que foram expostas em Chicago (EUA), Aspen (EUA), Londres (Inglaterra), Boston (EUA), São Paulo (Brasil) e Saint-Jean-Cap-Ferrat (França), além de outras criações recentes.

Com cerca de cem imagens de trabalhos, o livro bilíngue (português e inglês) apresenta um texto da curadora Fernanda Brenner, que destaca a capacidade de síntese e a precisão com que Cunha seleciona e rearranja os objetos que fazem parte de suas obras. “O artista presta obstinada atenção ao que facilmente nos escaparia à vista”, destaca Brenner.

Bengala (em Morning XXIII, 2018), bola de tênis (em Morning XXVI, 2018), chinelo (em Ikebana XVIII, 2018), meia-calça (em Ikebana XXIV, 2018), cabo de vassoura (em Ikebana I, 2017) e parte de uma bicicleta (em Ikebana XXII, 2018) são alguns dos objetos aos quais Cunha dá diferentes usos, operando de forma crítica, sem deixar de revelar boa dose de humor. Em um trabalho (Mix [Boom], 2017), por exemplo, o público se surpreende ao descobrir que aquela ogiva nuclear ou nave espacial estacionada é, na verdade, uma betoneira de concreto. Em outra obra (Free Fall I, 2016), um paraquedas é a inspiração para uma queda livre.

A busca por objetos baratos traz uma bagagem cultural ao trabalho, que aproxima a arte da vida cotidiana, despertando a memória afetiva do espectador, dentro de uma escala de valores que une pop e modernismo, indo além da discussão clássica do ready-made. “Sem alarde, o artista desata as convenções semânticas a que estamos habituados, com a elegância perversa de um dândi inglês e o potencial de improvisação do brasileiro”, escreve a curadora.

O livro apresenta ainda uma conversa com o renomado escultor inglês Phillip King, ex-presidente da Royal Academy of Sculptors, mediada por Jenni Lomax, que dirigiu durante 27 anos o Camden Arts Centre, em Londres. Lomax deixou como legado na galeria de arte inglesa um programa inovador de exposições internacionais, residências de artistas e projetos de educação.

Na conversa, Cunha e King falam do processo criativo na mostra Duologue, realizada em 2018 no ateliê Dora House, que fica no prédio da Royal Academy of Sculptors, uma instituição criada há mais de cem anos na capital inglesa para conectar artistas e estimular novas formas de arte. “Dois artistas de diferentes gerações e partes do mundo ocuparam esse espaço histórico maravilhoso para criar um trabalho em diálogo”, disse Lomax. Na ocasião, os dois levaram materiais e equipamentos para o espaço e exploraram juntos os processos de criação. Uma vez, segundo Lomax, Cunha descreveu seu modo de trabalhar como “apontar, em vez de fazer”. “Apontar para os objetos como eles são para todos verem, e então revelar o inesperado, ou novas facetas de significado ao redor dessas coisas contidas nelas”, contou ela.

No meu trabalho, existe quase uma roupagem para um objeto muito banal tentando ser outra coisa, ou ser mais elegante do que é. Há sempre uma tensão de lidar com o fracasso. Você olha para algo e é atraído por sua forma, e uma imagem e uma cor. Então você chega mais perto e diz: “Ah, é um chapéu.” É com isso que eu lido, o tempo todo. (Alexandre da Cunha, em conversa com Phillip King e Jenni Lomax).

Lançamento do livro “Monumento”, com a presença do artista
31 de agosto de 2019, sábado, às 15h
Pivô Arte e Pesquisa
Av. Ipiranga 200, República, São Paulo

Ficha técnica
Título: Monumento
Autor: Alexandre da Cunha
Idioma: Português / Inglês
Número de páginas: 197
Editora: Cobogó
ISBN: 978-85-5591-077-7
Encadernação: Brochura
Formato: 24,5 x 32,5 cm
Ano de edição: 2019
Preço de capa: R$95,00

Alexandre da Cunha nasceu em 1969, no Rio de Janeiro. Atualmente, mora e trabalha em Londres. Formado em Artes Plásticas pela Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), em São Paulo, também estudou na Royal College of Art e na Chelsea College of Art, em Londres. Neste ano, participou da Art Dubai 2019, nos Emirados Árabes, como residente, junto com os artistas brasileiros Flora Rebollo, Luiz Roque e Laura Lima. A curadoria foi de Fernanda Brenner e Munira Al Sayegh. Entre suas exposições individuais mais recentes, estão Duologue, com colaboração de Phillip King, na The Royal Society of Sculptors, em Londres (2018); Boom, no Pivô, em São Paulo (2017); Mornings, na Office Barroque, em Bruxelas (2017); e Plaza Project, no Museum of Contemporary Art, em Chicago (2015/2016). Também participou de mostras coletivas no Brasil e em outros países, como Alemanha, Bélgica, China, Estados Unidos, Grécia, Holanda, Inglaterra e México. O artista tem trabalhos nas coleções da Tate Collection (Inglaterra); do Museu de Arte da Pampulha, do Centro de Arte Contemporânea de Inhotim e da Pinacoteca de São Paulo (Brasil); e do Laumeier Sculpture Park (EUA), entre outros. Suas obras foram reproduzidas em livros e catálogos no Brasil e no exterior. Este é o segundo livro publicado por Alexandre da Cunha pela Editora Cobogó. O primeiro livro, Alexandre da Cunha, foi lançado em 2012, com 150 imagens e texto de Zoë Gray, com tradução de Vivien Kogut Lessa.

Editora Cobogó – uma década de história

O primeiro livro publicado pela Cobogó foi Saga Lusa: o relato de uma viagem, de Adriana Calcanhotto, “Uma experiência comovente de autorreflexão que foi da maior importância para entendermos o papel da escrita e da arte, e que fortaleceu nossas convicções, já no nosso primeiro livro, do recorte que a editora teria nas suas publicações.”, explica Isabel Diegues, diretora editorial e sócia da Cobogó. A partir dali, a editora construiu um catálogo de 226 títulos variados, que inclui a filosofia do artista norte-americano Andy Warhol sobre uma sociedade de consumo em busca da eterna juventude, as entrevistas do curador suíço Hans Ulrich Obrist com pensadores em várias áreas do conhecimento, os caminhos de construção das obras da artista Adriana Varejão, a coletânea de artigos do cineasta Cacá Diegues sobre a sociedade brasileira, as reflexões acerca da globalização e do pertencimento do pesquisador Moacir dos Anjos, além da reedição do primeiro e único livro de John Cage publicado no Brasil, com tradução do poeta Augusto de Campos.

Cada livro editado pela Cobogó recebe um tratamento personalizado, que vai desde o contato direto com o autor, o tratamento do texto, o cuidado com as imagens, passando pela escolha do projeto gráfico, a textura do papel e o tipo de acabamento. A atenção dada a cada detalhe durante todo o processo resulta em livros que podem ser considerados pequenas obras de arte. É um caminho trilhado com desafios, obstáculos e conquistas importantes, reconhecido, em 2016, na 58a edição do Prêmio Jabuti, com o primeiro lugar na categoria Livro de Arte, pelo livro Histórias mestiças, organizado por Lilia Moritz Schwarcz e Adriano Pedrosa, editado em parceria com o Instituto Tomie Ohtake, e em 2018, quando a editora foi finalista do Prêmio Jabuti, na categoria Ensaios com o livro Estratégia da arte em uma era de catástrofe, da pesquisadora e professora Maria Angélica Melendi e em 2017, finalista do Prêmio Literário Biblioteca Nacional, na categoria Projeto Gráfico, com a obra Espírito de tudo, de Rosangela Rennó.

Em 2019, a Cobogó publicou no Brasil o livro “Memórias da Plantação – Episódios de racismo cotidiano”, de Grada Kilomba, tendo sido o livro mais vendido na FLIP 2019.

Katinka Bock no Pivô, São Paulo

Esta exposição é sobre lugares onde as pessoas vivem juntas, populações, zonas problemáticas, zonas de contato e ternura, corpos poluídos, perda de controle, momentos em suspensão, motivos para ficar juntos. Cidades são todas diferentes, mas iguais. Paris e São Paulo, quem se importa, humanos e animais, concreto e palavras, vasos e rachaduras, talvez seja apenas uma questão de temperatura e intensidade. No fim é sobre dignidade.

Katinka Bock

O Pivô encerra seu programa anual de 2019 com a exposição “Avalanche”, de Katinka Bock. Esta é a primeira vez que a artista alemã sediada em Paris apresenta suas obras na América do Sul. O projeto comissionado é composto por trabalhos inéditos realizados durante visitas a São Paulo e a partir da relação da artista com o prédio ocupado pelo Pivô, o icônico Edifício Copan. Bock apresentará uma série de esculturas feitas em bronze, cerâmica, argila crua e outros materiais, orgânicos ou inorgânicos, recorrentes em sua produção. A abertura acontece no dia 31 de agosto, das 15 às 19h, com visitação gratuita até 09 de novembro.

A obra de Bock geralmente responde a contextos geográficos específicos, levando em consideração as características arquitetônicas, urbanas, sociais, climáticas, temporais e espaciais dos ambientes em que trabalha. Suas obras criam um movimento contínuo entre o interior e o exterior dos espaços onde são instaladas, afetando também as interações sociais que informam estes locais. A artista parte da escultura para lidar com relações entre tempo e espaço, história e geografia, natural e artificial, perene e efêmero. Interessada em processos naturais de transformação, Bock produz esculturas e instalações que resultam de eventos que parecem desafiar o material utilizado, gerando uma relação simbiótica entre construções artificiais estáticas e a natureza em constante movimento. A artista costuma fazer uso de materiais naturais, como couro, madeira, pedra, tecido, gesso, cerâmica ou grafite, além de objetos encontrados.

Deslocamentos e catástrofes de outra natureza

Exposição reagente ao ambiente em que se realiza, “Avalanche” parte de uma série de procedimentos executados no microcosmo do Copan. Estes procedimentos confrontam os materiais de trabalho da artista com o contexto que envolve o prédio. Horizontal Words é talvez o gesto mais radical da mostra. Consiste no lançamento de um grande bloco de argila crua do topo do edifício. Como um corpo que cai, a peça registrará em sua forma final a violência do impacto do material no chão, um tipo de violência que aponta para as complexas condições de vida de uma megalópole disfuncional como São Paulo, onde as injustiças sociais estão impressas nos corpos de um grande número de seus habitantes. Em outra escultura, Bock cria um mecanismo para capturar a água da chuva, usando um funil conectado a canos de cobre que percorrem o espaço. A água atravessa a galeria, caindo primeiro numa pia tomada emprestada de um dos apartamentos e depois ganha a rua novamente através de um furo no assoalho do Pivô. A artista também estendeu 20 metros quadrados de pano azul na laje do edifício. O tecido foi posicionado durante sua visita a São Paulo em abril e, depois de quase quatro meses exposto às intempéries, será colocado em bastidores, tal qual pinturas que reproduzem, com resultados imprevisíveis, as marcas da passagem do tempo. Bock também apresentará uma coleção de cerâmicas feitas na oficina do Centro Universitário Belas Artes e construirá uma estrutura semelhante a uma rede de dormir gigante feita com o recorte de um pedaço da rede de proteção que envolve o prédio. Este tipo de apropriação de elementos da construção civil como ponto de partida para esculturas e instalação também aparece em Sand, em que a artista quebra detritos em partes minúsculas até serem transformados no que ela chama de “areia”.

Em sentido literal, uma avalanche se refere a um deslocamento abrupto e massivo de neve. Como figura de linguagem, no entanto, o fenômeno trata de qualquer coisa que arremeta com violência. Se as condições climáticas de um país tropical como o Brasil não permitem a ocorrência de avalanches reais em seu território, catástrofes de outra natureza decorrem da condição política do país. Bock está interessada nas mudanças que estas irrupções abruptas podem provocar.

“Avalanche” foi viabilizada por meio de parcerias com o Institut Français e com o Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, que cedeu seus ateliês de cerâmica para o uso da artista.

Katinka Bock (Frankfurt, 1976) vive e trabalha em Paris e Berlim. Entre suas exposições individuais estão “Radio/Tomorrow’s Sculpture”, IAC (2018); “RADICETERNA”, Manifesta 12 (2018); “Smog”, Meyer Riegger (2017); “Horizontal Alphabet (black)”, MUCEM; “-0-0—0”, Mercer Union (2017). Recebeu os prêmios e bolsas da Fondation d’entreprise Ricard Prize (2012); Museum of Contemporary Art de Detroit (2010) e Cité internationale des Arts (2007). Em outubro de 2019 terá uma exposição individual no Centre Georges Pompidou como parte do Prix Marcel Duchamp, o prêmio de arte mais importante da França. Sua produção é regularmente discutida em publicações como Le Monde, Vogue, Beaux Arts Magazine, Frieze Magazine, Art Press, ArtForum, Artnet, entre outras.

Lucia Koch na Casa de Vidro, São Paulo

Instituto Bardi - Casa de Vidro e Galeria Nara Roesler apresentam Casa de Vento, obra que será instalada temporariamente nas fachadas da Casa de Vidro

A artista Lucia Koch apresenta a partir do dia 15 de junho, Casa de Vento, intervenção nas fachadas da Casa de Vidro, obra emblemática da arquiteta Lina Bo Bardi, que hoje abriga a sede do Instituto Bardi. Inaugurada em 1951, a Casa foi o primeiro projeto da arquiteta a ser construído no Brasil e também sua residência por mais de 40 anos. Lucia Koch irá instalar cortinas-filtro neste espaço doméstico e transparente, lugar da vida privada da arquiteta.

Lucia Koch vem realizando há alguns anos trabalhos com tecidos translúcidos nos quais imprime gradientes de cor e depois os instala em diferentes arquiteturas, filtrando a luz ambiente. Se no princípio pensava em recriar uma certa atmosfera, uma massa de ar visível pelas partículas em suspensão, que poderia ser o horizonte poluído no inverno paulistano ou o poente dramático de Porto Alegre, os trabalhos recentes, como Temperatura do Ar (2015), já não evocam uma paisagem de origem. O drama não aparece apenas com a "sujeira" e a densidade de cor, mas também no movimento das dobras de tecido com o deslocamento de pequenas massas de ar.

Com o trabalho Vento, instalado desde janeiro deste ano no Edifício Península, em Porto Alegre, Lucia desloca as cortinas para fora, deixando-as "no tempo", expostas ao vento, sol e chuva. Assim, explora o movimento por vezes suave e por vezes violento das grandes massas de ar, fazendo-nos imaginar como ficariam outras construções cobertas por estes tecidos, que ora voam, ora pulsam.

A Casa de Vidro é uma construção suspensa na paisagem e o plano contínuo de vidro que define sua extensão horizontal é revestido por uma espessa cortina de juta colocada no interior da casa pela própria arquiteta. Removê-la temporariamente e instalar ali novas cortinas, desta vez externas, interfere na transparência original da casa e afeta a relação com seu entorno, também porque torna visível a presença e o movimento do ar ao seu redor.

Em condições anormais de temperatura e pressão como as que vivemos hoje, como lidar com uma grande agitação atmosférica? Casa de Vento responde a um espaço de invenção arquitetônica singular e potente, mas também ao momento que este lugar e todos nós vivemos hoje - à violência e à carga dramática que experimentamos em nossos dias.

A intervenção Casa de Vento conta com o apoio do apoio do Instituto Bardi - Casa de Vidro, da Uniflex® e da Galeria Nara Roesler.

Sobre Lucia Koch

Lucia Koch nasceu em 1966, em Porto Alegre. Vive e trabalha em São Paulo. Investiga questões relativas a luz e espacialidade através de intervenções, instalações, fotografias e vídeos, sempre em profundo diálogo com a arquitetura. Suas obras propõem novas formas de percepção do espaço ao explorar o potencial arquitetônico do local em que se inserem, reorientando a compreensão do mundo construído. Participou de diversas bienais, como: I Biennale d’Architecture d’Orléans, Orléans, França (2017); 11ª Bienal de Sharjah, Sharjah, EAU, 2013; 11ª La biennale de Lyon, Lyon, França (2011); 27ª Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil (2006); 2ª, 5ª e 8ª edições da Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (1999, 2005 e 2011); e 8ª Bienal de Istambul, Istambul, Turquia (2003). Integra importantes coleções permanentes de instituições como o Musée d'art contemporain de Lyon (MAC Lyon), Lyon, França, o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), São Paulo, Brasil e a Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Sobre a Galeria Nara Roesler

Considerada uma das principais galerias de arte contemporânea do Brasil, a Nara Roesler representa artistas influentes da arte moderna e contemporânea, além de importantes artistas estabelecidos e em início de carreira que dialogam com as tendências inauguradas por essas figuras históricas. Fundada em 1989 por Nara Roesler, a galeria tem a missão de proporcionar a melhor plataforma possível para que seus artistas possam expor seus trabalhos. Para tanto, desenvolveu um programa de exposições seleto e rigoroso, em estreita colaboração com seus artistas; implantou e manteve o programa Roesler Hotel, uma plataforma de projetos curatoriais, e apoiou seus artistas continuamente. Além do espaço da galeria, trabalha em parceria com instituições e curadores em exposições externas. A galeria duplicou seu espaço expositivo em São Paulo em 2012 e inaugurou novos espaços no Rio, em 2014, e em Nova York, em 2015.

Sobre o Instituto Bardi - Casa de Vidro

Criado em 1990 com objetivo de promover o estudo e a pesquisa em especial nas áreas de arquitetura, design, urbanismo e arte popular brasileira, o Instituto Lina Bo e P.M. Bardi possibilita o acesso a aspectos relevantes e pouco conhecidos do pensamento e da produção artística e cultural do país. Com foco em exposições, publicações, palestras e conferências, o instituto é uma realidade no panorama cultural nacional e internacional, como era o desejo de seus criadores.

Projetada em 1951 e tombada pelo CONDEPHAAT como patrimônio histórico em 1987, a Casa de Vidro abriga, hoje, a sede do Instituto e o acervo do casal Bardi. É a primeira obra construída de Lina Bo Bardi e foi moradia do casal Bardi por mais de 40 anos. A casa tornou-se um ícone da arquitetura moderna e representa de forma atemporal o pensamento inovador e modo de vida do casal.

Eu estou aqui agora na FVCB, Viamão

No dia 31 de agosto de 2019, a Fundação Vera Chaves Barcellos inaugura a mostra coletiva Eu estou aqui agora, com curadoria de Elaine Tedesco e Luísa Kiefer. A exposição reúne mais de 30 trabalhos de artistas brasileiros e estrangeiros, incluindo fotografias, videoarte, instalações, pinturas, desenhos e esculturas.

A exposição Eu estou aqui agora, como seu título pontua, aborda a presença e o tempo presente. A mostra tem como ponto de partida a performance Momento Vital, de Vera Chaves Barcellos, na qual a artista repete, e reitera, inúmeras vezes que “eu estou aqui presente agora”. A ação de centramento na leitura, que se autorreferencia em seu fazer, ecoa na pesquisa curatorial servindo de elo para pensar as diferentes relações entre as obras que integram o acervo da Fundação Vera Chaves Barcellos e outras produções escolhidas especialmente para esta ocasião.

A afirmação da artista ressoa logo na entrada do espaço expositivo e se refaz, novamente, ao longo das obras. Como um mantra repetido em voz baixa, uma espécie de meditação. A performatividade, o deslocamento de objetos de uso doméstico, as intervenções, os convites à participação, permeados por posicionamentos críticos em relação ao contexto social, com ironia, nonsense e irreverência são táticas elencadas pelos artistas em seus processos de trabalho que estruturam-se substancialmente nas obras apresentadas ao longo da exposição. Há nessa escolha o desejo de provocar a reflexão a partir de uma crítica sutil, de testar o olhar e o pensamento a partir de relações e de pontuações sensíveis, bem humoradas, porém densas.

As obras, de diferentes tempos, estão aqui, agora. Algumas, feitas há anos, são tão urgentes quanto quando foram criadas. Outras, mais recentes, também não deixam de estar ligadas ao passado. E há ainda outras, nas quais esse agora, sem tempo, pulsa. Para onde mais vamos com esse aqui agora?

A exposição conta com obras do acervo da FVCB e de artistas convidados especialmente para a mostra. Entre eles estão o grupo 3NÓS3, Alexandre Copês, Antoni Muntadas, Camila Leichter, Dione Veiga Vieira, Domènec, Fernanda Gassen, Glaucis de Morais, Heloísa Schneiders da Silva, Lenora de Barros, Lia Menna Barreto, Marilá Dardot, Mario Ramiro, Marlies Ritter, Marina Camargo, Milton Kurtz, Patrícia Francisco, Patricio Farías, Regina Vater, Samy Sfoggia e Vera Chaves Barcellos.

Para o evento de abertura, a FVCB disponibilizará transporte gratuito, com saídas às 11h e às 14h, em frente ao Theatro São Pedro. Inscrições e informações pelo info@fvcb.com ou 51-98102-1059 e 51-3228-1445.

SOBRE AS CURADORAS

Elaine Tedesco, Porto Alegre, RS, 1963
Artista plástica com produção em fotografia, instalação e videoperformance. É professora ligada aos cursos de graduação e pós-graduação do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, atuando na área de fotografia e vídeo. Participou de diversas exposições coletivas, sendo as mais recentes: Apropriações, Variações e Neopalimpsestos, na FVCB, em Viamão/RS, em 2018. Em 2016, participou da Ocupação Coaty, em Salvador, Bahia, Das Meer/ The Sea e Medienwerkstatt zur Berliner Liste 2016, em Berlim, Alemanha. Possui obras em coleções públicas: MARGS | RS, MAC | RS, MAC | Paraná, MAM | Bahia, Museu de Arte de Brasília, Museo de Arte Latino Americano de Buenos Aires (MALBA), Casa das 11 Janelas e FVCB. Esteve presente na segunda e na quinta Bienal do Mercosul (1999 e 2005 respectivamente), realizada em Porto Alegre, RS. Em 2007, esteve presente na 52a. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia, curadoria Robert Storr, Veneza, Itália.

Luísa Kiefer, Porto Alegre, RS, 1986
É doutora em História, Teoria e Crítica de Arte pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais do Instituto de Artes da UFRGS. Realizou estágio doutoral no departamento de fotografia da School of Media, Arts and Design da University of Westminster, Londres, Inglaterra. É Mestre em História, Teoria e Crítica de Arte pelo mesmo programa e jornalista formada pela PUCRS. Desde 2013, atua como curadora independente, tendo realizado exposições em diversos espaços de arte de Porto alegre, como Fundação Ecarta, Galeria Gestual, Espaço Cultural ESPM, Galeria Mamute, Sala Branca da Galeria Alice Floriano e Instituto Ling. Coordena o Atelier das Pedras, espaço que abriga o acervo da artista Gisela Waetge. Atualmente, é coordenadora e curadora do Linha (Espaço cultural independente). Vive e trabalha em Porto Alegre.

INFORMAÇÕES SOBRE ALGUMAS OBRAS

Marilá Dardot, Lema, 2015
A obra é constituída por um grande carimbo, com as palavras “não à ordem”. O carimbo, em seu uso burocrático, é utilizado para normatizar, oficializar ou legitimar as mais diversas ações humanas, ou seja, serve para chancelar as trocas humanas no mundo administrado e registrar como válidas as inúmeras relações sociais, políticas e econômicas. Quando utilizado por artistas, o uso prosaico que é dado a esse equipamento é subvertido e passa a ser usado para questionar o seu próprio poder de chancela, seja servindo-se da literalidade da linguagem, como no caso de Lema, seja utilizando-se de figuras de linguagem como o sarcasmo ou a ironia.

Patricio Farías, Autorretrato, 2000
Nesta instalação, Patricio utiliza um dos mais notáveis símbolos da igreja católica: o confessionário. Usado desde a alta idade média, essa construção em madeira serve para que o fiel confesse os seus “pecados”. Nela, o artista acopla um dispositivo em seu interior, um vídeo gravado por ele onde murmura e sussurra um texto não compreensível, criando uma atmosfera similar às confissões realizadas nas igrejas católicas.

Regina Vater, Da Série Camas around the world, 1974/75
Imagens fotográficas realizadas em meados da década de 1970 mostram leitos vazios, em que os corpos gravaram e deixaram vestígios, guardando as marcas daqueles que recentemente os utilizaram.

Vera Chaves Barcellos, Momento vital, 1979
Em 1979, Vera Chaves Barcellos expõe o livro de artista Momento Vital na Galería 542 em Porto Alegre, que teve origem na performance Momento Vital, realizada no Espaço N.O. no mesmo ano. O trabalho abre a exposição Eu estou aqui agora. Nele, a artista vai reiterando diversas vezes o enunciado “eu estou aqui presente agora”, estabelecendo em um crescente, as condições para um endereçamento de alta carga poética em sua fala.

Marilice Corona no MNBA, Rio de Janeiro

Um quadro pode conter muito mais assuntos do que sugere à primeira vista. Com esta provocação, a artista gaúcha Marilice Corona convida o visitante para a sua mostra Entre o acervo e o estúdio, que será inaugurada no dia 31 de agosto, sábado, às 14h, no Museu Nacional de Belas Artes/Ibram.

Marilice explica que a seleção das 32 obras que integram sua mostra “Entre o acervo e o estúdio” foi determinada pelo estudo dos gêneros, o caráter autorreferencial da maior parte das imagens, a qualidade pictórica que apresentam, a potência da imagem para gerar novas relações e também por aspectos afetivos, pessoais. A artista criou instalações que reúnem pinturas de sua autoria, dialogando com obras do acervo do Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli e do Museu Nacional de Belas Artes.

Algumas pinturas tornaram-se especialmente significativas para estar presente nessa mostra: um dos pioneiros da restauração no país, Edson Motta, por exemplo, foi professor de teoria, técnica e conservação da pintura na UFRJ entre os anos de 1945 e 1980, e autor de livros essenciais para a formação da artista, como a publicação “Iniciação a Pintura”, de1976. Na exposição, Motta integra a instalação “A história e a arte”, que se conecta com a própria história pessoal da artista e com a história da arte.

Já “Iniciação”, também integrando a exposição “Entre o acervo e o estúdio”, traduz uma série de comentários sobre a formação do artista, suas referências, seus documentos de trabalho, desejos, impasses e heranças.

Abordando a questão da representação do atelier, Marilice Corona afirma que “com a presença do pintor ou não, trata-se, por sua vez, de uma alegoria do próprio processo de criação, da gênese do trabalho do artista. Espaço privado do trabalho manual e da elaboração mental. O espectador, como um voyeur, aproxima-se e espia, adentra a imagem e a intimidade do pintor, tomando contato com toda sorte de objetos, imagens e instrumentos que povoam o estúdio. O cenário de produção oferece pistas sobre o contexto no qual o pintor está inserido. Tudo está nos detalhes. Atelier como estúdio, studiolo. O espaço do estudo, do conhecimento e também da produção e revelação das imagens”.

Com carreira iniciada na década de 1990, Marilice já integrou mostras coletivas em vários estados do Brasil, tendo participado do Projéteis Funarte (RJ). Desde 2005 a artista realiza projetos de exposição que tem como tema o próprio espaço onde as obras serão apresentadas.

Destacam-se as mostras individuais Espaços de exposição no Palácio das Artes - BH/MG, 2006; Méthodes et mesures, Sala Lúcio Costa, Maison du Brèsil, Paris, 2008; Espaço de jogo, Fundação D. Luis, Cascais/Portugal, 2014; Autoscopias, Galeria Bolsa de Arte de Porto Alegre, 2015 e o Projeto Entre o acervo e o estúdio realizado no MARGS, em 2017, e que lhe proporcionou 11º Premio Açorianos de Artes Visuais. Destaque em Exposição Individual.

Além de artista visual, Marilice Corona é professora de pintura do Departamento de Artes Visuais e do PPG-AV do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS).

Wesley Duke Lee na Fundação Iberê, Porto Alegre

O pioneiro da linguagem contemporânea nas artes plásticas no Brasil vai ganhar exposição na Fundação Iberê, em parceria com o Instituto Wesley Duke Lee. Wesley Duke Lee - A Zona: A vida e A morte apresenta três fases que aconteceram simultaneamente para o artista, entre os anos 1962 e 1967. Ao todo, são 59 itens entre pinturas, desenhos e colagense, como os trabalhos de "Jean Harlow". Criada em 1967, a série reúne 30 desenhos que partiu do interesse de Wesley por relatos da sina trágica da atriz americana, conhecida como "vênus platinada" de Hollywood dos anos 1930. A abertura ocorre no dia 31 de agosto (sábado), às 14h, com visita guiada à exposição, às 15h, com o curador Ricardo Sardenberg e a historiadora de arte Cacilda Teixeira da Costa.

No dia 1º de setembro (domingo), o Cine Iberê faz sessão comentada de "A Última Viagem de Arkadin d'y Saint Amér", com Cacilda Teixeira da Costa (SP) e Sérgio Zeigler (SP) – diretores do documentário - e Eduardo Veras (RS). O curta-metragem é um retrato em três atos do artista Wesley Duke Lee, em que o poeta Zuca Sardan narra as aventuras de Arkadin D'Y Saint Amér, alter ego do pintor. Um documentário sobre as contradições e os conflitos de um artista cuja obra teve sua plenitude nos anos 1960 – eterno "enfant térrible".

Cacilda Teixeira da Costa é autora de "Wesley Duke Lee: Um Salmão na Corrente Taciturna", primeira monografia compreensiva sobre o artista paulistano, levantada durante mais de 20 anos de pesquisa. O livro, que estará à venda na loja da Fundação, traz uma análise detalhada sobre a vida e a obra de Duke Lee, que enfrentou tabus como a relação da arte com a sexualidade, a política das artes e os desafios do artista que critica o crítico.

Paulistano nascido no bairro de Santo Amaro, Wesley Duke Lee (1931-2010) estudou desenho no Museu de Arte de São Paulo (MASP), viveu em Nova York, cursou publicidade na Parsan School e trabalhou no Museu Metropolitan. Teve como mestres o pintor Karl Platnner e o cineasta Ingmar Bergman. Em sua obra, instalações e intervenções audiovisuais estão presentes desde a década de 60. Pintura, xerox, colagem, escultura, gravura, livro de artista, computação gráfica, quase nada escapou da criatividade de Wesley, pioneiro da linguagem pop no Brasil. A produção do artista é atemporal e transita entre a origem do homem, a sexualidade, a morte, o erotismo e tem a densidade tão forte quanto seu cosmopolitismo vivido entre Brasil, Estados Unidos, Europa e Japão.

Tantas referências mais atrapalharam do que ajudaram a carreira de Wesley. Para o marchand Ricardo Camargo, a discreta presença no mercado é consequência de um preconceito contra a sua independência ideológica e artística, para não falar de sua erudição, mal interpretada como pedantismo. “Ele era apolítico numa época em que todos os artistas eram de esquerda. Passou mais tempo fora do Brasil do que em sua terra e, para finalizar, não tinha pudor em produzir para publicidade”, diz.

Um artista revolucionário

As palavras eram firmes, os traços, disciplinados. Wesley Duke Lee só aceitava a pintura como um dom e a arte como um sistema de harmonia que necessitava de ordem. Foi a partir desses princípios que o artista conduziu seu trabalho até 2010, ano de seu falecimento.

Filho de norte-americanos protestantes e conservadores, Wesley sofreu forte influência da avó. Pintora acadêmica, ela nunca lhe deu um pincel para "brincar", mas a rigidez com que tratava a profissão foi para o neto uma inspiração.

Em 1951, Wesley Duke Lee iniciou os estudos no curso de Desenho Livre, do MASP. No ano seguinte, partiu para Nova York, onde acompanhou o início das manifestações da Pop Art, protagonizada por artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Cy Twombly. Nos EUA, estudou na Parson's School of Design (curso de Artes Gráficas) e no American Institute of Graphics Arts (curso de Tipografia).

De volta ao Brasil, em 1963, realizou o primeiro happening - evento espontâneo de improvisação das artes visuais - do país, que ganhou, à época, o título de O Grande Espetáculo das Artes. A ação teve origem na irritação do artista por não conseguir expor a série "Ligas", considerada excessivamente erótica e foi um manifesto contra a crítica.

Wesley não se censurava: foi adaptando sua arte até inventar um estilo particular. Para ele, a arte era um eterno processo de autoconhecimento. Não por acaso, se autodenominava um "artesão de ilusões". Utilizava o experimentalismo para abordar a origem do homem, a sexualidade, o erotismo, a morte, entre outros temas.

Experiência com LSD para criar

Com trabalhos expostos nas bienais de Veneza e de Tóquio, ele se dizia influenciado pelo movimento dadaísta, pela Pop Art e pela publicidade. Inquieto, ainda na década de 1960, foi um dos primeiros voluntários para testes sobre os efeitos do LSD, numa clínica em São Paulo. Tomava o ácido e se trancava numa sala para desenhar. Essa experiência resultou nas séries Lisérgica e Da Formação de um Povo, dotadas de forte carga política contra o regime militar.

Wesley foi professor de uma geração, que inclui Carlos Fajardo, José Resende e Luiz Paulo Baravelli, que, em 1970, fundaram a Escola Brasil, um projeto ancorado na ideia de que o aprendizado da arte passa, sobretudo, pela experiência no interior de ateliês, e não pelo ensino formalizado de história, técnicas e métodos, como prescrito pelas escolas de arte tradicionais.

Nos anos 1980, trabalhou no Centro de Reprodução Xerox, em Nova York, incorporando fotocópia, polaróide, vídeo e computação gráfica ao seu trabalho. Essa habilidade para transitar em diversos meios, do nanquim à pintura por computador, renderiam a ele a referência de pioneirismo na renovação da arte contemporânea nacional.

Em seus últimos anos, Wesley Duke Lee sofreu do Mal de Alzheimer. O artista faleceu em setembro de 2010, aos 78 anos de idade, vítima de complicações respiratórias decorrentes de sua doença. Sua arte, contudo, permanece viva.

Federico Herrero + Eduardo Navarro no MAC, Niterói

Primeira vez que dois artistas internacionais abrem, ao mesmo tempo, individual no MAC Niterói

O Museu de Arte Contemporânea de Niterói abre, no dia 31 de agosto, a partir das 10h, as exposições Tempo aberto, do artista costarriquenho Federico Herrero; e Em colaboração com o Sol, do argentino Eduardo Navarro. Esta é a primeira vez que dois artistas estrangeiros, mais especificamente latino-americanos, abrem individuais ao mesmo tempo, no museu. A curadoria é assinada por Pablo León de la Barra e por Raphael Fonseca.

Para o salão principal do MAC Niterói, Federico Herrero idealizou uma exposição sobre a relação entre pintura, instalação, site specificity e efemeridade, borrando a linha onde a exposição começa e onde termina, não apenas no sentido de espaço ou campo, mas também em sua relação com o tempo. Trata-se da primeira individual dele em uma instituição no Brasil.

No icônico projeto arquitetônico de Oscar Niemeyer em Niterói, o trabalho de Federico se desenvolve a partir dos murais do local. Podem representar fragmentos de um todo maior, com significado aberto e ligado por poéticas formais e narrativas que se espalham como campos para fora do museu, para a paisagem, e vice-versa. Essas formas instantâneas dependem da interação com o espaço e seu entorno. “A exposição que preparei para o MAC se concentra na pintura e nas relações temporais que ocorrem entre o prédio e a paisagem onde está localizado, um exercício para se deslocar do local específico para o aspecto específico do tempo da pintura”, explica Herrero.

Para o artista, algumas das propriedades da tinta, como cor, matiz, brilho, leveza, transparência, fluidez e os fenômenos físicos que se instalam no espaço a partir delas são como pessoas e sociedades. Nas palavras de Herrero, “como as cores, somos constantemente afetados pelo nosso ambiente, o que quer que esteja ao nosso lado no espaço pode desencadear grandes diferenças em nossa personalidade. Pintadas em linha reta, em densas cores puras, as imagens evocam paisagens mentais, perspectivas que se relacionam tanto com a arquitetura quanto com o lugar onde está o edifício, na cidade de Niterói, no Rio de Janeiro, abraçada por montanhas chamadas Pão de Açúcar, formas que saem da linha do horizonte abruptamente, mas com graça e beleza. Movendo-se pelo museu, o edifício orienta você em uma coreografia que lhe permite desfrutar de alguns dos destaques da paisagem”.

Já na varanda do MAC, que possui um enriquecedor diálogo com a Baía de Guanabara, Eduardo Navarro apresenta na mostra “Em colaboração com o Sol” uma série com cerca de 50 desenhos do artista – alguns deles diretamente relacionados à arquitetura de Niemeyer, que se tratam de ficções a respeito de sua forma – e desenhos diversos baseados na relação entre imagem e texto. “Como é comum a toda sua produção, as narrativas ficcionais e por vezes futuristas são de grande interesse para Navarro”, explica Raphael Fonseca, um dos curadores das mostras.

Por fim, um terceiro grupo de desenhos se relaciona diretamente à ação que será feita semanalmente por sete pessoas dentro do museu - são rascunhos, esboços e proposições a respeito de como esses corpos podem se comportar. Sete pessoas vestidas de dourado e segurando espelhos são responsáveis por compor uma coreografia a partir da entrada do sol dentro do espaço da varanda. Cada corpo se coloca em posição diferente e é responsável por fazer com que um raio solar passe de espelho para espelho. Dessa forma, como o título da exposição aponta, o Sol se configura como um oitavo e essencial elemento. Não é muito diferente quando se pensa no MAC Niterói - museu que se encontra de frente para a praia e que é famoso por constituir um cartão postal geralmente solar.

Federico Herrero

Nasceu em 1978 em San José, na Costa Rica, onde vive e trabalha. Estudou pintura no Pratt Institute, Nova York, de 1997 a 1998. Em 2001, ganhou o prêmio especial para um artista jovem na 49ª Bienal de Veneza. Também participou da exposição Fare Mundi / Nuevos Mundos no Pavilhão da América Latina da 53ª Bienal de Veneza em 2009.

A prática artística de Herrero abrange pintura sobre tela, pintura pública de murais e instalações escultóricas. Seu trabalho foi exibido internacionalmente em instituições como o Museu de Arte Contemporânea de Chicago, Witte de With, em Roterdã, Museu de Arte Contemporânea de Detroit; Wattis Institute for Contemporary Arts, São Francisco, EUA; Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica; Kunstverein Freiburg; Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil; e Para / site, Hong Kong. Em 2014 ele participou da exposição Under the Same Sun: Arte da América Latina Hoje, no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova York, que viajou para a South London Gallery, em Londres, em 2016. Federico Herrero é representado pela Galeria Luisa Strina, São Paulo, Sies + Höke, Düsseldorf, e James Cohan, Nova York.

Vê suas pinturas, que variam de pequenas telas a espaços urbanos monumentais, como paisagens abertas que nunca terminam, sempre crescendo e se transformando em algo novo. Em certo sentido, essas obras crescem para além da tela ou da parede vertical e seguem para as superfícies horizontais do piso e do teto, estendendo seus campos coloridos abstratos aos espaços urbanos e à vida pública. A cor é abordada pelo artista como som e volume. Para criar esse trabalho, assim como suas outras composições, Herrero considera o peso da cor, assim como os diferentes tipos de energia que o colorido pode absorver ou vir a expressar.

Eduardo Navarro

Por meio de instalações, performances, esculturas, desenhos e objetos, o artista busca produzir novas possibilidades de percepção sobre o mundo que rodeia todos. Sua obra confronta uma diversidade de entidades naturais, científicas e sociais a partir da experiência sensível. Para realizar essas abordagens, Navarro recorre ao auxílio de especialistas de diferentes áreas com a intenção de alterar práticas e comportamentos preestabelecidos na sociedade.

O grande desafio na sua prática é o do próprio artista, espectador e objeto artístico tornarem-se aquilo que está sendo investigado. Dessa forma, Navarro propõe mudanças capazes de proporcionar transformações de estados sensórios, possibilitando novas compreensões sobre o que se considerava conhecido.

Entre as principais exposições estão “Predição instantânea do tempo, Pivô” – São Paulo, SP, Brasil (2019); “Portadores de sentido – Arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros”, Museo Amparo, Puebla, Mexico; “Into Our selves”, em Drawing Center, New York, NY, USA (2018); “Metamorfosi – Lasciatechetutto vi accada /Metamorphoses– Let Everything Happen to You”, Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Turin, Italy (2018); “Océans – Une vision du monde au rythme des vagues, Le Fresnoy” – Studio national des arts contemporains, Tourcoing, France (2018); “Sond Mirror (Espelho de Som), na Bienal de São Paulo (2016); entre outras.

Varanda Sonora: Leandra Lambert na EAV Parque Lage, Rio de Janeiro

A artista multimídia Leandra Lambert é a convidada da 6a edição do Varanda Sonora, organizada por Franz Manata e Saulo Laudares. Serão apresentados os projetos Cut-Up Tragedy, Lori e Terra Incognita, este último em dupla com Alex Mandarino, músico, escritor e tradutor, que experimenta com música eletrônica desde o fim dos anos 90.

27 de agosto de 2019, terça-feira, às 19h

Escola de Artes Visuais do Parque Lage - Varanda da biblioteca
Rua Jardim Botânico 414, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ

Varanda Sonora é um evento que acontece regularmente na varanda da biblioteca da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, que tem o som e suas mais diversas manifestações como questão. A cada edição, os artistas e professores Franz Manata e Saulo Laudares convidam um artista para compartilhar seu percurso, pesquisas e experiências. Os encontros são transmitidos, gravados e disponibilizados, gratuitamente, na forma de podcasts e mixtapes no site:exst.net/artesonora. Já passaram pelo Varanda o artista, escritor, crítico e curador Ricardo Basbaum, o músico e multiartista Arto Lindsay e o poeta, músico e compositor Fausto Fawcett.

A artista multimídia Leandra Lambert é a convidada da 6a edição do Varanda, no próximo dia 27 de agosto, às 19h. Serão apresentados os projetos Cut-Up Tragedy, Lori e Terra Incognita, este último em dupla com Alex Mandarino, músico, escritor e tradutor, que experimenta com música eletrônica desde o fim dos anos 90.

Sinopse: Cut-up Tragedy é um multi processo-projeto nômade que surge de caminhadas em "desregramento dos sentidos", escutas, cut-ups e falas de uma mulher ocupando espaços nas cidades; LORI é bruxaria sônica, tecnoxamanismo, ancestrofuturismo: experimenta com o canto, línguas inventadas e outras possibilidades vocais, usando tecnologias diversas, programação e livre improviso. Terra Incognita - em parceria com Alex Mandarino - é o desconhecido em beats quebrados a cada esquina, encruzilhadas em loop antes que os navios chegassem, depois que as naves partiram. O lugar que escapa das colonizações.

Leandra e Alex trabalham juntos há uma década e seus trabalhos estabelecem relações com a performance e escritas/imagens que agem como geradoras de som. Suas instalações e proposições não são estritamente musicais, mas compostos de elementos visuais, textuais e outros.

Leandra Lambert faz música eletrônica/experimental desde os anos 90, em projetos como Voz del Fuego, inhumanoids!, Skygirls e Dziga Vertov. Desenvolve trabalhos em arte sonora e multimídia desde 2009. É doutora em Artes UERJ. Como artista já fez diversas individuais e coletivas e seus trabalhos já foram apresentados em exposições, concertos e transmissões em diversos países. Entre seus Trabalhos mais recentes: Voz em Grenze des Gestrige-Heutigen, 2019, do compositor e pianista suíço Simon Ho, a partir de textos de Paul Klee; Apresentações no CCBB-SP vinculadas à exposição "Equilíbrio Instável"; e o álbum "Yoni", LORI - Sê-lo Netlabel, 2018. Projeto solo. Realiza todo o processo de produção. Algumas músicas constam em programas, coletâneas e seleções internacionais (Rádio BBC Londres, Hystereophonica I, Female Pressure, etc). "O Ruído da Máquina de Criar Tempo - I", trabalho de rádio-arte com entrevistas sobre memória auditiva e imaginação sônica na residência Somsocosmos#2, 2018. Mais sobre a Leandra em leandralambert.net

Varanda Sonora é um encontro na varanda da biblioteca da Escola de Artes Visuais do Parque Lage que busca contribuir para a expansão na noção de convivência, uso e produção de conteúdo de uma biblioteca de arte, hoje. Os encontros têm o som - e suas diversas manifestações - como questão e podem assumir diversos formatos, que vão desde uma apresentação musical, leitura de poemas, uma entrevista ou debate sobre o assunto, instalações sonoras-espaciais e todas as possibilidades que podem estabelecer um diálogo com a arquitetura da Escola e seu meio ambiente.

A cada edição os professores e artistas Franz Manata e Saulo Laudares recebem um convidado para compartilhar seu percurso, pesquisas e experiências. Os encontros são transmitidos, gravados e disponibilizados, gratuitamente, na forma de podcasts e mixtapes no site: exst.net/artesonora. Já passaram pelo Varanda Sonora a poeta e professora Katia Maciel, a artista multimídia e pianista Jocy de Oliveira o artista, escritor e curador Ricardo Basbaum, o músico e multiartista Arto Lindsay e o poeta, músico e compositor Fausto Fawcett.

Organizadores: Franz Manata é artista, curador e professor, Saulo Laudares é artista e DJ produtor. O duo começou suas atividades em 1998, a partir da observação sobre o universo do comportamento e da cultura da música eletrônica contemporânea. Os artistas vem realizando programas de residência e participando de mostras individuais e coletivas dentro e fora do país e são representados pela Sé Galeria, SP.

Felipe Goés na Kogan Amaro, São Paulo

Com curadoria de Ana Carolina Ralston, artista exibe telas inéditas, a partir de 8 de agosto, no Mezzanino da Galeria

Cores vivas e pinceladas vigorosas marcam o trabalho de Felipe Góes, autor de um universo onírico, por vezes caótico, composto de cenas que emergem de sua memória visual. Ele abre as portas desse mundo em Cataclismo, exposição que ocupa o mezanino da Galeria Kogan Amaro, de 8 de agosto a 6 de setembro.

“São paisagens surreais, em que lava e água coexistem e se confundem, habitam nosso imaginário”, diz Ana Carolina Ralston, curadora da mostra, em reflexão sobre as telas de Góes.

O artista encontrou no acaso uma de suas principais estratégias de criação. Sem limitação de esboço ou imagem como ponto de partida, a obra de Felipe Góes é concebida durante o processo do fazer artístico, pautado somente pela tela em branco, os pincéis, as cores e a memória.

“Há quase um ano tenho migrado meu trabalho para esse lugar imaginário, em um processo constante de renovação que vai das formas à paleta, passando pelas dimensões das obras, que tomam cada vez mais corpo”, explica Góes.

Sem títulos, as telas de Felipe Góes remetem a um lugar íntimo que coexiste em seu imaginário de artista e também no de seu espectador.

Felipe Góes (1983) é formado em arquitetura e urbanismo. Trabalha com pintura e busca discutir a produção e percepção de imagens na contemporaneidade.

Realizou exposições individuais em espaços como Instituto Moreira Salles (Poços de Caldas, 2017), Phoenix Institute of Contemporary Art (Arizona, EUA, 2014), Museu de Arte de Goiânia (Goiânia, 2012) e Usina do Gasômetro (Porto Alegre, 2012).

Sua obra já esteve em coletivas como Mapping Spaces (Kentler International Drawing Space, New York, EUA, 2016), 2ª Bienal Internacional de Asunción (Assunção, Paraguai, 2017) e Coletivo Terça ou Quarta + Acervo Municipal (Araraquara, 2014 - patrocínio: PROAC-ICMS), Arte Praia 2013 (Natal, 2013 - patrocínio: Funarte. O artista ainda participou de residências artísticas no Phoenix Institute of Contemporary Art (Arizona, EUA, 2014) e Instituto Sacatar (Itaparica, BA, 2012).

Fabiano Rodrigues na Kogan Amaro, São Paulo

Com curadoria de Ricardo Resende, mostra reúne trabalhos da nova pesquisa do artista sobre colagem e vídeo-colagem

“A salvação da fotografia vem da experimentação.” A afirmação é de László Moholy-Nagy, artista húngaro, professor da Escola Bauhaus e um dos expoentes do modernismo europeu. A pesquisa atual de Fabiano Rodrigues se apropria dessa máxima. Em sua nova fase, o artista deixa a câmera fotográfica de lado e se debruça em colagens e fotomontagens das décadas de 1950 e 1960. O resultado será exibido na mostra A verdade está em tudo, mesmo no erro, sua primeira individual na Galeria Kogan Amaro, em cartaz de 8 de agosto a 6 de setembro.

“Mais maduro pelo tempo, Fabiano parte radicalmente para a pesquisa de imagens já existentes. Junta essas fotografias e negativos de época e lhes dá sobrevida na contemporaneidade ao resgatá-los do passado”, reflete Ricardo Resende, curador da exposição.

Rodrigues imergiu em um acervo de 400 negativos, parte deles em ambrótipos de diferentes tamanhos e medidas, e resgatou retratos, álbuns de família, eventos sociais, dentre outros registros. Em suas mãos, as imagens ganharam novos significados. A exemplo das séries Opostos (2019) e Vice-versa (2019), compostas por fotografias surreais e fantasmagóricas, com homens e mulheres cujos rostos foram mutilados pelas lâminas precisas do artista e reconfigurados de maneira invertida.

O material resgatado por Fabiano Rodrigues tem cerca de 70 anos de vida, alguns são até mais antigos, de 1915. São imagens nostálgicas e carregadas de histórias, um convite do artista para o público refletir sobre passado, presente e futuro, e os padrões que insistem em se repetir.

A ideia é recorrente em Extasiadas (2019), conjunto de seis obras que exibem silhuetas femininas, figuras que aludem à busca incansável por arquétipos impostos socialmente, e também na série Êxito (2019, na qual o artista apresenta contornos de corpos de homens e os ambienta em situações habituais, de comportamento e gestos típicos masculinos, em fundo preto, como se estivessem flutuando em um abismo profundo.

Entre filmes publicitários de máquinas fotográficas antigas, o artista deu vida ao vídeo-colagem Sinceros (2019), um apanhado de frames comerciais e imagens em movimento misturadas a trechos de músicas e sons aleatórios.

Fabiano Rodrigues transita entre a fotografia, a colagem, o vídeo e a performance. O artista explora a relação do corpo e da arquitetura dos centros urbanos em produções P&B, onde equilibra luz e sombra. Rodrigues nasceu em 1978 em Santos, no litoral paulistano, e hoje vive e trabalha na cidade de São Paulo. Artista autodidata e skatista profissional, iniciou sua trajetória artística por conta do esporte. Foi observando os fotógrafos que registravam suas manobras que Rodrigues passou a se interessar pela técnica.

Seu trabalho já foi apresentado em instituições como o Museu de Arte do Rio de Janeiro - MAR (2013 e 2014), Zacheta National Gallery or Art, na Polônia (2013 e 2014), Museu de Arte de São Paulo – MASP (2013) e na Estação Pinacoteca (2012). Foi reconhecido com o Prêmio Mundie de Fotografia (2016); recebeu por duas vezes a premiação de aquisição da Pinacoteca do Estado de São Paulo (2012 e 2013), e faz parte do Clube de Colecionadores de Fotografias do Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM (2017).

Renato Morcatti no Caixa Cultural, São Paulo

Ao todo são 796 objetos cerâmicos desenvolvidos com técnicas distintas e 13 desenhos. A exposição já esteve em Brasília, BH e Rio de Janeiro

A partir de 28 de agosto a Caixa Cultural SP receberá a mostra Pirajá, um conjunto de objetos cerâmicos de pequenos formatos realizados em três técnicas distintas – o entalhe, a modelagem e a fundição –, queimadas na técnica Bizen. Anteriormente a exposição passou pelo Museu Nacional da República, em Brasília, pelo CCBB BH e também pelo Paço Imperial no RJ.

Acostumado a criar com materiais diversos – madeira, argila, cimento, aço etc. –, Morcatti incluiu a cerâmica em seu repertório escultórico nos últimos três anos, um tanto instigado pelo desafio que surgiu de conversas com a ceramista Erli Fantini. Pirajá é justamente o resultado dessa incursão pela técnica da cerâmica. A mostra é composta por quatro séries: “Entre”, “Nós”, “Segredos” e “Guardiões”. Cada uma delas é feita de múltiplas pequenas peças que, dispostas em conjunto, alcançam a intenção do discurso do artista.

– Eu sou um artista escultor e desenhista, logo, quando vejo a escultura, enxergo também o desenho dela. Trabalhar com cerâmica em grandes formatos é um processo difícil, é preciso uma olaria como a de Brennand em Pernambuco. Então, fui produzindo pequenas peças e passei a enxergar o desenho das esculturas não na unidade, mas no conjunto –, explica Morcatti.

“Entre” conta com 290 peças; “Nós”, com 215; e “Segredos, com 270. O conceito de partes que formam o todo é fixado pelo título da mostra: Pirajá, do tupi, nasce da junção dos termos pira (peixes) e já (repleto), e é descrito como “lugar onde se coloca os peixes para serem tratados” ou “o que está repleto de peixes”. Segundo o dicionário Aurélio, seu significado vem da observação de um fenômeno telúrico: aguaceiro súbito e curto, violento e aluvial, acompanhando de ventania, comum nos trópicos, entre a costa da Bahia e os estados nordestinos. Pirajá, por fim, é ainda o nome do bairro, em Belo Horizonte, onde Renato Morcatti tem sua casa-ateliê e que é cenário das tantas vivências desde a infância que o formaram como artista. “O que me interessa neste trabalho é isso: quanto maior o conjunto, mais o desenho da obra se expande no meu pensamento escultórico”, afirma ele.

Nuno Ramos, que assina um dos textos críticos dessa mostra, destaca a força do todo em “Pirajá”: “a ideia de coleção aqui está atravessada pela de multidão – tudo é múltiplo. Não vemos tanto os objetos um a um, mas seu conjunto, a totalidade deles, que forma um desenho próprio. (...) Como se uma força anônima fosse arrastando e apagando o rosto, o nome, os traços de cada um de nós”.

AFETO E MEMÓRIA

O fio que une as três séries é feito de afeto e memória. Como na série Entre, um conjunto de pequenos totens “trancados” em gaiola de aço retangular, uma analogia a questões sobre liberdade, opinião e posicionamento. Em Nós, simulações de molhos de chaves, unidas por anel de couro, suspensas em um vergalho, tratam subjetivamente da instituição família e seu significado em mutação na sociedade. Em Segredos, aparecem objetos cerâmicos que são a representação da linha de encaixe dos segredos das chaves que fazem girar o tambor. Apresentados em agrupamento, provocam uma observação não plenamente identificável de suas formas, instigando impressões sobre o binômio masculino e feminino e os papéis que são atribuídos a cada qual.

Além das três séries, também será apresentada uma obra intitulada “O Guardião”, composta por 8 peças, que Morcatti gosta de definir como um anti pan-óptico, já que funciona como um espectador dos espectadores que trafegarem pelo universo escultórico concebido pelo artista. Paralelamente serão ainda apresentadas ao público as obras Escala Madre e Ostiário, compostas, consecutivamente, por oito e cinco desenhos.

Bacharel em artes plásticas pela Escola Guignard, da UEMG, Renato Morcatti nasceu e vive em Belo Horizonte, onde mantém ateliê no bairro Pirajá, região nordeste da capital. Seu envolvimento com as artes remonta desde a infância. Aos 10 anos, morando com a família na mesma casa onde trabalha hoje, fazia das paredes do quarto de dormir telas para os seus desenhos. Desde adolescente, se tornou habitué na Escola Guignard, então ainda instalada no Palácio das Artes, e lá passava horas observando o movimento de alunos, professores e desenhando livremente. Foi residente no ateliê dos artistas Marco Túlio Resende e Thaïs Helt, onde experimentou técnicas diversas, da gravura e da litografia à escultura. Seu trabalho já foi exposto em diversas mostras coletivas e integra coleções particulares.

A Caixa Cultural São Paulo oferece uma programação diversificada, com opções gratuitas, estimulando a inclusão e a cidadania. O espaço está situado em um prédio histórico na Praça da Sé, construído em estilo “Art déco” e inaugurado em 1939. Conta com quatro galerias, salão nobre, auditório e sala de oficinas. Em 2018, apresentou 40 projetos culturais e educativos tais como espetáculos de dança, teatro, shows, debates, leituras dramáticas, oficinas e palestras. O espaço também abriga o Museu da Caixa, uma exposição permanente que conta com instalações e inúmeros objetos originais, preservados desde a década de 40, mantendo vivas a história da instituição e de uma época da cidade de São Paulo e do Brasil.

Sarah Morris na Carpintaria, Rio de Janeiro

A Carpintaria tem o prazer de apresentar a terceira exposição individual de Sarah Morris no Brasil. A artista apresenta oito pinturas inéditas, além de seis desenhos sobre pôsteres de filmes históricos. O título da mostra – Hoje nos encontramos em um impasse, em tradução livre – deriva do título de uma das pinturas da série Sound Graph [Gráfico de Som], em que a artista emprega uma arquitetura de formas abstratas vívidas, provocando o senso de reconhecimento visual do espectador.

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A mais recente série de pinturas de Morris tem origem em fragmentos de gravações de conversas. Os Gráficos de Som são interpretados através de esmalte sobre tela, expandindo o vocabulário da artista sobre linguagem, tecnologia e monitoramento. O discurso torna-se imagem, reimaginado por ela. Os títulos são retirados de fontes diversas: de uma célebre citação de Tristes Trópicos (1955) do antropólogo Claude Lévi-Strauss – que também é aludida na canção Fora de Ordem de Caetano Veloso –, ao famigerado diálogo entre o ex-senador Romero Jucá e o empresário Sérgio Machado antes do impeachment da presidente Dilma Rousseff, em 2016. As pinturas utilizam uma vasta gama de referências, que vai da arquitetura ao desenho industrial, passando pela iconografia cartográfica, pela linguagem, pelos diagramas sociológicos, e pelas teorias dos sistemas e dos jogos.

Morris também retrata o calendário lunar em um grid colorido que marca o tempo real e o contexto da exposição. Agosto de 2019 [Rio] e Setembro de 2019 [Rio] fazem parte desta série em andamento. Em Dígitos, uma pintura baseada na intensidade e na poesia das mãos de Niemeyer, a composição concêntrica sugere uma ilusão e suas soluções. Inspirando-se em Roberto Burle Marx, Lina Bo Bardi, Oscar Niemeyer, em frutas, e até mesmo em capas de discos da Bossa Nova, suas telas são realizadas a partir de composições brilhantes, cujas curvas, vetores e esferas interligadas referem-se aos acentuados contrastes das muitas formas sociais do Brasil.

Realçando a tensão entre ficção e realidade, imagem e abstração, Morris também usa nanquim e guache para desenhar sobre pôsteres icônicos de cinema, como Todos os homens do presidente (1976), do lendário diretor norte-americano Alan J. Pakula. A trama acompanha os jornalistas Bob Woodward e Carl Bernstein, que investigam e denunciam no Washington Post o escândalo de Watergate, o que eventualmente leva à renúncia do presidente Richard Nixon, estabelecendo uma impressionante conexão com as pinturas da série Sound Graph. Curiosamente, foi a voz de Nixon gravada nas fitas de áudio que acabou derrubando-o.

Desde meados dos anos 1990, Morris mantém uma relação de proximidade com o Brasil através de visitas frequentes e participações em bienais e exposições. Em 2002, a artista inglesa integrou a seleção da 25ª Bienal de São Paulo, com curadoria de Alfons Hug. No ano seguinte, participou da coletiva A Nova Geometria, com curadoria de Adriano Pedrosa na Galeria Fortes Vilaça, em São Paulo. Em 2012, seu interesse pelo país deu origem a seu décimo primeiro filme, Rio, rodado na capital carioca e filmado em muitas locações, incluindo o escritório do arquiteto Oscar Niemeyer (pouco antes de seu falecimento), a sede da prefeitura de Eduardo Paes, o desfile das campeãs no Sambódromo, e a Cidade de Deus. Coproduzido pela Fortes Vilaça e pela White Cube, o filme foi exibido em 2013 na individual Bye Bye Brazil, em Londres, e em 2015, em São Paulo, simultaneamente nas duas galerias.

Sarah Morris nasceu em 1967, no Reino Unido, e vive e trabalha em Nova York. Dentre suas exposições individuais de destaque estão Ullens Center for Contemporary Art (Pequim, 2018); Espoo Museum of Modern Art (Finlândia, 2017); M-Museum (Lovaina, Bélgica, 2015); Kunsthalle Bremen (Bremen, 2013); Wexner Center for the Arts (Columbus, 2012); Fondation Beyeler (Basel, 2008); Museum Boijmans van Beuningen (Roterdã, 2006); Palais de Tokyo (Paris, 2005); Hamburger Bahnhof (Berlim, 2001); Modern Art Oxford (Reino Unido, 1999). Entre as coletivas, destacam-se suas participações em: Solomon R. Guggenheim Museum (Nova York, 2017); Tate Triennial, Tate Britain (Londres, 2003); 25ª Bienal de São Paulo (2002); 4º Site Santa Fe Biennial (Novo México, 2001).

Carpintaria is pleased to announce Sarah Morris’s third solo show in Brazil. The artist presents eight new paintings as well as six drawings on iconic film posters. The exhibition title, Today we find ourselves at an impasse, derives from one of the titles of her new Sound Graph paintings in which the artist employs an architecture of vivid abstract forms, engaging the viewer’s sense of visual recognition and coding.

Morris’s most recent Sound Graph series derives from audio-recorded fragments of conversations. The Sound Graphs are envisioned and interpreted in enamel on canvas, expanding the artist’s vocabulary of language, technology and surveillance. Speech becomes an image, reimagined by the artist. The works are titled after various sources: from a well-known quotation of Tristes Tropiques (1995) by anthropologist Claude Lévi-Strauss – also referenced in Caetano Veloso’s song Fora de Ordem – to the infamous dialogue between ex-senator Romero Jucá and businessman Sérgio Machado right before President Dilma Rousseff’s impeachment in 2016. The paintings employ a vast range of references from architecture to industrial design, iconography of maps, language, sociological diagrams, system and game theory.

Morris also depicts the lunar calendar in a colored grid that marks the real time month and context of the exhibition. August 2019 [Rio] and September 2019 [Rio] are part of this ongoing series. In Digits, a painting based on the intensity and poetry of Niemeyer’s hands, the concentric composition suggests illusion and its solutions. Drawing inspiration from Roberto Burle Marx, Lina Bo Bardi, Oscar Niemeyer, fruits and even Bossa Nova album covers, her canvases are made up of brilliant compositions whose curves, vectors and interlocking spheres reference the sharp contrasts of Brazil’s many social forms.

Highlighting the tension between fiction and reality, images and abstraction, Morris also uses ink and gouache to draw on iconic film posters, such as All the President’s Men (1976) by legendary American director, Alan J. Pakula. The plot follows journalists Bob Woodward and Carl Bernstein who investigate and expose the Watergate scandal for the Washington Post that eventually led to the resignation of President Richard Nixon, establishing a striking connection to the paintings in her Sound Graph series shown. Interestingly, it was Nixon’s voice recorded in his audiotapes that ultimately brought him down.

Since the mid 1990s, Morris has held a close relationship with Brazil through frequent visits and participations in biennials and exhibitions. In 2002, the British-American artist was part of the 25th Bienal de Sao Paulo curated by Alfons Hug. She took part in the group show A Nova Geometria curated by Adriano Pedrosa at Galeria Fortes Vilaça in Sao Paulo the following year. In 2012, her interest in the country led to her eleventh film Rio shot in Rio de Janeiro which was filmed in numerous locations including the office of architect Oscar Niemeyer just before his death, the headquarters’ of the city’s Mayor Eduardo Paes, the Carnival “Winner’s Parade” at Sambódromo, and Cidade de Deus, the “City of God” neighborhood. This film was co-produced by Fortes Vilaça and White Cube, and was screened in 2013 at the solo show Bye Bye Brazil in London and in 2015 in Sao Paulo simultaneously at both galleries.

Sarah Morris was born in 1967 in the UK and lives and works in New York. Noteworthy solo shows include: Ullens Center for Contemporary Art, (Beijing, 2018); Espoo Museum of Modern Art (Finland, 2017); M-Museum (Leuven, Belgium, 2015); Kunsthalle Bremen (Bremen, 2013); Wexner Center for the Arts (Columbus, 2012); Fondation Beyeler (Basel, 2008); Museum Boijmans van Beuningen (Rotterdam, 2006); Palais de Tokyo (Paris, 2005); Hamburger Bahnhof (Berlin, 2001); and Modern Art Oxford (UK, 1999). Among participations in group exhibitions, highlights include: Solomon R. Guggenheim Museum (New York, 2017); Tate Triennial, Tate Britain (London, 2003); 25th Bienal de São Paulo (2002); and 4th Site Santa Fe Biennial (New Mexico, 2001).

Ao redor do sono na GAP - UFES, Vitória

Projeto propõe exposição coletiva e atividades culturais para debater o sono na arte contemporânea

Na terça-feira, dia 27 de agosto, às 19h, acontece a abertura da exposição coletiva “ao redor do sono” na Galeria de Arte e Pesquisa da UFES. Um pouco antes da abertura, às 18h, haverá uma conversa com os artistas Julia Amaral (Florianópolis), Ana Lucia Vilela (Goiânia) e Tom Boechat (Vitória).

A exposição reúne trabalhos de onze artistas-pesquisadores e foi desenvolvida como uma proposta aberta aos artistas, residentes em Florianópolis, Goiânia, Londrina e Vitória, que responderam a questão do sono com abordagens e perspectivas singulares.

Por que tomar o sono como ponto de partida? A leitura de “4/7 Capitalismo tardio e os fins do sono”, de Jonathan Crary, traduzido no Brasil em 2016, foi uma das principais propulsoras da investigação, contribuindo para refutar a ideia de que o sono é para os fracos. Neste livro, o historiador da arte analisa o (extenuante) regime temporal de consumo e trabalho do mundo contemporâneo e como esta disponibilidade ininterrupta esfacela pausas e ritmos fundamentais para a atividade reflexiva. E como pensar o sono? De metáfora de alienação, no sonambulismo de uma população adormecida, o sono pode, ao contrário, ser uma insubordinação ao trabalho/consumo?

Relatos e desenhos de sonhos estão presentes na mostra, com os textos de Raquel Stolf, figuras fantasmagóricas de Julia Amaral, pessoas atadas em densas nuvens nos desenhos de Ana Lucia Vilela e mesmo nos desenhos de sonhos de outros artistas como o pesadelo relatado pelo artista Albert Durer em 1525, (re)desenhado por Diego Rayck. A ideia de pesadelo também perpassa o vídeo “Tsunami”, 2019, de Raquel Garbelotti com Murillo Paoli, que coloca a própria galeria sob inundação em uma maquete virtual. Já as caixas de papelão legendadas como espaço político para o sono de Gisele Ribeiro fazem referência à situação de vulnerabilidade social do sono no espaço urbano.

A atração pela noite figura nos navios iluminados de Camila Silva em “Pernoites”, instalação com imagens da orla portuária de Vitória filmados em hotéis de Camburi e nos rostos apressados nos terminais urbanos apreendidos nas fotografias de Tom Boechat.

Há animais adormecidos e uma mulher que dorme nos vídeos de Aline Dias e uma obstinada transcrição do livro “Água-viva” de Clarice Lispector, empreendida por Elke Coelho, cuja caligrafia incorpora o texto e ocupa as paredes do espaço expositivo.

Dialogando com a reflexão sobre o sono, a expografia repensa a convenção de verticalidade do visitante, situando as obras mais perto do chão e oferecendo esteiras de palha para visualizar os vídeos, numa provocação entre conforto/desconforto.

A exposição se desdobra fora da galeria, incluindo um trabalho sonoro de Raquel Stolf na Biblioteca Setorial do Centro de Artes da UFES.

Na sexta-feira, dia 30 de agosto, o CineSesc Glória acolhe um dos trabalhos da exposição, com a exibição de “filme sono”, uma montagem de vídeos de estudantes dos cursos de artes da UFES, acompanhada por trilha sonora em tempo real do GEXS, Grupo de Experimentação Sonora, também da UFES coordenado por Marcus Neves.

Durante o mês de setembro, serão realizadas uma série de atividades, como lançamento do livro “ao redor do sono” e um encontro com Raphael Fonseca, curador do MAC-Niterói, sessões no Cine Metrópolis, revisitando o imaginário construído sobre o sono na produção cinematográfica, em parceria com o projeto de extensão “vão projeção de filmes” e um conjunto de oficinas e ações educativas em parceria com o NAVEES, Núcleo de Artes Visuais e Educação do Espírito Santo, sob coordenação de Julia Rocha. Estas atividade integram o projeto elegia do sono, de Camila Silva, contemplado no Edital 020 Setorial de Artes Visuais FUNCULTURA SECULT ES.

PROGRAMAÇÃO

27 de agosto (terça-feira)
18h: Conversa com artistas da exposição: Ana Lúcia Vilela (Goiânia), Julia Amaral (Florianópolis), Tom Boechat (Vitória)
19h: Abertura “ao redor do sono” com apresentação do duo Doce Caseiro
Local: Galeria de Arte e Pesquisa (GAP) / Ufes

30 de agosto (sexta-feira)
18h20: Projeção do filme sono + performance sonora ao vivo do Grupo de Experimentação Sonora (Gexs)
Local: Centro Cultural Sesc Glória / Centro, Vitória - ES

17 a 20 de setembro (terça a sexta)
13h-15h: semanada de filmes + debate com pesquisadores convidados (sexta feira)
Local: Cine Metrópolis / Ufes

27 de setembro (sexta feira)
15h: conversa com Raphael Fonseca (curador do MAC - Niterói) + lançamento e distribuição do livro “ao redor do sono”
Local: Galeria de Arte e Pesquisa (GAP) / Ufes

Temporada de Projetos: Alice Lara + Felipe Chimicatti e Pedro Carvalho Moreira em Paço das Artes no MIS, São Paulo

Paço das Artes inaugura duas mostras da Temporada de Projetos 2019

Na penúltima edição de 2019, a artista Alice Lara e a dupla Felipe Chimicatti e Pedro Carvalho Moreira apresentam seus trabalhos nas mostras No início, para se tornar humano, primeiro é preciso aprender limites e Santiago - Fogo em cartaz a partir do dia 27 de agosto, às 19h.

Com o objetivo de abrir espaço à produção, fomento e difusão da prática artística jovem, o Paço das Artes, — instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo — realiza a Temporada de Projetos desde 1996 com exposições de artistas da cena da jovem arte contemporânea brasileira.

Na exposição No início, para se tornar humano, primeiro é preciso aprender limites, a pintora Alice Lara apresenta um trabalho que desenvolve desde o início de 2017 em zoológicos, espaço que, para a artista, levantam um amplo debate, pois ao mesmo tempo que preservam espécies, fazem cerceamento de animais. Nas obras, a artista reflete sobre a relação entre humanos e animais, que - longe de jaulas e prisões encontram sua equivalência na natureza - abordando discursos inerentes à existência.

Em Santiago – Fogo, os artistas Felipe Chimicatti e Pedro Carvalho Moreira apresentam 45 imagens e um filme curto produzidos em película Super8. As obras refletem sobre o implacável abandono do presente e os espaços de memórias e afetividades de pequenos municípios em Cabo Verde. Na mostra, o público é convidado a conhecer a visão dos artistas por meio de imagens - ora preto e brancas ora coloridas - capturadas em um trajeto entre a cidade da Praia e a Vila Tarrafal, situadas na Ilha de Santiago, em Cabo Verde e, também, no vilarejo de Chã das Caldeiras, ao lado do Vulcão de Fogo. Além disso, será exibido um curta intitulado Cemitério de Branco e gravado em São Filipe, na Ilha do Fogo, em Cabo Verde.

Durante o evento de abertura ocorrerá, também, o lançamento do catálogo da exposição Estado(s) de Emergência. Entre idéias de reinvenção e de resistência inerentes à arte contemporânea, Estado(s) de Emergência buscou conectar os fios soltos da arte brasileira por meio de tentativas atuais em recontar um passado recente do país e repensar um presente onde a violência, a censura e o preconceito que ainda permanecem tão latentes quanto nos anos da ditadura civil-militar. A exposição apresentou trabalhos desenvolvidos a partir dos anos 2000 que lançaram luz sobre a memória dos anos do regime de exceção.

Paulo Nenflidio na Caixa Cultural, São Paulo

Mostra reúne desenhos, aparelhos sonoros, obras interativas e autômatas

A Caixa Cultural São Paulo apresenta, de 27 de agosto a 03 de novembro de 2019, a mostra Invenções Híbridas, do artista paulista Paulo Nenflidio - que explora, de forma inovadora, o elo entre artes visuais, ciência, eletrônica, música e tecnologia. A entrada é gratuita.

Sob a curadoria de Fernanda Vogas, ‘Invenções Híbridas’ apresenta 18 obras, criadas pelo artista nos últimos 15 anos, que além do reconhecido valor estético, apresentam aspectos interdisciplinares, onde estão presentes som, eletrônica, movimento, aleatoriedade, robótica, física, interação e novas tecnologias.

Dentre as obras que compõem a mostra, a obra Monjolofone: uma máquina de música aleatória e automática, movida a água. Para a máquina funcionar, o visitante precisa bombear a água do coletor para o reservatório e abrir as torneiras das respectivas notas musicais que se quer ouvir. A composição musical fica por conta do visitante, quanto mais torneiras abertas, maior a velocidade das percussões. Para ouvir músicas mais lentas, basta fechar um pouco as torneiras. Nessa relação de cumplicidade e comprometimento, para além da leitura, o espectador contribui com o resultado da obra.

Outro destaque na mostra é a obra 4,33 metros: um pêndulo de madeira com 4,33 metros de comprimento que se mantém em movimento contínuo. No ápice do seu movimento, o pêndulo encontra uma taça de cristal contendo água. O pêndulo toca tão sutilmente na taça que não é possível ouvir o som. A criação faz referência à ilustre obra musical do compositor John Cage, onde o silêncio é “tocado” por quatro minutos e trinta e três segundos.

A obra de Paulo Nenflidio desconstrói formalidades, reorganiza materiais, objetos e o próprio espaço de uma forma inovadora. Em 2013 o artista Paulo Nenflidio foi caminhar na praia pela manhã e no caminho encontrou pescadores que reclamavam da pesca da noite anterior. Quando puxaram a rede, não havia peixes; apenas um monte de tubos e conexões de material plástico e peças eletrônicas. O artista percebeu que se tratava de sucatas de um ser autômato marinho, e pediu aos pescadores o material encontrado. Em seu ateliê experimentou todas as possibilidades possíveis de encaixe entre as peças, resultando num bicho com uma cauda comprida e cinco braços com bocas nas extremidades. A obra se chama “Speaker”, e é uma escultura sonora inspirada nos cantores de jazz e na forma de seres marinhos.

“A arte híbrida é um movimento de arte contemporânea que explora novas áreas de expressão em conjugação com outras linguagens (robótica, ciências físicas, tecnologias de interface experimental, biologia, entre outras). Transitar na obra híbrida de Nenflidio é caminhar por um espaço de deslocamentos entre arte, ciência e tecnologia”, afirma Fernanda Vogas – curadora da exposição.

A mostra apresenta 18 obras com diversos formatos, materiais e técnicas, além de oferecer uma palestra com o artista. A palestra contará com um tradutor de Libras (Língua Brasileira de Sinais).

A exposição é aberta para diversos públicos, desde crianças a maduros, músicos, artistas plásticos, escultores, cientistas, estudantes, pesquisadores e curiosos.

Paulo Nenflidio (1976 - São Bernardo do Campo/SP) é formado em Artes Plásticas pela ECA/USP e em eletrônica pela ETE Lauro Gomes. Suas obras são esculturas, instalações, objetos, instrumentos e desenhos. Som, eletrônica, movimento, construção, invenção, aleatoriedade, física, controle, automação e gambiarra estão presentes em suas obras. Seus trabalhos se parecem com bichos, instrumentos musicais ou com máquinas de ficção científica. Em 2003 participou da residência artística Bolsa Pampulha em Belo Horizonte, tendo realizado a obra Música dos Ventos. Recebeu em 2005 o Prêmio Sérgio Motta de Arte e Tecnologia por trabalho realizado. Em 2009 realizou residência artística no ASU Art Museum no Arizona tendo produzido uma individual durante o período de residência. Participou da 7º Bienal de Artes Visuais do Mercosul e da mostra Paralela 2010. Recebeu em 2011 o Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça Artes Plásticas e em 2013 o Prêmio Funarte Marcantonio Vilaça. Em 2017 participou da Bienal Internacional de Arte Contemporânea da América do Sul.

Fernanda Vogas (1977 - Rio de Janeiro/RJ), é Mestra em Artes Visuais pelo PPGAV - UFRJ e graduada em comunicação social. Foi aluna da Escola Massana - Centre d’Art i Disseny em Barcelona. Fernanda é sócia diretora da Vogas Produções e vem assinando a concepção, curadoria, produção e gestão de diversos projetos de sua autoria nas áreas de artes visuais, cinema e música em convergência com as novas tecnologias. Em 2017 criou o Acusmática Visual ao lado do artista espanhol Xabier Monreal, com participações em festivais como Göteborg International Film Festival (Suécia), Copenhagen Art Festival (Dinamarca), Tous Ecrans Festival (Suíça), Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano (Cuba), FILE - Festival Internacional de Linguagem Eletrônica (2018 e 2019) e Bogotá Short Film Festival (2018) e AnimaMundi 2019.

A Caixa Cultural São Paulo oferece uma programação diversificada, com opções gratuitas, estimulando a inclusão e a cidadania. O espaço está situado em um prédio histórico na Praça da Sé, construído em estilo “Art déco” e inaugurado em 1939. Conta com três galerias, salão nobre, auditório e sala de oficinas. Em 2018, apresentou 40 projetos culturais e educativos tais como espetáculos de dança, teatro, shows, debates, leituras dramáticas, oficinas e palestras. O espaço também abriga o Museu da Caixa, uma exposição permanente que conta com instalações e inúmeros objetos originais, preservados desde a década de 40, mantendo vivas a história da instituição e de uma época da cidade de São Paulo e do Brasil

A Caixa Cultural São Paulo é de fácil acesso ao público, pois o Edifício Sé está a 100m da Estação Sé do Metrô.

Daniel Senise no Tomie Ohtake, São Paulo

Daniel Senise traz especialmente para o Instituto Tomie Ohtake uma nova obra em dimensão monumental, além de reunir pela primeira vez na exposição Todos os Santos um conjunto significativo de trabalhos pouco vistos ou inéditos que apresentam intervenções sobre ampliações fotográficas. Como aponta a curadora da exposição, Daniela Labra, o conjunto mostra um imbricamento de linguagens resultante de seu pensamento pictórico. “Desdobram sobre superfícies e imagens fotográficas o discurso acerca de memória, espacialidade, representação, materialidade, história da arte ocidental e filosofia que definem a pós-pintura de Daniel Senise”, afirma.

O trabalho em grande dimensão – 5 x 3,66 metros – contém fragmentos de matéria queimada recolhidos do interior do Teatro Villa-Lobos, no Rio de Janeiro, destruído pelo fogo em 2011 e até hoje interditado. O incêndio aconteceu quando o teatro acabava de passar por um processo de reforma e estava prestes a ser reinaugurado. Ao utilizar este material e alumínio espelhado, que provoca um jogo com o espaço, Senise reafirma o seu interesse pela ideia de ausência e pela arquitetura, poéticas recorrentes em sua produção. “Nesta obra, a fotografia sai e entra o espelho como suporte, refletindo por entre restos carbonizados o real invertido que habita seu lado de fora”, diz a curadora.

Nos outros trabalhos reunidos, realizados de 2005 a 2019, a fotografia substitui a tela, com imagens de espaços como o antigo galpão da Estrada de Ferro Sorocabana, o Hospital Matarazzo, ou locações na Bahia, Nova York, entre outras. As fotos foram feitas ou dirigidas por Senise com a colaboração de Mauro Restiffe, Caetano Dias, Tiago Barros e Fernando Laslo. Segundo a curadora, a fotografia surge como plano de fundo e cenário que ativa imaginários. “Camadas de temporalidade se sobrepõem configurando uma discussão sobre fisicalidade da matéria, representação, imagem, real, existência”.

A partir das fotos em grandes formatos que chegam a medir 3 x 2,50 metros, Senise intervém com matéria. “Sobre tais imagens, matérias e objetos recolhidos nos espaços fotografados são justapostos, criando camadas de profundidade e contrastes entre figura e fundo, bi e tri-dimensionalidade, narrativas sobre o mundo, o lugar do real e virtual hoje”, destaca a curadora.

Daniel Senise (1955, Rio de Janeiro), atualmente vive e trabalha no Rio de Janeiro. Em 1980, se formou em engenharia civil pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, tendo ingressado na Escola de Artes Visuais do Parque Lage no ano seguinte, onde participou de cursos livres até 1983. Foi professor na mesma escola de 1985 a 1996.

Desde os anos oitenta o artista vem participando de mostras coletivas, entre elas a Bienal de São Paulo, a Bienal de La Habana, em Cuba, a Bienal de Veneza, a Bienal de Liverpool, a Bienal de Cuenca, a Trienal de Nova Delhi, no MASP e no MAM de São Paulo, no Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, no MOMA, em New York, no Centre Georges Pompidou, em Paris, no Museu Ludwig, em Colônia, Alemanha.

Daniel Senise tem exposto individualmente em museus e galerias no Brasil e no exterior, entre os quais, o MAM do Rio de Janeiro, MAC de Niterói, Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, Casa França-Brasil, no Rio de Janeiro, o Museum of Contemporary Art, em Chicago, o Museo de Arte Contemporáneo, Monterrey, México, Galeria Thomas Cohn Arte Contemporânea, no Rio de Janeiro, Ramis Barquet Gallery e Charles Cowley Gallery, em Nova York, Michel Vidal, em Paris, Galleri Engström, em Estocolmo, Galeria Camargo Vilaça, em São Paulo, Pulitzer Art Gallery, em Amsterdam, Diana Lowenstein Fine Arts, em Miami, na Galeria Silvia Cintra, no Rio de Janeiro, Galeria Nara Roesler, em São Paulo, e a Galeria Graça Brandão, em Lisboa.

Conversa com Anna Bella Geiger, Fernando Cocchiarale e Luiz Alberto Oliveira no MAST, Rio de Janeiro

Os curadores Fernando Cocchiarale e Luiz Alberto Oliveira debaterão com a artista Anna Bella Geiger sobre suas obras baseadas em fotografias da NASA.

24 de agosto de 2019, sábado, às 16h30

Museu de Astronomia e Ciências Afins - MAST
Auditório do Prédio Anexo
Rua General Bruce 586, São Cristóvão, Rio de Janeiro, RJ
21-3514-5229
www.mast.br

O Museu de Astronomia e Ciências Afins (MAST) promove no próximo sábado (24), às 16h30, uma conversa da artista Anna Bella Geiger com os curadores de arte Fernando Cocchiarale (MAM - Museu de Arte Moderna) e Luiz Alberto Oliveira (Museu do Amanhã) sobre a obra da artista e os trabalhos expostos na mostra individual Uma Visão Lunar. Intitulada Sobre Ver a Lua, a mesa-redonda terá um debate sobre suas gravuras feitas com fotografias da superfície lunar cedidas pela Agência Espacial Americana, a NASA, em 1970. A exposição reúne, no Pavilhão Gautier, 13 serigrafias históricas da série batizada de Fase Lunar e que tem exemplares em diversas coleções internacionais, como a Fondation Cartier pour L'Art Contemporain, de Paris.

Um dos trabalhos deste acervo é a fotosserigrafia Lunar I, de 1973, que virou pop no ano seguinte, depois que a imagem foi licenciada para uma editora estampar a capa de cadernos escolares. "Esta foto foi cedida a mim pela NASA em 1970. Era muito recente o impacto da viagem do homem à lua. Tecnicamente, era inédita essa junção de serigrafia em cor e fotosserigrafia. Continuei a trabalhar com outras imagens da superfície lunar também cedidas pela Agência Espacial Americana", lembra Anna Bella Geiger. Curador de outra mostra da artista recém-exibida no MAM, Fernando Cocchiarale faz a seguinte afirmação em depoimento na mostra Uma Visão Lunar: "Anna Bella Geiger é uma artista essencial para a arte brasileira da segunda metade do século XX. Ela faz parte do reduzido grupo de artistas do país que elaborou na própria obra, a passagem do moderno para o contemporâneo".

Uma das mais produtivas e prestigiadas artistas visuais do país, Anna Bella Geiger-- discípula da gravadora Fayga Ostrower (1920-2001) e da historiadora Hanna Levy-Deinhard (1912-1984) -- tem alguns de seus trabalhos incorporados a importantes coleções internacionais, como as do MoMA (Nova York), do Centre Georges Pompidou (Paris), do Getty Institute (Los Angeles), da Tate Modern e do Victoria and Albert Museum (Londres). Em seu texto sobre a mostra, Anna Bella Geiger informa que toma por base os "ingredientes" comuns a todos os mapas, como projeção, escala e generalização para elaborar suas gravuras. No entanto, o significado da obra é diferente da observação comum aos mapas porque ela interfere deliberadamente nos traçados com distorções e inserções de textos.

Anna Bella Geiger nasceu no Rio de Janeiro em 1933. Graduada em Línguas Anglo-Germânicas na Faculdade Nacional de Filosofia (UFRJ). Ainda nos anos 50 estudou História da Arte e Sociologia da Arte com Hanna Levy-Deinhardt na New York University e na New School for Social Research. Participou da 1ª Exposição Nacional de Arte Abstrata em 1952 no Rio de Janeiro. Em 1962 ganhando, com sua obra abstrata, o Primér Premio Casa de las Americas, Havana, Cuba. Tem exposto regularmente desde então, em exposições individuais e coletivas no Brasil e no Exterior, como em várias Bienais Internacionais de São Paulo, Veneza, Bienalle du Jeune (Paris, 1967), II Bienal de Liverpool, 5 éme Biennale Internationale de Photographie, (Liège, 2000) e na Trienal Poligráfica de San Juan. Algumas coletivas como Artevida – Arte Política, MAM e Casa França-Brasil (Rio de Janeiro, 2014), América Latina 1960-2013, Fondation Cartier d’Art Contemporaine (Paris, 2013), La Idea de America Latina, CAAC (Sevilha, 2012), Vídeo Vintáge, Centre Pompidou (2012), Europália – A RUA - MUHKA (Antuérpia, 2011), COMO NOS MIRAM, CGAC (2011), Geopoéticas – 8ª Bienal do Mercosul (2011), Elles@Pompidou (Paris, 2009), Cartografias del deseo, Centro de Arte Reina Sofia (2000). Exposição individual PROJECTIONS XXI, MoMA (NY, 1978). Seus trabalhos integram coleções como a do MoMA (Nova York), do Centre Georges Pompidou (Paris), Tate Modern e Victoria and Albert Museum (Londres), Getty Institute (Los Angeles), The FOGG Collection (Boston) entre outras. Publicou, com Fernando Cocchiarale, o livro Abstracionismo geométrico e informal (Funarte, 1987). Ensina no Higher Institute for Fine Arts (HISK), Ghent, Antuérpia e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), Rio de Janeiro.

Fernando Cocchiarale é professor de Filosofia do Departamento de Filosofia da PUC-RJ (desde 1978) e da Escola de Artes Visuais do Parque Lage desde 1990. Autor de livros como Abstracionismo Geométrico e Informal: A Vanguarda Brasileira dos Anos 50 (com Anna Bella Geiger), Rio de Janeiro, MEC / Funarte, 1987 e Quem Tem medo da Arte Contemporânea, Recife, Fundação Joaquim Nabuco, Editora Massangana, 2006, publicou cerca de 200 artigos, textos e resenhas em coletâneas, catálogos Jornais e revistas de arte do Brasil e do exterior (tais como o Jornal do Brasil, RJ; Módulo, RJ; Guia das Artes, SP; Galeria e ArtNexus, Colombia). Foi membro da Comissão Curadora do Projeto Rumos Visuais de 1999 a 2000; curador-coordenador do mesmo Projeto entre 2001 / 2002 e, de novembro de 2000 a agosto de 2007, curador do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Foi curador da Casa de Cultura Laura Alvim, no Rio de Janeiro (2011/2012) e curador das mostras de arte contemporânea do Santander Cultural, Recife (2011). É doutor em Tecnologias da Comunicação e Estética pela Escola de Comunicação da UFRJ (2012). Em 2016 reassumiu a curadoria do MAM do Rio de Janeiro.

Luiz Alberto Oliveira é físico e curador do Museu do Amanhã. Doutor em cosmologia pelo Centro Brasileiro de Pesquisas Físicas (CBPF/MCTIC), foi pesquisador do Instituto de Cosmologia, Relatividade e Astrofísica (ICRA-BR) da mesma instituição, onde também atuou como professor de história e filosofia da ciência. É professor, palestrante e consultor de diversas instituições. Escreveu ensaios para as coletâneas Tempo e história, A crise da razão, O avesso da liberdade, O homem-máquina; Ensaios sobre o medo, Mutações: ensaios sobre as novas configurações do mundo, Mutações: a condição humana, Mutações: a experiência do pensamento, Mutações: elogio à preguiça, Mutações: o futuro não é mais o que era e Mutações: fontes passionais da violência.

Armarinhos Teixeira no Correios, São Paulo

Artista incorpora plantas aquáticas e carnívoras em grandes instalações na mostra “Colônia”, com curadoria de Marcus de Lontra Costa

O Centro Cultural Correios em São Paulo inaugura no dia 22 de agosto de 2019, quinta-feira, às 16 horas, a mostra individual “Colônia”, do artista paulistano Armarinhos Teixeira. São exibidas oito grandes instalações, realizadas com materiais industriais, plantas aquáticas e carnívoras, além de máquinas e sistemas de transmissão de nutrientes. Em curadoria e texto, o crítico Marcus de Lontra Costa destaca a influência da paisagem amazônica e o hibridismo entre ciência e arte na produção do artista.

“Em sua primeira grande mostra na sua cidade natal, Armarinhos Teixeira parte de um mundo submerso, a partir de pesquisas que realizou na Amazônia, onde o movimento das águas, as cheias e as marés, alteram profundamente a paisagem regidas pelo ritmo das cheias e das vazantes. Nessa nova série, as colônias submersas criam elementos de grande potência visual na qual o tempo é o regente de suas transformações”, escreve Marcus.

Distribuída em dois pavimentos, “Colônia” é aberta por uma instalação de sete metros de altura em aço e manta de poliéster. O andar superior abriga as demais instalações, todas elas remetendo à ideia de colônia, tão cara ao artista. Em duas delas, Armarinhos cria um bioma aquático a partir do uso de sistemas de circulação de água e filtragem com o uso de nutrientes para garantir a crescimento de espécies aquáticas amazônicas e também carnívoras, como a delicada (aqui colocar o nome científico dela), que se alimenta de pequenos insetos.

O hibridismo e a pesquisa de materiais incomuns de Armarinhos surpreendem o visitante com a instalação (“título dela”), em que quatro escadas de marinheiro, dessas com uma espécie de gaiola de segurança, sustentam a delicada e volumosa trama de uma manta acobreada de uso industrial.

Armarinhos Teixeira - Artista plástico, Armarinhos Teixeira, vive e trabalha em São Paulo. Em seu trabalho, estuda desde 1990 os biomas das coisas que estão entre a cidade, a mata e as áreas áridas e tudo o que há na biosfera. Numa via de expressão de intensidade, a construção de novos amparos, que se espalham como uma miragem contemporânea. A partir daí, criam em extensão: esculturas, instalações, desenhos e interrogativas em outras mídias, formando-se estudo de biomaterias e, assim, a bioarte.

Alexandre Sá na Reserva Cultural, Niterói

“Quando o homem encontra seu semelhante, rodeia-o com o olhar experimentando, nesse momento, a sua visão como uma tensão de caras e perfis. As caras para as quais palpita, e toda a sua palpitação, são-lhe devolvidas em espelho, num redemoinho de asas batentes.”
Jacques Lacan

Teu corpo//meu corpo é a primeira exposição individual de Alexandre Sá na cidade de Niterói. Trata-se de uma instalação que ocupará a Galeria do Reserva Cultural com apoio da Eixo Arte Contemporânea. O artista fará duas performances de longa duração nas quais recebe o público para um encontro, uma conversa e uma negociação sobre ações passíveis de serem realizadas e/ou utópicas para o momento atual. Tais ações são descritas em folhas de papel A4 e colocadas em exposição nas paredes. Teu corpo// meu corpo foi realizado em 2016 na Caixa Cultural do Rio de Janeiro e de Brasília e agora, três anos depois, retorna a cidade de Niterói. As performances ocorrerão nos dias 24/08 e 14/09 a partir das 16h. Entrada franca.

Fernanda Pequeno, curadora da mostra, afirma: "Teu corpo // Meu corpo propõe a ação do corpo, o diálogo com o espectador e a escrita dele resultante como instauradores de cumplicidade. A partir da utilização de um mobiliário que facilita a instauração de um espaço de acolhimento, frases propositivas de ações realizáveis ou não, improváveis, utópicas ou mesmo impossíveis passam a integrar a mostra, que é ativada a cada nova realização da performance ou pela ação do público."

Alexandre Sá vive em Niterói. É artista, curador e crítico de arte. Pós-doutorando em Filosofia pelo PPGF-UFRJ sob supervisão de Rafael Haddock Lobo. Pós-doutor em Estudos Contemporâneos das Artes pela Universidade Federal Fluminense sob supervisão de Tania Rivera. Doutor (2011) e mestre (2006) em Artes Visuais pela Escola de Belas-Artes da UFRJ, tendo sido orientado por Glória Ferreira. É atual diretor e professor do Instituto de Artes da UERJ, além de professor do Programa de Pós-graduação em Artes da mesma instituição. É um profissional híbrido que trabalha com diversas linguagens (performances, instalações, textos críticos e vídeo) e a particularidade de sua pesquisa plástico-teórica são as relações entre o texto, a imagem, a poesia, o corpo e a psicanálise.

Campo na EAV Parque Lage, Rio de Janeiro

Como um ou mais campos físicos interagem com a matéria?

EAV Parque Lage abrirá coletiva com obras de Adriana Varejão, Beatriz Milhazes, Daniel Senise, Ernesto Neto, Laura Lima e Luiz Zerbini, pensando a escola como um campo de forças dinâmicas

Um campo pode ser pensado como a atribuição de uma quantidade física em todos os pontos do espaço e do tempo. Pensar a escola como um campo de forças dinâmicas, por onde passam muitas pessoas, que afetam e são afetadas a partir do fluxo de encontros ali proporcionados, foi o ponto de partida do curador Ulisses Carrilho para criar a exposição “Campo”. A coletiva será aberta no dia 24 de agosto, às 19h, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, com visitação pública a partir do dia 25. Adriana Varejão, Beatriz Milhazes, Daniel Senise, Ernesto Neto, Laura Lima e Luiz Zerbini são os artistas e ex-alunos convidados a interpelar a noção de espaço em suas obras, a partir de diferentes campos.

Às 15h, no domingo, dia 25, acontecerá a apresentação Meu Querido, de Marcia Milhazes Companhia de Dança na instalação Gamboa II, de Beatriz Milhazes.

O geógrafo brasileiro Milton Santos define o espaço como uma acumulação desigual de tempos. A partir dessa perspectiva, Carrilho incluiu a noção de tempo na mostra, definindo-se aí o eixo temático que norteia a nova exposição.

A curadoria selecionou basicamente uma obra ou série de cada um dos seis grandes nomes já citados, que interpelam a noção de espaço e revelam a relação de seus autores com a EAV Parque Lage. A exposição “Campo” representa um retorno destes artistas à instituição que, de diferentes formas, atravessa suas trajetórias como um espaço relevante e singular, uma ordem de forças.

A EAV vem discutindo de forma constante e ativa a pedagogia de uma escola de arte. Quando o artista deixa de aprender? Como é o processo de aprendizagem? Qual a relevância dos espaços de formação para os artistas e para o pensamento deles? São os artistas que fazem a escola, ou a escola faz o artista?

Se as forças são dinâmicas, entende-se que a Escola de Artes Visuais constituiu-se, com toda a sua potência, a partir dos artistas que por lá passaram. Partindo mais uma vez da Física, a determinação de uma força resulta da intensidade, direção e sentido que atuam sobre o objeto.

É nesse contexto de absoluta correlação de forças e afetos, que as obras serão exibidas. O trabalho de Ernesto Neto desafia o campo gravitacional e provoca os sentidos, exaltando tudo aquilo que excede. A série de piscinas de Adriana Varejão, que explora o conceito de força centrípeta, vai dialogar com a piscina do palacete, sem literalidades. Beatriz Milhazes trabalha com a verticalidade em rara instalação tridimensional. Luiz Zerbini traz a potência da floresta em série de 16 monotipias criada para ilustrar “Macunaíma”, de Mario de Andrade (o filme foi rodado no Parque Lage há exatos 50 anos). Tijolos feitos a partir de convites de exposições erguem a parede de Daniel Senise, exposta anteriormente na 29ª Bienal de SP (2010), questionando o próprio campo da arte. E a filosofia ornamental de Laura Lima ocupará a capela das cavalariças, com uma série de trabalhos/instaurações que tensionam o espaço da arte.

“Ao questionar a própria noção de espaço, a Escola de Artes Visuais bota em pauta o espaço de formação. A escolha de pensar o campo é uma maneira mais complexa de pensar a escola, colocando o aluno como protagonista: é ele quem dá os contornos. A história da EAV é contada a partir dos que alunos-artistas que por ela passaram. A partir de um reajuste das percepções de espaço, esperamos contribuir com aqueles que estão hoje na instituição, em formação e gerando os novos contornos”, afirma Ulisses Carrilho.

O programa público, que seguirá em paralelo à exposição, consiste em criar uma série de entrevistas com os seis artistas e críticos convidados, com quem trabalharam recentemente. As entrevistas serão produzidas ao vivo na EAV, abertas ao público, com interlocução. Além disso, será desenvolvida uma plataforma de conteúdo para a instituição, a partir da vivência com os artistas.

A exposição “Campo” é patrocinada pelo escritório Pinheiro Neto Advogados, de forma independente, sem qualquer incentivo ou lei de isenção fiscal. Em agosto, o escritório de Direito completa 50 anos de atuação no Rio e seus sócios celebram a data financiando a mostra no Parque Lage.

Chão de Giz na Luisa Strina, São Paulo

Chão de Giz celebra os 45 anos da Galeria Luisa Strina, aniversário que se comemora, mais precisamente, no dia 17 de dezembro, quando a segunda exposição do ciclo comemorativo será inaugurada. Nessa primeira etapa, uma mostra coletiva revisita trabalhos icônicos originalmente exibidos na galeria no período de pouco mais de 20 anos, de 1974 a meados de 1990. Às obras históricas, somam-se outras de artistas que entraram para o time da galeria nos anos 2000, configurando um diálogo diacrônico em torno do tema curatorial: chão de giz.

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Um chão de giz – que também poderia ser um chão de carvão – constitui um terreno instável, sobre o qual se transita com alguma hesitação inicialmente. O título da mostra alude, claro, à obra de Cildo Meireles, Cinza (1984/1986), artista cuja trajetória caminha junto com a da galeria, e vice-versa, há quatro décadas. Mas refere-se também ao contexto político e cultural dos anos 1970 no Brasil. Foi sobre um solo instável do ponto de vista da liberdade de expressão que a Galeria Luisa Strina abriu as portas em dezembro de 1974.

Antonio Dias, Caetano de Almeida, Cildo Meireles, Dora Longo Bahia, Edgard de Souza, Fernanda Gomes, Ivens Machado, Leonilson, Luiz Paulo Baravelli, Marina Saleme, Milton Machado, Mira Schendel, Muntadas, Nelson Felix, Nelson Leirner, Tunga, Waltercio Caldas e Wesley Duke Lee são alguns dos artistas que participaram ativamente dos primeiros 20 e poucos anos desse percurso, que se funde com a própria história recente da arte brasileira, e cujos trabalhos estão reunidos na mostra.

Uma leitura alternativa do “chão de giz”, porém, é a do caminho vacilante das novas linguagens que estavam no auge da experimentação no momento em que Luisa Strina fundou a galeria, e que, até então, viviam e se reproduziam “deliberadamente na sombra”, para usar a expressão do editorial da publicação A Parte do Fogo (1980), editada por Cildo Meireles, João Moura Junior, Jose Resende, Paulo Sergio Duarte, Paulo Venancio Filho, Rodrigo Naves, Ronaldo Brito, Tunga e Waltércio Caldas – e cujo fac-símile será exibido na exposição, junto de outros documentos, fotografias, publicações e registros do período.

“É preciso dizer que a retórica de Abertura pode recalcar eventuais linguagens de abertura. E, legitimando-se como Verdade Institucional, cumprirá este papel, com seu belo nome e tudo. O que se observa como sintoma é grave: não se fala em novas linguagens, não se indaga pelas novas linguagens, não se deseja novas linguagens. Ao que tudo indica, essas seriam pura e simplesmente aquelas que foram reprimidas pela censura oficial. E. entre elas, como a própria inteligência do Poder supunha, não existem diferenças. (…) Um Novo imediatamente inteligível é uma contradição nos termos. O momento ininteligível do Novo – a temporária suspensão das nossas certezas – não agrada à Consciência Dominante. Esta deseja a superfície clara e imóvel do espelho para contemplar-se, reconhecer-se, duplicar-se. Rejeita, repele a inquietude das pulsões inconscientes, dos impulsos que não domina. Por isto, o compromisso do velho-novo”, defendiam os editores de A Parte do Fogo em 1980.

Toda a programação deste ano celebra o aniversário, a começar pelas duas mostras inaugurais, de Anna Maria Maiolino e Beto Shwafaty, que simbolizam os principais valores defendidos por Strina desde que inaugurou a galeria: liberdade irrestrita de expressão aos artistas, para experimentarem e ousarem sempre, fosse na linguagem ou no conteúdo de suas obras. Os valores da liberdade e da experimentação deram forma e fama a um espaço pouco convencional, que fomentou e difundiu a arte conceitual – na contramão da mentalidade “velho-novo” – no calor do momento em que estava sendo inventada, reinventada e desconstruída.

Na SP-Arte 2019, a galeria apresentou pela primeira vez em seu estande obras de Robert Rauschenberg, além de trabalhos de Mona Hatoum, Alfredo Jaar, Muntadas e Leonor Antunes para marcar as comemorações dos 45 anos. Ainda no primeiro semestre, a galeria realizou individuais de Carlos Garaicoa, Miguel Rio Branco e Magdalena Jitrik, além de uma coletiva que reuniu obras de três grandes nomes do conceitualismo no mundo da arte: Jimmie Durham, Cildo Meireles e Pedro Cabrita Reis. Neste segundo semestre, as mostras comemorativas continuam com individuais de outras pratas da casa: Caetano de Almeida e Brian Griffiths [ambas de agosto a setembro]; Laura Lima e Matias Duville [ambas de final de setembro a início de novembro]. E a galeria encerra o ano fazendo jus à tradição de inovar, com exposição individual de uma jovem artista britânica, Caragh Thuring, a partir de 19 de novembro.

Mais longeva galeria brasileira dedicada exclusivamente à arte contemporânea, a Galeria Luisa Strina tem sua história atrelada à da internacionalização da arte brasileira, assim como à história da internacionalização das coleções de arte brasileiras. A presença pioneira na Art|Basel é uma das razões que explicam este fato incontestável. Outra delas é a postura que Luisa adotou, desde a criação da galeria, de apresentar em São Paulo exposições solo de artistas estrangeiros.

O pós-minimalista norte-americano Alan Shields, por exemplo, conhecido pelas pinturas coloridas sobre tecido sem chassi que questionam o grid modernista, realizou individuais na galeria em 1976 e 1978. O espanhol Antoni Muntadas, representado até hoje pela GLS, fez sua primeira individual na Luisa Strina em 1987. Neil Williams, outro norte-americano pioneiro em desconstruir materialmente o espaço pictórico, teve mostras solo em 1982 e 1988. O ultraconceitual Joan Rabascall, espanhol, apresentou, em 1989, a exposição La Leçon de Peinture, com curadoria de Pierre Restany.

Foi neste primeiro período também que aconteceram exposições hoje célebres, como Cinza, de Cildo Meireles, em 1986, que ocupou a sala principal da galeria com uma instalação que desafiava a percepção visual e física do visitante, convidado a entrar nas duas salas em forma de cubo, constituídas por cinco painéis de lona pintados com tinta acrílica. No lado interno dos cinco painéis de uma sala, as telas pintadas de preto são rabiscadas com giz branco, restando apenas, no centro dos painéis, uma imagem preta que é a projeção de um bastão de giz. O chão está totalmente coberto de giz. Nos cinco painéis da sala adjacente, o carvão vegetal é aplicado sobre as telas pintadas de branco. No centro de cada painel aparece uma imagem branca que é a projeção nas quatro paredes e no teto de um pedaço de carvão. O chão está coberto de pedaços de carvão vegetal. Branco e preto se misturavam pela ação dos espectadores participantes.

Na exposição Chão de Giz, para abordar esse marco histórico, incluem-se duas pinturas de Meireles que foram exibidas na individual de 1986. A instalação Cinza (1984-1986) está entre as obras que foram selecionadas pelos curadores Júlia Rebouças e Diego Matos para a retrospectiva de Cildo Meireles, intitulada Entrevendo, que será inaugurada no final de setembro no Sesc Pompeia.

No início dos anos 2000, a GLS incorporou dois outros pisos do edifício da Rua Oscar Freire, para ampliar seu programa de exposições, passando a realizar duas ou mesmo três mostras concomitantes no espaço. O experimentalismo que sempre foi marca-registrada da galeria e de seus artistas se espraiou para o térreo e o terraço – que sediou memoráveis projetos site-specific. Antes mesmo de dispor de mais espaço físico, já havia o fomento do caráter público da arte contemporânea por parte da Galeria Luisa Strina, faceta que ganhou notoriedade com a intervenção de Félix González-Torres no outdoor que havia na fachada do prédio. Em 2004, Renata Lucas realizou o histórico Cruzamento no encontro das ruas Padre João Manuel e Oscar Freire.

Também nos anos 2000, além dos nomes internacionais que já figuravam no time de artistas, como Muntadas e Alfredo Jaar, ou dos grandes nomes que já tinham feito mostras individuais aqui, como Julião Sarmento (1992), Anish Kapoor (1996), Win Delvoye (1997), e Jenny Holzer (2000), outra inovação capitaneada por Strina iria transformar, mais uma vez, a cena: o início de um diálogo mais estreito com latino-americanos. Jorge Macchi e Carlos Garaicoa passam a ser representados no Brasil pela GLS. Em dez anos, o intercâmbio com a América Latina cresceu. Hoje, a galeria representa artistas da Argentina (Pablo Accinelli, Eduardo Basualdo, Matias Duville, Magdalena Jitrik, Macchi e Adrián Villar Rojas); Chile (Jaar); Colômbia (Mateo López, Bernardo Ortiz, Nicolás Paris e Gabriel Sierra); Costa Rica (Federico Herrero); Cuba (Garaicoa); México (Pedro Reyes); e Venezuela (Juan Araujo e Alessandro Balteo-Yazbeck).

São 16 artistas, o que significa – quando somados aos demais estrangeiros representados – um perfil de fato internacional para a galeria, com 50% de artistas brasileiros e 50% de fora do país. Grande diferencial dos dez anos mais recentes na história da Galeria Luisa Strina, o fomento do intercâmbio com os países vizinhos mudou a cara do mercado de arte em São Paulo e das grandes coleções, que se abriram para uma narrativa da arte brasileira em diálogo com o contexto maior do continente, tornando-as mais complexas e mais completas, e inserindo, por consequência, a produção nacional no contexto maior da realidade política e social latino-americana. Neste período, outro marco foi a galeria se tornar representante de Robert Rauschenberg na América Latina.

Chão de Giz [Chalk Floor] salutes the 45th anniversary of Galeria Luisa Strina, which is celebrated more precisely on December 17, date when the second exhibition of the commemorative cycle will be inaugurated. In this first stage, a group show revisits iconic works originally exhibited at the gallery over a period that spans from 1974 to the mid-1990s. To the historical works are added other pieces by artists who joined the gallery’s cast in the 2000s, setting up a diachronic dialogue around the curatorial theme: chalk floor.

A chalk floor – which could also be a charcoal floor – constitutes an unstable ground, on which one moves with some hesitation initially. The show’s title, of course, alludes to Cildo Meireles’ work ‘Cinza’ (1984/1986) – an artist whose career goes hand in hand with that of the gallery, and vice versa, during the last four decades. It also refers to the political and cultural context of the 70s in Brazil. It was on unstable ground from the point of view of freedom of expression that Galeria Luisa Strina opened its doors in December 1974.

Antonio Dias, Caetano de Almeida, Carlos Fajardo, Cildo Meireles, Dora Longo Bahia, Edgard de Souza, Fernanda Gomes, Ivens Machado, Jorge Guinle, Leonilson, Luiz Paulo Baravelli, Marina Saleme, Milton Machado, Mira Schendel, Muntadas, Nelson Felix, Nelson Leirner, Regina Silveira, Tunga, Waltercio Caldas and Wesley Duke Lee are some of the artists who actively participated in the first 20 years or so of this journey that merges itself with the recent history of Brazilian art, and whose works are gathered in this exhibition.

An alternative reading of the “chalk floor”, however, accounts for the wobbly path of the new languages that were at the height of experimentation when Luisa Strina founded the gallery, which until then lived and reproduced “deliberately in shadow”. Even with redemocratization, the “opening rhetoric” did not encourage “opening languages” – to use expressions from the early 80s debate of ideas. The condition of the new that experimental art proposed did not please the dominant culture of the time, that kept “the old-new commitment.”

This year’s entire program celebrates the anniversary, beginning with its two inaugural shows, by Anna Maria Maiolino and Beto Shwafaty, which symbolize Strina’s core vision since opening its doors in late 1974: unrestricted freedom of expression for artists, to experience and dare always, whether in language or in content of their works. The values of freedom and experimentation gave shape and fame to an unconventional space that fostered and diffused conceptual art at the heat of the moment it was being invented, reinvented, and deconstructed.

For the 2019 edition of SP-Arte, the gallery included in its booth, for the first time, works of the forerunner of American pop, Robert Rauschenberg. Other highlights of this year’s GLS stand were works by Mona Hatoum, Alfredo Jaar, Cildo Meireles, Muntadas, and Leonor Antunes to mark the 45th anniversary.

In the course of the first semester, the gallery also held solo shows by Carlos Garaicoa, Miguel Rio Branco and Magdalena Jitrik, as well as a group show that brought together works by three great names of conceptualism in the art world: Jimmie Durham, Cildo Meireles and Pedro Cabrita Reis. This second semester, the commemorative shows continue with solo exhibitions by other longtime partners: Caetano de Almeida and Brian Griffiths [both shows from August to September]; Laura Lima and Matias Duville [from late September to early November]. And to live up to its tradition of innovating, the gallery closes the year with an exhibition by a young British artist, Caragh Thuring, starting on November 19th.

As the first Brazilian gallery dedicated exclusively to contemporary art, Galeria Luisa Strina has its history linked to the internationalization of Brazilian art, as well as to the history of the internationalization of Brazilian art collections. The pioneering presence in Art | Basel is one of the reasons that explain this indisputable fact. Another is the standpoint that Luisa Strina has since the creation of her gallery to present solo shows by foreign artists in São Paulo.

It was during this early stage that nowadays celebrated exhibitions were held, such as Cildo Meireles’s Cinza (1986) that occupied the main exhibition room of the gallery with an installation that challenged the visual and physical perception of the visitor, invited to enter two rooms in the shape of a cube, consisted of five canvas panels painted with acrylic paint. The inner side of the five panels of one room, the black-painted canvases are scribbled with white chalk, leaving only a black image at the center of the panels, which was the projection of a chalk stick. Its floor is completely covered in chalk. On the five panels of the adjoining room, charcoal is applied to the white painted canvas. At the center of each panel there’s a white image that is the projection on the four walls and on the ceiling of a piece of coal. The floor is covered with pieces of charcoal. White and black were mixed by the action of the participating spectators.

Chão de Giz, to address this historic milestone, includes two paintings by Meireles that were exhibited at the 1986 solo show. The installation Cinza [Gray] (1984/1986) is among the works that were selected by curators Julia Rebouças and Diego Matos for Cildo Meireles’ retrospective ‘Entrevendo’, which opens in the end of September at Sesc Pompeia.

In the early 2000s, GLS incorporated two other floors of the Oscar Freire Street building to expand its exhibition program to two or even three concurrent exhibitions in the space. The experimentalism that has always been a hallmark of the gallery and its artists was stretched to the ground floor and to the terrace – which hosted memorable site-specific projects. Even before having more physical space, there was already the promotion of the public ethos of contemporary art by Galeria Luisa Strina, a facet that gained notoriety with the intervention of Félix González-Torres on the billboard on the facade of the building. In 2004, Renata Lucas performed the historic Crossing at the intersection of Padre João Manuel and Oscar Freire streets.

Ana Teixeira no Maria Antonia, São Paulo

Maria Antonia da USP inaugura a individual da artista Ana Teixeira que traz a conversa como procedimento de criação e ação política

O Centro Universitário Maria Antonia da USP recebe, a partir de 23 de agosto, a exposição É tarde, mas ainda temos tempo. A mostra individual da artista Ana Teixeira traz para o ambiente expositivo registros e desdobramentos de algumas ações feitas por ela em espaços públicos de diferentes lugares. A curadoria é de Galciani Neves (ler texto curatorial).

A mostra configura-se como uma panorâmica de seus 20 anos de trajetória, celebrados recentemente em um livro lançado em dezembro de 2018, cujo título “Para que algo aconteça” reafirma seu interesse por uma arte que propicie encontros -- sejam eles efêmeros, amorosos, incômodos ou mesmo inconvenientes. Encontros que podem ser, antes de tudo, enfrentamentos entre os sujeitos participantes de suas ações e eles próprios.

Para a artista, importam os acontecimentos e suas possíveis repercussões nos participantes. Teixeira tem como referência artistas que também experimentaram gestos de troca com o público, como Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape. “Para mim, é a possibilidade de abrir-se para o que se apresenta, a um ser ou a algo, a uma situação, a uma obra de arte, ou a si mesmo. E a entrega é, antes de tudo, um ato de coragem”, salienta.

A exposição conta, ainda, com novos trabalhos. Um deles é Cala a boca já morreu, uma série de desenhos em tamanho natural, feitos diretamente em uma das paredes da sala, de 43 mulheres com quem a artista conversou no entorno do Centro Maria Antonia durante o mês de março de 2019, perguntando-lhes o que elas não querem mais calar. Segundo a artista, o trabalho dialoga diretamente com o momento atual, principalmente no Brasil -- mas não apenas no país. “Vivenciamos a derrocada das democracias e o fortalecimento de movimentos de direita, que ameaçam as liberdades individuais e coletivas. Esta ação de dar voz às mulheres, indistintamente, em ruas e outros espaços públicos, é um ato de luta e resistência”, enfatiza.

As ações Outra Identidade e Escute! serão realizadas pela artista algumas vezes durante o período da mostra. O título incita os visitantes a pensar nas dificuldades atuais como possíveis de serem superadas. ”É tarde, mas ainda temos tempo para rever, reverter, provocar, desafiar, estimular o senso crítico, propor trocas, exercitar a tolerância, encontrar-se, ofertar-se, fortalecer-se e fortalecer o outro, ver o outro, ouvir o outro, dar espaço ao outro. Ainda temos tempo para acontecer”, analisa Teixeira.

No dia 28 de agosto, às 19 horas, a artista e a curadora participam do programa Conversa na exposição, e convidam o público a refletir em conjunto sobre as obras expostas.

Anna Maria Maiolino expõe vídeos no Masp, São Paulo

MASP faz retrospectiva em vídeo de Anna Maria Maiolino: Museu expõe nove vídeos da artista, um dos principais nomes da cena contemporânea brasileira

Um dos nomes mais importantes da cena contemporânea brasileira, a artista multimídia Anna Maria Maiolino (Scalea, Itália, 1942 - vive em São Paulo) ganha uma retrospectiva de sua obra no MASP. A Sala de Vídeo: Anna Maria Maiolino, com nove trabalhos da artista, abre ao público no dia 23 de agosto, ao lado das coletivas Histórias das mulheres e Histórias feministas, ligadas ao eixo curatorial que pauta a programação do museu neste ano, Histórias das mulheres, histórias feministas.

Com curadoria de Horrana de Kássia Santoz, assistente curatorial do MASP, a mostra apresenta os nove títulos selecionados em três telas: duas laterais, com trabalhos dos anos 1970-1980, e uma central, com trabalhos dos anos 2000, criando uma espiral de acontecimentos. Os trabalhos dos anos 1970 têm em comum o Super 8, formato adotado por diversos artistas da época, porque, além de permitir maior experimentação, cria diálogos com o cinema e a fotografia, entre outras linguagens. “Eu fiz uso do Super-8 porque tinha necessidade de experimentar”, diz a artista Anna Maria Maiolino.

Os vídeos dos anos 1970 também têm em comum a ditadura militar como pano de fundo. A repressão, o silenciamento, a tensão, bem como o conflito e o clima de guerra -- que Anna Maria viveu na infância, na Itália -- perpassam a obra da artista. Em In-Out (Antropofagia), o primeiro filme da mostra, uma câmera focaliza duas bocas alternadamente. O vídeo, feito entre 1973 e 1974, inicia com uma boca tapada como um gesto de censura. Em X (1974), um olho coberto com renda preta ocupa toda a tela. Em outro recorte, veem-se tesouras e gotas de sangue pelo chão branco.

Outros vídeos, como Um tempo (uma vez), feito entre 2009 e 2012, e Aos quatro ventos, produzido entre 2001 e 2011, revelam outra característica da criação da artista: o peso maior dado ao processo do que à obra em si. Maiolino não tem pressa de terminar um vídeo, pode levar anos para concluir um trabalho. ”Posso começar um vídeo e pausar o trabalho, à espera de algo. A arte é, para mim, um meio de obter autoconhecimento”, conta a artista, que por vezes trabalha a partir de escritos poéticos de próprio punho.

Para a curadora da mostra, é notável como a palavra, o tempo e o silêncio se tornaram matéria-prima para Maiolino. “Boa parte dos filmes e vídeos recorrem ao enquadramento em close up de partes do corpo, como as mãos, os olhos, a boca, que enfatizam a narrativa política e histórica, reforçado por um elaborado trabalho de edição, seus cortes, montagens e trilhas”, diz Horrana de Kássia Santoz.

Trajetória da artista

Filha de pai italiano e mãe equatoriana, Anna Maria Maiolino nasceu em 20 de maio de 1942, em Scalea, Calábria, na Itália. Caçula entre dez filhos, Maiolino sempre foi um corpo em movimento. Em 1943, sua família se refugiou no interior do país fugindo dos bombardeamentos em Scalea, durante a Segunda Guerra Mundial. Duas bombas atingiram a casa dos Maiolino. Em 1954, a família emigrou para a Venezuela devido à escassez do pós-guerra. Entre 1958 e 1960, Maiolino passou a estudar no curso de Arte Pura, na Escola Nacional Cristóbal Rojas, em Caracas.

Aos 18 anos, chegou ao Brasil e se instalou no Rio, onde começou a fazer cursos livres de pintura e xilogravura na Escola Nacional de Belas Artes. Foi aluna de Adir Botelho e assistente do ilustrador e desenhista Oswaldo Goeldi. Participou da Nova Figuração, movimento de reação à abstração e tomada de posição frente à ditadura militar que se impunha no Brasil. Na mesma época, Maiolino conheceu Rubens Gerchman, com quem se casou em 1963 e teve dois filhos: Micael e Verônica.

Para artista, a década de 1970 foi significativa à experimentação e à utilização de diversas mídias como a poesia escrita, a utilização de filmes Super 8 — suporte de filmagem utilizado em alguns dos filmes apresentados no MASP —, performance e fotografia; além de continuar a utilizar o desenho, a pintura e a escultura como recursos para o seu ofício.

“Eu me esforçava para realizar meu trabalho de arte, ser esposa, mãe e cidadã. Percebia que me encontrava num momento rico da arte brasileira, apesar da sombra obscura da ditadura, que se anunciava”, conta.

Histórias das mulheres, histórias feministas

Todos os anos, a programação do MASP é guiada por um eixo temático pensado em torno de histórias, elaboradas a partir de diferentes perspectivas, incluindo narrativas reais, ficcionais, pessoais e documentais, vários suportes e distintas temporalidades e territórios — em 2016, foram as Histórias da infância, em 2017 as Histórias da sexualidade e em 2018, as Histórias afro-atlânticas. As histórias inauguram sempre uma grande coletiva e também pautam exposições individuais, oficinas, seminários, cursos e palestras ao longo do ano. Em 2019, o eixo Histórias das mulheres, histórias feministas destaca a produção de mulheres artistas, de diferentes nacionalidades, gerações e origens, com o objetivo de promover discussões sobre feminismos e representatividade nas artes.

SINOPSES DOS VÍDEOS
(pela ordem de exibição na sala)

In-Out (Antropofagia), 1973-74, 8’17”, Super 8, transcrito em vídeo em 2000
Roteiro, direção e montagem: Anna Maria Maiolino
Música: Laura Clayton
Fotografia: Sigmund Zehr (18 imagens por segundo, colorido)
Participação especial: João Eduardo Osório

A câmara focaliza alternadamente a boca de um homem e a de uma mulher, em um diálogo/não diálogo. O filme não possui história linear. Muda a mensagem, e a cor dos lábios. Figuram signos: o fio, os dentes, a boca tapada com esparadrapo, a impossibilidade da fala, a censura. O último suspiro.

X, 1974, 3’06”, Super 8, transcrito em vídeo em 2000
Roteiro, direção e montagem: Anna Maria Maiolino
Música: Vania Dantas Leite
Fotografia: Max Nauenberg (18 imagens por segundo, colorido)

A câmera focaliza um olho, que ocupa toda a tela. A câmera parada, fora da cena, é o outro olho, que observa desde fora. O outro elemento é o perigo — a tesoura cortante — e os traços de sangue.

Um Tempo (uma vez), 2009/2012, 7’34”, filmado em câmera digital
Música: Anna Maria Maiolino e Mateus Pires
Fotografia: Anna Maria Maiolino
Edição: Anna Maria Maiolino e Rafael Costa
Participação especial: Gabriel Gerchman, Verônica Gerchman e João Araújo

O interior de um carro em uma viagem por carreteiras.

Y, 1974, 2’23”, Super 8, transcrito em vídeo em 2000
Roteiro, direção e montagem: Anna Maria Maiolino
Música: Vânia Dantas Leite
Fotografia: Max Nauenberg (18 imagens por segundo, preto e branco)

Um grito e os olhos vendados de uma personagem se sucedem a espaços negros no tempo. Registro do momento presente, a repressão militar.

Um dia, 1976/2015, 4’, Super 8, transcrito e editado em 2015
Fotografia: Mônica Barbosa
Som e edição: Anna Maria Maiolino e Mateus Pires

Registro realizado em visita à Quinta da Boavista, no Rio, antiga fazenda particular, depois residência imperial e hoje sede do Museu Nacional e do zoológico da cidade. Ao seu lado, fica a caserna de um batalhão do Exército. Sons obtidos por pios artesanais de Tânia Piffer compõem a trilha.

09, da série LOG (Apresentações), 2013, 6’54”, vídeo digital
Roteiro, direção e fotografia: Anna Maria Maiolino
Edição: Anna Maria Maiolino e Mateus Pires

A série reúne autorretratos sonoros ou autodocumentários sobre experiências de vida. A voz da artista é o espelho da memória de realidades e fantasias. A narrativa tem linguagem híbrida, devido às sobreposições de fatos e emoções. A série de obras é uma e é múltipla, parte de um projeto maior de instalação visual e sonora, Sine Die [Sem Data], iniciado em 2003 e nunca exposto na totalidade.

+ - = - (mais menos: igual a menos), 1976, 3’23”, Super 8, transcrito em vídeo em 2000
Roteiro, direção e montagem: Anna Maria Maiolino
Fotografia: Maria do Carmo Secco (18 imagens por segundo, preto e branco)
Participação Especial: Paulo Herkenhoff e Bruno Tauz

Dois jogadores disputam uma partida de ovos sobre uma mesa. Os ovos rolam pelos campos adversários sob o risco de cair e quebrar. O filme não aponta o vencedor.

Ad Hoc, 1982/2000, 3’41”, sonorizado e transcrito em vídeo em 2000
Roteiro e direção: Anna Maria Maiolino
Música: Paulo Humberto Moreira
Fotografia: Regina Vater
Participação Especial: Paulo Bruscky

Ad Hoc; a propósito em latim. As mãos, sem o corpo do homem, aparecem sobre o fundo preto da blusa. A trilha traz trechos da obra de Antonin Artaud, ainda atuais por nossos problemas sociais.

Aos Quatro Ventos, 2001/2011, 4’32”, filmado em H8 e transcrito em digital em 2001
Argumento, edição e fotografia: Anna Maria Maiolino
Atriz: Marilena Bibas
Voz: Verônica Gerchman

O personagem principal e motivador dessa obra é uma mulher que caminha no parque do Aterro do Flamengo no Rio de Janeiro e fala com um personagem invisível.

Fortes D’Aloia & Gabriel na 13ª da SP-Arte/Foto, São Paulo

Para a SP-Foto deste ano, a Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta o conjunto de fotografias Alvorada de Mauro Restiffe ao lado de New Botanica Series de Janaina Tschäpe. Enquanto Restiffe lança seu olhar para a utopia modernista, projetando Brasília para dentro do palácio presidencial, Tschäpe opera sob mecanismo inverso ao inserir seres fictícios na natureza e assim trazer elementos de fantasia para o mundo exterior.

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Mauro Restiffe (São José do Rio Pardo, 1970) fotografa usando a técnica analógica desde o final dos anos 1980. Em sua obra, mescla a linguagem documental com múltiplas referências pinçadas da História da Arte, mantendo estreita relação com a pintura e a herança modernista. A convite do jornal Folha de São Paulo, o artista fotografou o Palácio da Alvorada, residência oficial do presidente do Brasil, logo após o projeto de restauro que trouxe de volta o mobiliário original pensado por Oscar e Anna Maria Niemeyer. Realizadas no hiato em que o prédio estava vazio, à espera de um novo presidente, as fotografias de Alvorada (2018) revelam o local sob uma abordagem intimista, onde o tempo parece estar suspenso. A série alterna entre registros coloridos e em preto-e-branco, enfatizando o uso da cor através das diversas superfícies douradas que pontuam o ambiente. Explora também a recorrência de vazios, transparências e espelhos, como se projetasse a cidade de Brasília para dentro do palácio.

Mauro Restiffe atualmente prepara uma grande exposição individual para a OGR Torino, na Itália, que inaugura em 31 de outubro deste ano. A mostra, que tem como foco a arquitetura, traz registros desde a década de 90 até os inéditos, fotografados em diversas cidades italianas para a ocasião. Outras de suas exposições recentes incluem: São Paulo, Fora de Alcance, Instituto Moreira Salles (Poços de Caldas, 2019; São Paulo, 2018; Rio de Janeiro, 2014); Álbum, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2017); Post-Soviet Russia 1995-2015, Garage Museum of Contemporary Art (Moscou, 2016).

A prática artística de Janaina Tschäpe (Munique, 1973) desdobra-se em pintura, desenho, fotografia e vídeo. As fotografias de New Botanica Series (2004–2005) resgatam ideais de integração com a natureza propostos pelo romantismo, assim como as ações performáticas da land art. A artista insere pequenas esculturas feitas com plástico e massa de modelar em paisagens naturais para então documentá-las sob a linguagem da exploração botânica. Inspiradas tanto pela flora exuberante quanto por partes do corpo humano, essas plantas e flores inventadas se confundem na paisagem, despertando estranheza e curiosidade. A nomenclatura fictícia dos títulos, as cores vibrantes e as formas sugestivas engendram um universo particular, onde o real se metamorfoseou em um ambiente místico, repleto de narrativas fantásticas.

Paralelamente à SP-Foto, Janaina Tschäpe está em cartaz no Galpão da Fortes D’Aloia & Gabriel até 28 de setembro, onde apresenta pinturas de grande formato. Projetos recentes incluem um painel de 20 metros para o SESC Guarulhos, inaugurado em maio deste ano, e a coletiva Live Dangerously no National Museum of Women in the Arts (Washington, D.C.) que a partir de setembro exibe sua série fotográfica 100 Little Deaths (1996–2002) na íntegra. Para 2020, tem individuais programadas no Sarasota Art Museum (Flórida) e no Musée de l’Orangerie (Paris).

Confira o preview

At this year's edition of SP-Foto Fortes D’Aloia & Gabriel presents a set of Alvorada photographs by Mauro Restiffe alongside Janaina Tschäpe’s New Botanica Series. While Restiffe casts his gaze on the Modernist utopia, projecting the city of Brasília into the presidential palace, Tschäpe operates under a reverse mechanism by inserting fictional beings into nature and, thus, bringing elements of fantasy to the outside world.

Mauro Restiffe (São José do Rio Pardo, 1970) has employed the analog technique in his photos since the late 80s. His work merges documentary language with multiple references picked up from the History of Art, albeit keeping a close relationship to painting and the Modernist heritage. Invited by the Folha de São Paulo newspaper, the artist photographed Palácio da Alvorada, official residence to the Brazilian president, right after the conclusion of the restoration project that reinstated the original furniture envisaged by Oscar and Anna Maria Niemeyer. The pictures from Alvorada (2018) were taken when the building was empty, awaiting the new president. And they reveal the palace through an intimate approach where time seems to have come to a standstill. The series moves between color and black and white images, highlighting the use of color through multiple golden surfaces interspersed across the surroundings. It also explores the recurrence of gaps, transparencies and mirrors, as if the city of Brasília was itself projected into the building.

Mauro Restiffe is currently preparing a major solo show for OGR Torino, Italy, which opens next October 31st. Focused on architecture, the show features works from the 90s to date, along with new commissions shot in several Italian cities. His recent solo exhibitions include: São Paulo, Fora de Alcance, Instituto Moreira Salles (Poço de Caldas, 2019; São Paulo, 2018; Rio de Janeiro, 2014); Álbum, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2017); Post-Soviet Russia 1995-2015, Garage Museum of Contemporary Art (Moscow, 2016).

Janaina Tschäpe's (Munich, 1973) artistic practice unfolds into painting, drawing, photography and video. The photographs from New Botanica Series (2004–2005) revisit the ideals of integrating oneself with nature that arise from Romanticism, as well as the Land Art performances. The artist inserts small sculptures made with plastic and play-doh into natural landscapes to later document them as if they were uncovered in a botanical expedition. Inspired both by the exuberant flora and the human body, these made-up plants and flowers merge into the landscape evoking strangeness and curiosity. The fictional nomenclature of the titles, the vibrant colors and the suggestive shapes encircle a peculiar world in which reality has metamorphosed into a mystical environment, full of fantastic narratives.

Concurrent to SP-Foto, Janaina Tschäpe is showing large-format paintings in her latest solo exhibition at Fortes D’Aloia & Gabriel | Galpão, on view until September 28 th . Other recent projects include a 65ft mural for SESC Guarulhos, opened last May, and her participation in the group show Live Dangerously at the National Museum of Women in the Arts (Washington, D.C.), due to open in September, where the complete set of her series 100 Little Deaths (1996–2002) will be displayed. In 2020, she will have shows scheduled at the Sarasota Art Museum (Florida) and the Musée de l'Orangerie (Paris).

13ª da SP-Arte/Foto no Shopping JK Iguatemi, São Paulo

13ª SP-Foto estreita vínculos entre a fotografia brasileira e a cena internacional

Francesca Woodman, Rochelle Costi, Cinthia Marcelle, Miguel Rio Branco, Sebastião Salgado, Luiz Braga e Mauro Restiffe estão entre os artistas confirmados

A SP-Foto – Feira de Fotografia de São Paulo chega à sua 13ª edição firmando-se como o mais relevante evento de fotografia do Brasil. De 21 a 25 de agosto, a Feira ocupa toda a área de eventos do Shopping JK Iguatemi e reúne as principais galerias, museus e editoras que atuam com fotografia no País. Entre os 43 expositores, retornam as galerias Fortes D'Aloia & Gabriel, Mendes Wood DM, Vermelho, Mario Cohen, Silvia Cintra + Box 4, Luciana Caravello, Luciana Brito Galeria, além de casas especializadas em fotografia vintage como a Fólio, a Utópica e a MaPa. Estreiam as galerias Almeida e Dale+ Leme/AD (São Paulo), Galería Zielinsky (Barcelona) e LAMB Arts (Londres, São Paulo).

De Maureen Bisilliat a Bárbara Wagner, atividades como o Circuito Ateliês Abertos, o Meet the Artists e a parceria inédita com a Escrevedeira, espaço de eventos literários, a programação da SP-Foto amplia o contato do público com nomes ascendentes e consagrados da fotografia nacional. Além disso, o evento intensifica o interesse internacional pela fotografia brasileira convidando sete especialistas estrangeiras ligadas a instituições renomadas de arte contemporânea. As curadoras Margot Norton (New Museum, EUA), Barbara Tannenbaum (Cleveland Museum, EUA) e Julieta González (Jumex, México) engrossam reflexões candentes ao mundo da fotografia no Talks desta edição.

Destaques

Para enriquecer a cena de fotografia e arte contemporânea do Brasil, a SP-Foto traz ao público nomes nacionais e internacionais em efervescência nos principais pólos artísticos do mundo. A Mendes Wood DM, uma das mais influentes galerias brasileiras no exterior, apresenta imagens singulares de duas figuras históricas da arte norte-americana: uma série em cores da fotógrafa Francesca Woodman, expostas em 2017 na Fondation Henri Cartier-Bresson (França). Também se destacam na seleção da galeria os artistas brasileiros Luiz Roque e Sofia Borges.

A Vermelho destaca as artistas Cinthia Marcelle, única brasileira com menção honrosa na Bienal de Veneza, e Ana Maria Tavares, que apresenta obra inédita da série Skena in acqua, com fotografias bordadas.

A Dan Galeria apresenta o espanhol José Manuel Ballester com uma série de imagens emblemáticas de São Paulo que retratam ícones como o Pavilhão Ciccillo Matarazzo e o Edifício Copan. Figura mais conhecida por aqui, o britânico Martin Parr retrata com humor e sarcasmo os costumes da contemporaneidade. Suas fotografias são expostas pela Galeria Lume.

É possível localizar certos eixos temáticos que atravessam a Feira. Artistas como Denise Milan (Galeria Lume) e Caio Reisewitz (Luciana Brito Galeria) refletem acerca de tragédias socioambientais que colocam em risco a vida do planeta. Em outra chave, tanto Janaina Tschäpe (Fortes D'Aloia & Gabriel) como Luciana Magno (Janaina Torres) registram performances que relacionam o mundo interior e a natureza exterior.

Ao todo, a SP-Foto reúne mais de 80 anos de história da fotografia. A MaPa revela obras vintage da coleção de Kim Esteve, com artistas fundamentais para o movimento, a exemplo de Helmut Newton e Larry Clark. A Utópica destaca o legado que ícones como German Lorca e José Yalenti deixaram para a formação da fotografia moderna no Brasil.

Talks & Meet the Artists

Parte fundamental na programação da SP-Foto, o Talks abriga encontros entre curadores, galeristas, artistas e colecionadores, personalidades que refletem a respeito das tendências no fazer fotográfico e compartilham práticas e pesquisas. Nesta 13ª SP-Foto, quatro conversas preenchem as tardes de quinta e sexta-feira, 22 e 23 de agosto.

Sob mediação do escritor e curador Miguel Del Castillo, a curadora norte-americana Margot Norton, à frente da próxima trienal do New Museum (EUA), e o arquiteto Guilherme Wisnik, autor da obra Dentro do nevoeiro, conversam sobre o impacto da contemporaneidade digital nas imagens, e os desdobramentos sociais consequentes desse movimento.

Em diálogo com o jornalista e pesquisador Ronaldo Entler, a venezuelana Julieta González, do Museo Jumex (México), analisa como artistas contemporâneos, como Christopher Williams, Rosângela Rennó e Wolfgang Tillmans, se apropriam da fotografia para construírem seus trabalhos. González já fez parte da equipe de curadoria do Whitney Museum (Nova York) e Tate Modern (Londres), onde expandiu de forma significative o acervo de arte latino-americana e, mais especificamente, brasileira.

A integração da fotografia ao mesmo mercado de pinturas e esculturas alterou a percepção da natureza dual da foto enquanto objeto e imagem. O que essas mudanças implicam para o futuro fotográfico? A curadora norte-americana Barbara Tannenbaum, do Cleveland Museum (EUA), aterriza pela primeira vez no Brasil para refletir sobre essas e outras questões do mercado fotográfico, ao lado do galerista Mario Cohen.

Estreia da última edição, o Meet the Artists, programação voltada à troca de experiências com importantes fotógrafos do cenário contemporâneo, volta este ano com a presença de Bárbara Wagner & Benjamin de Burca e Mauro Restiffe, ambos representados pela Fortes D'Aloia e Gabriel, que encontram o público no último dia de Feira, 25 de agosto.

Bárbara Wagner & Benjamin de Burca questionam convenções sobre a cultura popular e de massa pela arte contemporânea, evocando temas políticos e identitários em suas fotografias e obras audiovisuais. Além de representar o Brasil na atual Bienal de Veneza, a dupla realizou individuais este ano no Stedelijk Museum, em Amsterdã, e no Pérez Art Museum, em Miami.

Quase ativista da fotografia analógica desde os anos 1980, Mauro Restiffe reapresenta ao público a série Alvorada(2018), com vistas particulares do restauro da residência oficial da Presidência da República. Restiffe atualmente prepara uma grande exposição individual para o centro cultural OGR Torino, na Itália, e outras de suas exposições recentes incluem São Paulo, fora de alcance, no Instituto Moreira Salles, e Álbum, na Estação Pinacoteca, ambas em São Paulo.

O Talks e o Meet the Artists são atividades gratuitas e acontecem no Cubo, novo espaço para eventos situado no 3º andar do Shopping JK Iguatemi. Sujeitas à lotação, as palestras contam ainda com transmissão ao vivo, feita em parceria com o Portal Terra.

Imersão profissional

Além das participações já confirmadas para o Talks, outros importantes curadores estrangeiros desembarcam noPaís para participar de uma imersão promovida pela SP-Foto.

Tanya Barson, atual curadora-chefe do MACBA, em Barcelona visita o Brasil a convite da Feira. Quando na Tate Gallery, nos anos 2000, ela realizou importantes individuais de artistas como Mira Schendel e Hélio Oiticica, que reposicionaram a arte brasileira nas discussões contemporâneas no exterior. Sophie Hackett, curadora da Art Gallery of Ontario (Canadá) e com larga experiência na relação entre fotografia e o pensamento queer visita o País pela primeira vez.

Entre os que retornam estão Elizabeth Cronin, curadora de fotografia da NY Public Library (Estados Unidos) e Simon Baker, atual diretor da Maison Européenne de la Photographie, em Paris, que esteve na SP-Foto em 2017, quando atuava na Tate Modern.

Essa experiência abarca visitas a coleções públicas e particulares em instituições e galerias, assim como encontros com artistas, sempre com o intuito de promover a arte brasileira e a dinamizar o intercâmbio cultural e profissional.

Setor editorial e museus

Pela primeira vez, a SP-Foto tem um setor dedicado às principais editoras voltadas a produção de fotolivros e outras publicações relacionadas ao fazer fotográfico. A proposta é oferecer prints e livros especiais com valores acessíveis ao público. Editoras com forte presença no mercado, como a Cobogó e a Taschen, participam da 13ª SP-Foto ao lado da BEI Editora, Editora Madalena, Fotô Editorial, Lovely House, Terra Virgem e YOW.

O MASP também debuta na Feira com os catálogos de suas principais mostras, como Foto Cine Clube Bandeirante: do arquivo à rede. E o MAM retorna ao evento com seu tradicional Clube de Fotografia, uma assinatura anual com edições limitadas de importantes fotógrafos brasileiros.

Fotografia & Literatura

As relações entre fotografia e literatura são o mote de um novo ciclo de conversas que a SP-Foto lança nesta 13ª edição, em parceria com a Escrevedeira – espaço de cursos e eventos literários em São Paulo. Concebido pelo escritor e crítico de arte João Bandeira, Olho no Olho – Fotografia & Literatura apresenta três mesas, com programação dividida entre a sede da Escrevedeira, nos dias 10 e 17 de agosto, na Vila Madalena, e a SP-Foto, no Shopping JK Iguatemi.

Na programação do ciclo, profissionais da escrita convidam fotógrafos renomados a falarem sobre autores e livros que influenciaram sua produção imagética. Em diálogo com o escritor e artista Alberto Martins, Maureen Bisilliat reflete sobre seus ensaios fotográficos inspirados por obras literárias como "Grande sertão: veredas"; Bob Wolfenson conversa com o jornalista e editor Matinas Suzuki Jr. a respeito do trabalho do fotógrafo norte-americano Walker Evans no livro "Elogiemos os homens ilustres"; e Cristiano Mascaro faz à escritora Noemi Jaffe um relato afetivo acerca de Clarice Lispector e outros autores marcantes para seu trabalho.

Circuito Ateliês Abertos

Apresentado pela Stella Artois, o Circuito Ateliês Abertos retorna com novidades nesta 13ª edição da SP-Foto. Em 2019, o Atelier do Centro, Pivô e Residência Artística FAAP, localizados no bairro da República, passam a integrar o circuito. Participam também os já tradicionais estúdios coletivos da Vila Madalena, Hermes Artes Visuais, Projeto Fidalga, Fonte e Vão – Espaço independente de arte, que abrem as portas para o público conhecer de perto os processos de artistas ligados ao universo fotográfico e da imagem. O Circuito Ateliês Abertos acontece no 17 de agosto, o sábado que antecede a SP-Foto, das 14h às 18h no Centro, e das 17h às 21h na Vila Madalena.

Visitas Guiadas

Em parceria com a Vivo, a SP-Foto oferece percursos temáticos para o público interessado em conhecer as histórias por trás das obras e dos artistas apresentados na Feira. Elaborados e guiados pelos especialistas Paola Fabres, Isabella Lenzi e Gustavo Colombini, os quatro roteiros exclusivos – breve história da fotografia, fotografia e modernidade, cidades e natureza, corpos e identidades – convidam o visitante a uma imersão no mundo da fotografia e nas reflexões que circundam esta linguagem. As Visitas Guiadas acontecem gratuitamente em todos os dias de Feira, com inscrições abertas sempre uma hora antes da saída de cada visita.

13ª SP-Foto
Abertura: quarta-feira, 21 de Agosto, das 17h às21h
Funcionamento: de quinta a sábado (22, 23 e 24), das 14h às 21h; e domingo (25), das 14h às 20h
Local: Shopping JK Iguatemi, 3º piso, Av. Presidente Juscelino Kubitschek 2041, Vila Olímpia, São Paulo, Brasil

Talks
22 de agosto, quinta-feira
Margot Norton e Guilherme Wisnik | Das 17h às 18h30
Barbara Tennenbaum e Mario Cohen | Das 19h às 20h

23 de Agosto, sexta-feira
Julieta González e Ronaldo Entler |Das 19h às 20h

Meet the Artists
25 de agosto, domingo
Mauro Restiffe | Das16h às 17h
Bárbara Wagner & Benjamin de Burca |Das 17h30 às 19h

Escrevedeira
10 de agosto, sábado
Maureen Bisilliat & Alberto Martins | às 11h
Escrevedeira – R. Isabel de Castela, 141

17 de agosto, sábado
Bob Wolfenson & Matinas Suzuki Jr. | às 11h
Escrevedeira – R. Isabel de Castela, 141

23 de agosto, sexta-feira
Cristiano Mascaro & Noemi Jaffa | às 17h
Cubo no JK Iguatemi

Histórias feministas: artistas depois de 2000 no Masp, São Paulo

‘Histórias feministas’ propõe, por meio da arte, perspectivas feministas para o presente

Exposição reúne artistas, coletivos e ativistas que trabalham a partir de perspectivas feministas, ampliando um debate que ganhou visibilidade nos anos 1960 e 70, mas que segue em plena efervescência

Todos os anos, a programação do MASP é guiada por um eixo temático pensado em torno de diferentes histórias, elaboradas a partir de diferentes perspectivas, incluindo narrativas reais, ficcionais, pessoais e documentais, vários suportes e distintas temporalidades e territórios — em 2016, foram as Histórias da infância, em 2017 as Histórias da sexualidade e em 2018, as Histórias afro-atlânticas. As histórias inauguram sempre uma grande mostra coletiva e também pautam as exposições individuais, oficinas, seminários, cursos e palestras que ocorrem ao longo daquele ano. Em 2019, pela primeira vez, o eixo será tema não apenas de uma, mas de duas exposições paralelas, Histórias das mulheres e Histórias feministas, que estarão abertas ao público de 23 de agosto a 17 de novembro, com o objetivo de resgatar e difundir o trabalho de artistas mulheres, além de pensar sobre possíveis desdobramentos do feminismo no âmbito das artes.

Com curadoria de Isabella Rjeille, curadora assistente do MASP, Histórias feministas: artistas depois de 2000 é um contraponto à mostra Histórias das mulheres: artistas antes de 1900, que busca reposicionar a obra de artistas que trabalharam até o final do século 19, ao discutir a diferença de valor entre o universo masculino e o feminino e também entre arte e artesanato. Histórias feministas é um desdobramento do ciclo de 2017, Histórias da sexualidade, e não se propõe a esgotar um assunto tão extenso e complexo como a relação entre arte e feminismo, mas incitar novos debates a partir da produção de artistas cujas produções emergiram no século 21.

Histórias feministas foi também título da exposição individual da artista Carla Zaccagnini em 2016 no MASP, anunciando o compromisso e o interesse da direção artística do museu em uma abordagem feminista da história da arte. Na condição dupla de continuidade de um projeto e de novo capítulo de uma série de exposições, Histórias feministas não se propõe, nas palavras da sua curadora, a fazer um mapeamento da arte feminista no Brasil e no mundo, muito menos associar a produção de artistas mulheres a vertentes específicas dos feminismos. “A ideia não é mapear a produção de artistas a partir de um recorte geracional, mas entender como os feminismos vêm sendo utilizados como ferramentas para desmantelar narrativas e transformar a maneira como algumas histórias vêm sendo escritas. A mostra reúne artistas que têm e não têm o feminismo como questão central de sua obra, mas que, de alguma maneira, abordam assuntos urgentes a partir de perspectivas feministas”, diz Rjeille. “A exposição procura mostrar como o feminismo segue influenciando a criação artística, interseccionando lutas, narrativas e conhecimentos.”

Segundo a curadora, nesta exposição, o feminismo é entendido como “uma prática capaz de provocar fricções e diálogos trans-históricos e transnacionais”, e que não deixa de considerar as questões de gênero em relação a classe, raça, etnia, geração, região, sexualidade e corporalidade, entendendo-os como elementos que transformam radicalmente e tornam mais complexas as experiências das mulheres ao redor do mundo.

A presença da discussão no MASP, por sua vez, insere o museu na rede de esforços que têm sido empreendidos há mais de cem anos para repensar as diferenças, as inserções e as relações entre os gêneros. Nos últimos anos, foram realizadas importantes exposições sobre arte e feminismo, como a icônica WACK! Art and the Feminist Revolution [WACK! Arte e a revolução feminista], com curadoria de Cornelia Butler (2007), e Radical Women: Latin American Art 1960–1985 [Mulheres Radicais: Arte latino-americana 1960-1985], de Andrea Giunta e Cecilia Fajardo-Hill, em 2017/18, apresentada inicialmente no Hammer Museum, Los Angeles, e recentemente adaptada para a Pinacoteca do Estado de São Paulo. Essas e outras mostras abrangem o período de gênese dessa discussão nas artes visuais: dos anos 1960 aos anos 1980.

No entanto, além da importante exposição Global Feminisms: New Directions in Contemporary Art [Feminismos globais: novas direções na arte contemporânea], de Maura Reilly e Linda Nochlin (2007), poucas foram as mostras internacionais realizadas que têm o século 21 como foco – ou foram produzidas na América Latina. Com esse recorte, porém, Histórias feministas não busca afirmar que questões do passado estejam superadas ou tenham sido deixadas de lado.

“Mesmo porque essas questões não são universais, e não poderiam ser questionadas da mesma maneira em diferentes partes do mundo”, diz Rjeille. “Abordar histórias feministas no século 21 significa partir de um tempo presente, em plena construção e urgência — um tempo que implica não apenas repensar seu passado e rever os legados deixados por artistas, teóricas e ativistas, mas também reimaginar o futuro.”

Antologia e catálogo

Para enriquecer e aprofundar as pesquisas para este programa de 2019, o MASP organizou três seminários realizados no museu entre fevereiro de 2018 e abril de 2019, que contaram com apresentações de Ana Paula Cavalcanti Simioni, Andrea Giunta, Anna Bella Geiger, Amy Tobin, Carmézia Emiliano, Catherine Morris, Cláudia Calirman, Claire Fontaine, Débora Maria da Silva, Eliane Dias, Elke Krasny, Eugenia Vargas Pereira, Gabriele Schor, Georgina G. Gluzman, Janet Toro, Judy Chicago, Katy Deepwell, Kaj Osteroth, Kanitra Fletcher, Margareth Rago, Mariela Scafati, Marina Vishmidt, Maura Reilly, Minoo Moallem, Natalie Bell, Regina Vater e Renata Bittencourt.

Por ocasião da exposição, o MASP publicará uma antologia, organizada por André Mesquita, curador, Amanda Carneiro, curadora assistente, e Adriano Pedrosa, diretor artístico, que reunirá uma seleção dos textos apresentados nas palestras, juntamente com textos fundamentais sobre arte e feminismo. Também será publicado um catálogo ilustrado, com textos e reproduções de obras na exposição.

Artistas já confirmadas para a exposição:
1. Aline Motta (1974, Niterói, Rio de Janeiro, vive em São Paulo)
2. Ana Mazzei (1980, São Paulo, vive em São Paulo) & Regina Parra (1984, São Paulo, vive em São Paulo)
3. Carla Zaccagnini (1973, Buenos Aires, Argentina, vive em Malmö, Suécia)
4. Carolina Caycedo (1978, Londres, vive em Los Angeles)
5. Clara Ianni (1987, São Paulo, vive em São Paulo)
6. Daspu (fundada em 2005, Rio de Janeiro)
7. Élle de Bernardini (1991, Itaqui, Rio Grande do Sul, vive em São Paulo)
8. Ellen Lesperance (1971, Minnesota, USA, vive em Òregon, EUA)
9. EvaMarie Lindahl (1976, Viken, Suécia, vive em Malmö, Suécia) & Ditte Ejlerskov (Frederikshavn, Dinamarca, 1982, vive em Skælskør, Dinamarca)
10. Giulia Andreani (1985, Veneza, Itália, vive em Paris)
11. Imri Sandström (1980, Umeå, Suécia, vive em Järstorp, Suécia)
12. Julia Phillips (1985, Hamburgo, vive em Chicago e Berlim)
13. Kaj Osteroth (1977, Beckum, Alemanha, vive em Berlim/Brandenburg, Alemanha) & Lydia Hamann (1979, Potsdam, vive em Berlim, Alemanha)
14. Katia Sepúlveda (1978, Santiago, Chile, vive em Köln, Alemanha, e Tijuana, México)
15. Lyz Parayzo (1994, Rio de Janeiro, vive em São Paulo)
16. Marcela Cantuária (1991, Rio de Janeiro, vive no Rio de Janeiro)
17. Mequitta Ahuja (1976, Grand Rapids, EUA, vive em Baltimore, EUA)
18. Mónica Restrepo (1982, Bogotá, vive em Cali, Colômbia)
19. Mônica Ventura (1985, São Paulo, vive em São Paulo)
20. Rabbya Naseer (1984, Rawalpindi, Paquistão, vive em Lahore) & Hurmat Ul Ain (1984, Karachi, Paquistão, vive em Islamabad)
21. Rosa Luz (Brasília, Distrito Federal, 1996, vive em Brasília, Brasil)
22. Ruth Buchanan (1980, New Plymouth, Nova Zelândia, vive em Berlim)
23. Sallisa Rosa (1990, Goiânia, Goiás. Vive em Belo Horizonte, Brasil)
24. Santarosa Barreto (1986, São Paulo, vive em São Paulo)
25. Sebastián Calfuqueo (1991, Santiago, Chile)
26. Serigrafistas Queer (fundada em 2007, Buenos Aires, Argentina)
27. Tabita Rezaire (1989, Paris, França, vive em Cayenne, Guiana Francesa)
28. Tuesday Smillie (1981, Boston, EUA, vive no Brooklyn, Nova York)
29. Virgínia de Medeiros (1973, Feira de Santana, Bahia, vive em São Paulo)
30. Yael Bartana (1970, Kfar Yehezkel, Israel, vive em Amsterdam, Berlim e Tel Aviv)

Histórias das mulheres: artistas antes de 1900 no Masp, São Paulo

Histórias das mulheres resgata artistas “apagadas” da história oficial

Coletiva, com obras de artistas mulheres que atuaram até 1900, revela e questiona a construção de narrativas na história da arte a partir das desigualdades de gênero

Todos os anos, a programação do MASP é guiada por um eixo temático pensado em torno de diferentes histórias, elaboradas a partir de diferentes perspectivas, incluindo narrativas reais, ficcionais, pessoais e documentais, vários suportes e distintas temporalidades e territórios — em 2016, foram as Histórias da infância, em 2017 as Histórias da sexualidade e em 2018, as Histórias afro-atlânticas. As histórias inauguram sempre uma grande mostra coletiva e também pautam as exposições individuais, oficinas, seminários, cursos e palestras que ocorrem ao longo daquele ano. Em 2019, pela primeira vez, o eixo será tema não apenas de uma, mas de duas exposições paralelas, Histórias das mulheres e Histórias feministas, que estarão abertas ao público de 23 de agosto a 17 de novembro, com o objetivo de resgatar e difundir o trabalho de artistas mulheres, além de pensar sobre possíveis desdobramentos do feminismo no âmbito das artes.

Com curadoria de Julia Bryan-Wilson, curadora-adjunta de arte moderna e contemporânea do MASP, Lilia Schwarcz, curadora-adjunta de histórias e narrativas, e Mariana Leme, curadora assistente do museu, Histórias das mulheres: artistas antes de 1900 busca reposicionar a obra de artistas que trabalharam até o final do século 19, ao discutir a diferença de valor entre o universo masculino e o feminino e também entre arte e artesanato. A mostra terá nomes como Sofonisba Anguissola (circa 1532-1625), Artemisia Gentileschi (1593-1653), Judith Leyster (1609-1660), Angelica Kauffmann (1741-1804), Elisabeth-Louise Vigée-Lebrun (1755-1842) e Eva Gonzalès (1849-1883), além de pioneiras latino-americanas como Magdalena Mira Mena (1859-1930), Abigail de Andrade (1864-1890) e Berthe Worms (1868-1937). Além de pinturas que fazem parte do cânone da história da arte ocidental, a exposição apresentará uma série de têxteis de autoria desconhecida, cujos registros permitem afirmar que foram feitos por uma mulher, ou por mulheres, coletivamente. São trabalhos produzidos na Inglaterra, nos Estados Unidos, nos Andes latino-americanos, na Índia, no antigo Império Otomano, em dois países da África Mediterrânea (Marrocos e Egito) e também na Ásia (Filipinas e atual Uzbequistão).

A diversidade estética, temática e técnica das obras expostas mostra que as artistas fizeram parte dos mais diferentes grupos que atravessaram as narrativas da história da arte. Não existe, portanto, um “modo feminino” de criar ou de apreender o mundo, mas uma polifonia de histórias reunidas em torno do termo “mulher”. Por outro lado, “apresentar as mulheres como grupo nos ajudará a repensar desigualdades e distorções de gênero, construídos socialmente”, diz Mariana Leme, curadora assistente do MASP.

“O fato de essas obras se encontrarem, em sua maior parte, guardadas nas reservas dos museus, diz muito sobre as políticas desiguais e de subalternidade existentes no interior do mundo e do sistema das artes, dominados por figuras masculinas, em todas as instâncias”, afirma Lilia Schwarcz. Além disso, o resgate do trabalho de artistas “esquecidas” é importante na medida em que a operação desestabiliza critérios de valor e de diferença, nos quais se baseia a história da arte ocidental — branca, eurocêntrica e masculina.

Embora o termo “feminismo” já existisse antes de 1900 e vários pensadores — homens e mulheres — defendessem o direito de igualdade entre os gêneros, como a brasileira Nísia Floresta (1810-1885), que em 1832 publicou Direito das mulheres e injustiça dos homens, é difícil falar em arte “feminista” antes do século 20, portanto entre as artistas presentes na mostra. Por outro lado, resgatar, expor e pesquisar o trabalho dessas artistas é também uma atitude feminista, na medida em que se busca assim sublinhar distorções e violências predominantes na história pregressa. A revisão histórica pode ser considerada uma atitude feminista, uma vez que torna visível a obra de artistas “apagadas” pela história da arte, ao mesmo tempo em que questiona os critérios de valor da disciplina. Em paralelo, como diálogo e contraponto à exposição, o MASP apresentará Histórias feministas: artistas depois de 2000, coletiva com artistas atuantes no século 21 em torno das ideias de feminismo ou em resposta a elas.

As sombras

Diversas artistas do passado foram importantes em suas épocas e nos círculos artísticos de então: algumas fizeram parte da prestigiosa Guilda de São Lucas no norte da Europa, outras foram membros fundadores de Academias Reais ou trabalharam como professoras, recebendo encomendas e vendendo seus trabalhos regularmente. Por que, então, durante tanto tempo, os historiadores da arte decidiram ignorar o trabalho de quase todas as mulheres artistas?

Mostras coletivas feitas exclusivamente com o trabalho de mulheres vêm sendo realizadas há mais de cem anos, e em vários lugares do mundo. Alguns exemplos são as exposições da Union des femmes peintres et sculpteurs [União das mulheres pintoras e escultoras], em Paris na década de 1880, as Esposizione internazionale femminile di Belle Arti [Exposição internacional feminina de Belas Artes], Turim, de 1910-11 e 1913, mostras organizadas pelo Clube de Arte das Mulheres em Zagreb na década de 1930, o Salón Femenino de Bellas Artes [Salão Feminino de Belas Artes] em Buenos Aires (décadas de 1930-40), a Contribuição das mulheres às artes plásticas no país que aconteceu no Museu de Arte Moderna de São Paulo, entre 1960-61 e a mais famosa Women Artists [Mulheres artistas]: 1550-1950, que aconteceu em Los Angeles e Pittsburg em 1976, no contexto do movimento feminista estadunidense.

Tais exposições funcionaram como espaços privilegiados para que as artistas apresentassem seus trabalhos, assim como mobilizaram o circuito de arte de uma maneira mais abrangente: jovens estudantes buscavam seus modelos e referências, o público era introduzido a um número maior de obras, colecionadoras estavam autorizadas a visitar sozinhas as exposições sem serem constrangidas socialmente. Podiam, ainda, comprar obras e até financiar outras exposições de mulheres — o que, não poucas vezes, foi entendido antes como um ato de caridade do que como o resultado do trabalho dessas artistas que eram apoiadas por novas formas de mecenato. Este saber acumulado informa e inspira Histórias das mulheres, que, por sua vez, traz o desejo de inspirar novas reflexões, investigações, exposições e histórias, incluindo também aquelas brasileiras.

Catálogo

Para enriquecer e aprofundar as pesquisas para seu ciclo de 2019, o MASP organizou dois seminários intitulados Histórias das mulheres, histórias feministas, em fevereiro de 2018 e abril de 2019, além de Mulheres radicais, em parceria com a Pinacoteca de São Paulo, no final do ano passado. Todo o conteúdo está disponível no site do museu, em masp.org.br/seminarios.

Por ocasião das coletivas Histórias das mulheres e Histórias feministas, o museu publicará uma antologia das palestras apresentadas, juntamente com textos fundamentais para o assunto. Também contará com um catálogo ilustrado, aonde estarão presentes reproduções de todas as obras expostas nas duas mostras e ensaios das curadoras.

Meta-arquivo: 1964–1985 - Espaço de Escuta e Leitura de Histórias da Ditadura no Sesc Belenzinho, São Paulo

Exposição aborda, por meio de nove obras inéditas, importância da preservação dos acervos de documentos relacionados à história do Brasil

A partir de 22 de agosto de 2019, o Sesc São Paulo apresenta, na unidade Belenzinho, a exposição Meta-Arquivo: 1964-1985 - Espaço de Escuta e Leitura de Histórias da Ditadura. Com curadoria e pesquisa de Ana Pato e em parceria com o Memorial da Resistência, a mostra reúne nove obras inéditas, elaboradas por Ana Vaz, Grupo Contrafilé, O grupo inteiro, Giselle Beiguelman, Ícaro Lira, Mabe Bethônico, Paulo Nazareth, Rafael Pagatini e Traplev, e que seguem expostas até o dia 24 de novembro de 2019.

Com caráter pedagógico, a exposição surge como um espaço expandido de aprendizado, cujo objetivo primordial é despertar a reflexão acerca da documentação pública arquivada pelo Estado Brasileiro: como ler esses arquivos? Como construir memória a partir deles? Como aprender coletivamente sobre a história do país e de seu povo, a partir de sua análise? Como preservar esses acervos e, como consequência, a memória dos processos civilizatórios que alicerçam a sociedade atual?

Tais ponderações nortearam a gênese da exposição, a partir do programa de ação curatorial Arquivo e Ficção, desenvolvido por Ana Pato desde 2014, que busca valorizar os processos de construção da história brasileira. Sua metodologia de trabalho consiste na articulação de pesquisas artísticas e na formação de grupos de trabalho em torno de arquivos e acervos, diante da invisibilidade, do abandono e do risco de desaparecimento que os acervos documentais e artísticos vivenciam.

Um desses grupos de trabalho se consolidou em julho de 2018, tendo como foco de pesquisa o período da Ditadura Civil Militar Brasileira (1964-1985), formado pela curadoria, os artistas e as equipes do Memorial da Resistência e do Sesc Belenzinho. Os artistas passaram a desenvolver uma ação artística junto a esses arquivos, que culminou nas obras que serão apresentadas na exposição. Criadas a partir desses documentos históricos, tais obras visam trazer à discussão os processos que levam ao apagamento da memória - e a importância de se manter relevantes e presentes os acervos documentais da história.

Dentre as fontes consultadas para construção dessas obras estão o Arquivo Público do Estado de São Paulo, Arquivo Nacional, Brasil: Nunca Mais digit@l, Memorial da Resistência de São Paulo, Centro de Documentação e Memória da Unesp, Instituto Vladimir Herzog, Museu do Índio, Sesc Memórias, Centro de Antropologia e Arqueologia Forense (Caaf) - Unifesp, Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo, entre outros centros de memória, arquivos, institutos e fundações. Seu desenvolvimento partiu de temas específicos, norteado pelas questões: “como construir um arquivo?”, “como torná-lo público?” e “como falar do trauma?”.

Todo o conjunto foi reunido em um projeto arquitetônico desenvolvido por Anna Ferrari, cujas estruturas metálicas aparentes atravessam o galpão expositivo do Sesc Belenzinho, fixadas entre o piso e o teto, enquadrando as obras e suas superfícies em madeira. A estrutura sem paredes permite a sobreposição das histórias ali apresentadas e faz referência ao mobiliário arquivístico e escolar.

A exposição conta também com o Espaço de Pesquisa Meta-Arquivo, que disponibiliza ao público a consulta dos livros, documentos e referências levantados durante o processo de pesquisa dos artistas. Esse material, coletado pelo grupo de trabalho, foi reunido pela curadoria em dossiês e organizado como uma pequena biblioteca.

Os temas abordados ao longo do período expositivo serão complementados com os Programas Públicos, formados por uma série de atividades propostas para aprofundamento e reflexão acerca das pesquisas realizadas pelos artistas presentes em Meta-Arquivo: 1964-1985, e a Programação Integrada que, de agosto a novembro, traz atividades diversas que dialogam com os assuntos abordados pela exposição.

AS OBRAS

Ana Vaz, na obra Apiyemiyekî? [Por quê?], aborda questões como a marcha para o centro-oeste e o genocídio do povo Waimiri-Atroari, durante a década de 1970, quando suas terras foram invadidas para a construção da BR 174 (rodovia que liga Manaus-AM à Boa Vista-RR) e instalação de uma mineradora. A obra, criada a partir de filme em 16mm e transferida para vídeo, destaca ilustrações criadas pelos indígenas sobre o período.

Giselle Beiguelman com a instalação Gaveta de Ossos (áudio e jato de tinta sobre papel algodão) reflete sobre as histórias reveladas pela medicina forense e seus procedimentos na busca de mortos e desaparecidos. Tal trabalho é reflexo do acompanhamento do grupo de trabalho sobre a Vala de Perus, descoberta no Cemitério Dom Bosco, em 1990, com 1.047 ossadas enterradas clandestinamente. A obra é complementada por Perguntas às Pedras, Série 2 (neon), jogo no qual se interroga: “O que você esqueceu de esquecer?”, “o que você esqueceu de lembrar?”, “o que você lembrou de esquecer?” e “o que você lembrou de lembrar?”. Ainda na exposição, e problematizando questões sobre arte, arquivo e história, a artista apresenta a publicação Impulso Historiográfico (impressão offset, 50 pps) uma tradução, em forma de paráfrase, do texto ainda inédito em português, “An Archival Impulse”, de Hal Foster, publicado na revista estadunidense de crítica de arte October.

O Grupo Contrafilé traz a obra Escola de Testemunhos, com um espaço formado por uma mesa-lousa redonda, quinze cadeiras escolares e fones de ouvido, onde serão reproduzidos relatos pertencentes ao arquivo do programa Coleta Regular de Testemunhos - projeto do Memorial da Resistência de São Paulo para ampliar o conhecimento sobre a história do DEOPS - Departamento Estadual de Ordem Política e Social. Tais testemunhos partem de ex-presos e perseguidos políticos, de familiares de mortos e desaparecidos ou de trabalhadores e frequentadores dessa instituição.

Ícaro Lira apresenta Crítica Radical, uma estrutura biográfica formada a partir de fotos, recortes de jornais, áudio, objetos e vídeo que revisita a memória viva do grupo cearense, cuja alcunha dá nome a sua obra. Formado em Fortaleza em 1973, o Crítica Radical teve importante papel na fundação do Movimento Feminino pela Anistia, nos anos 1970, essencial para a formulação da Lei de Anistia, de 1979 (Lei nº 6.683/79). Várias integrantes do movimento fundaram, posteriormente, a União das Mulheres Cearenses, ainda ativa, que luta contra a violência de gênero, contra o feminicídio e pela solidariedade às vítimas de violência e suas famílias.

Mabe Bethônico, com a obra Elite Mineral [Gabinete de Aprendizado] traz, por meio de impressos e vídeos, o estudo da atuação de empresas mineradoras no período da Ditadura Civil Militar e a memória do evento Semana Popular em Defesa ao Minério, realizada na década de 1960, em Minas Gerais. O trabalho toma a forma de um “gabinete de aprendizado” para transmissão de conteúdos, buscando resgatar meios pedagógicos dos anos 1960, como cartilhas e cartazes, tomando como referência materiais do programa de alfabetização de adultos do Movimento de Educação de Base, elaboradas em convênio com o Ministério da Educação (MEC), que visava educar o adulto para exercer seus direitos, além de ensinar a escrever.

O grupo inteiro, formado por Carol Tonetti, Cláudio Bueno, Ligia Nobre e Vitor César discute os sistemas de informação e vigilância do Estado. Com referências ao conto Na Colônia Penal (1914), de Franz Kafka, a peça instalativa Texto-Tecido-Teia, em tricô e metal, parte de palavras/ações/verbos encontrados nas apostilas de formação dos agentes do Serviço Nacional de Informações - SNI, órgão criado em 1964 para controlar as atividades de informação e contrainformação no Brasil e no exterior, visando à segurança nacional. Palavras como nomear, infiltrar, manipular e interrogar fazem parte do universo vocabular da obra.

A semântica dos inquéritos policiais e a criminalização de negros e negras são tratadas por Paulo Nazareth na obra Inquérito, que apresenta uma leitura de inquéritos policiais, gravados em colaboração com os artistas Michelle Matiuzzi e Ricardo Aleixo. No espaço, estará disposta a série de desenhos de Nazareth, denominadas Histórico do Camburão, com representações desse automóvel e a série de fotografias Autorretrato com os Mortos.

Rafael Pagatini, com a instalação Tecituras, traz imagens que abordam as relações entre o setor cultural e a esfera política durante o período da ditadura, as histórias e mecanismos de colaboração entre o universo cultural e o regime ditatorial, e de como se desenvolveram e se financiaram as instituições de arte nesse período. A obra é um desdobramento da pesquisa que realizou nos arquivos do Centro de Pesquisa e Biblioteca do Masp, Centro de Documentação da Pinacoteca de São Paulo e Acervo do Memórias do Sesc.

Arma da Crítica / Orientação para a Prática, obra desenvolvida por Traplev, partiu de extensa pesquisa em arquivos, como do Brasil: nunca mais (1979-1985), projeto realizado clandestinamente pela sociedade civil, por iniciativa do Conselho Mundial de Igrejas e da Arquidiocese de São Paulo, que se debruçou nas mais de 850 mil páginas de processos do Superior Tribunal Militar. O nome da instalação traz dois títulos de documentos do MR8, de 1970, e apresenta dois painéis, em lados opostos, com organogramas pertencentes ao Departamento de Ordem Política e Social (DOPS): um sobre organizações de esquerda e outro sobre órgãos de repressão. Traplev também apresenta Antimonumento para Anísio Teixeira (2018), que traça linha histórica a partir da Escola Parque Anísio Teixeira.

PROGRAMAS PÚBLICOS

Ao longo do período expositivo, diversas atividades serão propostas para aprofundamento das temáticas apresentadas na exposição Meta-Arquivo: 1964-1985. No dia 22 de agosto, quinta, às 18h, o bate-papo Encontro com Artistas – Apresentação dos Processos de Pesquisa marca o encerramento do Grupo de Trabalho Meta-Arquivo, com participação de Ana Pato e de todos os artistas envolvidos na exposição, e apresentação de seus processos de pesquisa ao longo da produção das obras.

Ainda no dia 22, ocasião da abertura da exposição, Paulo Nazareth apresenta, às 20h30, a performance Inquérito, ação na qual reproduzirá, a partir de uma matriz em pedra de litogravura, um documento dos militantes do Comando Nacional da VAR-Palmares encontrado em um “aparelho”, que ensina como sobreviver à tortura. Um escrivão aposentado, em uma mesa de delegacia, datilografará o documento que ficará exposto como resíduo da ação.

No dia 24 de agosto, sábado, às 15h, haverá o encontro Memória e Resistência, com o artista Ícaro Lira e o grupo Crítica Radical (CE), representado pelas integrantes Rosa da Fonseca, Maria Luiza Fontenele e Jorge Paiva, que se reúnem para uma fala pública; às 16h30, o encontro Memória e Resistência com Traplev e a escritora, feminista e membra da Comissão de Mortos e Desaparecidos Políticos Amelinha Teles, que abordam a memória das organizações clandestinas do período de 1960-1970 que lutaram contra a ditadura militar no Brasil; já às 18h, o encontro Mineração e Ditadura, que traz uma aula pública com Mabe Bethônico. A partir de pesquisa sobre a atuação de empresas mineradoras durante a ditadura militar brasileira, Mabe Bethônico, em colaboração com o artista Victor Galvão, apresenta uma aula pública com a convidada Ana Carolina Reginatto Moraes, doutora pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), com a tese A Ditadura Empresarial-militar e as Mineradoras (1964-1988).

A programação segue até o fim de novembro com as atividades

Escola de Testemunho (dias 7/9, 5/10 e 9/11, sábados, 16h): Aula-performance com o Grupo Contrafilé e convidados. Em três encontros, os integrantes do Grupo Contrafilé realizam conversas abertas entre o público e os depoentes da Coleta Regular de Testemunhos, iniciativa do Memorial da Resistência.

Impulso Historiográfico (dias 7/9 e 23/11, sábados, 18h): Aula-performance com Giselle Beiguelman e lançamento de livro. Giselle Beiguelman toma como ponto de partida o texto, ainda inédito em português, An Archival Impulse, de Hal Foster, publicado na revista estadunidense de crítica de arte October. Beiguelman propõe uma tradução, em forma de paráfrase e fac-símile, indagando, a partir da obra dos brasileiros Bruno Moreschi, Bianca Turner e Tiago Sant’ana, o impulso historiográfico, que levaria os artistas do Sul Global contemporâneo de volta à história e ao (re)processamento dos documentos.

A Ditadura nos Vernissages: Construção Hegemônica e Relações de Controle em Espaços Culturais de São Paulo (dia 5/10, sábado, 18h): Encontro com Rafael Pagatini e Paulo César Gomes, historiador e autor do livro Liberdade Vigiada - as Relações entre a Ditadura Militar Brasileira e o Governo Francês.

Memória e Resistência (dia 9/11, sábado, 18h): Encontro com Traplev e Marília Bonas.

A partir de sua pesquisa sobre a memória das organizações clandestinas do período de 1960 a 1970 que lutaram contra a Ditadura Civil Militar no Brasil, Traplev propõe uma conversa com Marília Bonas, historiadora e coordenadora do Memorial da Resistência de São Paulo.

PROGRAMAÇÃO INTEGRADA

Dentre as atividades que dialogam com a exposição, o Sesc Belenzinho apresenta a temporada do espetáculo teatral Comum, do Grupo Pandora de Teatro, de 30 de agosto a 15 de setembro, com histórias ligadas à descoberta de uma vala comum clandestina, criada no período da Ditadura Militar Brasileira. Com texto e direção de Lucas Vitorino, o enredo traz a busca de um filho por informações de seus pais desaparecidos políticos, o dilema de dois coveiros encarregados da criação de uma vala e uma jovem estudante que se aproxima do ativismo político, em três períodos históricos diferentes, entre 1970 e 1990.

De 30 de agosto a 8 de setembro, a Cia Estável de Teatro apresenta o espetáculo Patética que, por meio de estética circense, reflete sobre as circunstâncias e o assassinato do jornalista e dramaturgo Vladimir Herzog (1937-1975), morto nos porões do DOI-Codi (Destacamento de Operações de Informações/Centro de Operações de Defesa Interna) em outubro de 1975. O texto foi escrito um ano depois de seu falecimento, por seu cunhado e também dramaturgo João Ribeiro Chaves Neto.

De 11 de setembro a 2 de outubro, o curso O Documentário como Arquivo da Ditadura, ministrado por Liniane Haag Brum, aborda a história política contemporânea por meio da linguagem audiovisual e cinematográfica, propondo o arquivo como conceito transdisciplinar e como método.

Por fim, haverá a exibição de quatro filmes originalmente censurados durante o período da ditadura: em 10 de setembro, O Bandido Da Luz Vermelha (Rogério Sganzerla, Brasil, 1968); em 17 de setembro, Eles não Usam Black‑Tie (Leon Hirszman, Brasil, 1981); em 24 de setembro, Pra Frente, Brasil (Roberto Farias, Brasil, 1982) e, em 1º de outubro, Cabra Marcado Para Morrer (Eduardo Coutinho, Brasil, 1984).

SOBRE O MEMORIAL DA RESISTÊNCIA

O Memorial da Resistência de São Paulo é uma instituição de memória política constituída a partir de parceria entre sociedade civil organizada e Estado. Seu trabalho consiste na preservação de referências das memórias da resistência e da repressão políticas do Brasil republicano (1889 à atualidade), na valorização da democracia e dos Direitos Humanos por meio de suas pesquisas, exposições e ações educativas. É gerido pela Associação Pinacoteca Arte e Cultura e localizado na Estação Pinacoteca, antigo edifício do Departamento de Ordem Política e Social - Deops-SP. O Memorial da Resistência é uma Organização Social da Cultura, vinculado à Associação Pinacoteca Arte e Cultura – APAC. Desde 2009, é Membro Institucional da Coalizão Internacional de Sítios de Consciência, uma rede mundial que agrega instituições em lugares históricos dedicados à preservação das memórias de eventos passados de luta pela justiça.

SOBRE A CURADORIA

Ana Pato (São Paulo, SP) é curadora, pesquisadora e professora. Doutora pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (2017), mestra em Artes Visuais pela Faculdade Santa Marcelina (2011), bacharel em Comunicação Social pela Fundação Armando Alvares Penteado (1994) e possui especialização em Gestão da Cultura pela Fundação Getúlio Vargas (1996). Desde 2009 investiga a relação entre arte contemporânea e arquivo.

É autora do livro Literatura Expandida: o Arquivo e a Citação na Obra de Dominique Gonzalez-Foerster, de 2013, lançado pelas Edições Sesc. Pato foi curadora-chefe da 3ª Bienal da Bahia (Salvador, 2014) e foi diretora da Associação Cultural Videobrasil, onde trabalhou entre 2000 e 2012. Dentre os principais projetos que ela coordenou no Videobrasil estão o banco de dados on-line do Acervo Videobrasil e a direção executiva das exposições dos artistas Sophie Calle (2009), Joseph Beuys (2010), Olafur Eliasson (2011) e Isaac Julien (2012), além de quatro edições do Festival Internacional de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil (2001, 2005, 2007 e 2011) e duas exposições dedicadas à arte contemporânea africana (2000 e 2005). Em 2017 integrou o grupo de curadores convidados do 20º Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil.

SOBRE OS ARTISTAS

Ana Vaz (Brasília, DF) - Em filmes, instalações e performances, Ana Vaz explora as relações entre ambientes, territórios e histórias. Com associações entre imagens, sons e textos, seus trabalhos propõem uma experiência corporal e subjetiva do estar no mundo. Participou de mostras em instituições como Tate Modern (Londres - Reino Unido), Palais de Tokyo (Paris - França), Jeu de Paume (Paris - França), Cinéma du Réel (Paris - França), New York Film Festival (Nova York - EUA), Festival Sesc_Videobrasil (São Paulo) e outras.

Giselle Beiguelman (São Paulo, SP) - Artista e professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU USP). Pesquisa preservação de arte digital, arte e ativismo na cidade em rede e as estéticas da memória no século 21. Desenvolve intervenções artísticas no espaço público e com mídias digitais. Entre seus projetos artísticos recentes destacam-se Odiolândia (2017); Memória da Amnésia (2015); e as exposições individuais Monumento nenhum (2019), Cinema Lascado e Quanto pesa uma Nuvem? (2016). É autora de Memória da Amnésia: Políticas do Esquecimento (Edições Sesc, 2019), entre outros livros, artigos e ensaios.

Grupo Contrafilé (São Paulo, SP) - Grupo Contrafilé é um coletivo transdisciplinar, formado por Cibele Lucena, Joana Zatz Mussi e Rafael Leona, que investiga as possíveis relações entre arte, política e educação e indaga como essas relações ampliam o direito à produção criativa da/na cidade. Entre seus projetos, destacam-se: Programa para a Descatracalização da própria Vida (2004); A Rebelião das Crianças (2005), que deu origem a Parque para Brincar e Pensar (2011), e a Quintal (2013); A Árvore-escola (2014); A Batalha do Vivo (2016). O grupo participou de mostras como Arte-Veículo (Sesc, 2018/2019); Talking to Action (Art, Pedagogy and Activism in the Americas, Los Angeles, Chicago, Nova York, 2017-2019); Playgrounds 2016 (MASP, 2016); 31ª Bienal de São Paulo (2014); Radical Education (Eslovênia, 2008); If You See Something Say Something (Austrália, 2007); La Normalidad (Argentina, 2006); e Collective Creativity (Alemanha, 2005).

Ícaro Lira (Fortaleza, CE) - Ícaro Lira investiga as implicações e os desdobramentos de atos políticos e históricos da história brasileira através de um trabalho documental, arquivista, arqueológico e de ficção. Suas exposições apresentam estruturas similares a pequenos “museus”, onde reúne fragmentos esquecidos, produzindo um sistema de objetos que articula materiais artísticos e não artísticos, e um conjunto de ações, não necessariamente confinadas a um objeto, mas dispersas em exposições, livros, oficinas, debates e caminhadas. Em 2013, recebeu o prêmio Honra ao Mérito Arte e Patrimônio do Iphan.

Mabe Bethônico (Belo Horizonte, MG) - É artista-pesquisadora, professora da Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, com doutorado pelo Royal College of Art (Londres - Reino Unido). Trabalha a partir de materiais de arquivo, construindo ficções, viabilizando debates. Lida com os limites entre documentação e construção, evidenciando como a informação pode ser construída e retrabalhada continuamente. Na forma de jornal, pôster, website, palestra e instalação, seu trabalho foi exibido em mostras como as 27ª e 28ª edições da Bienal de São Paulo, Museu da Pampulha, Centre de la Photographie (Genebra - Suíça), Museo de Antioquia (Medellín – Colômbia), Kunstverein Muenchen (Munique - Alemanha), hmkv (Dortmund - Alemanha) e Kunsthal Aahus (Aahus - Dinamarca), entre outros.

O grupo inteiro (São Paulo, SP) - Composto por Carol Tonetti, Cláudio Bueno, Ligia Nobre e Vitor Cesar, reúne, desde 2014, diferentes formações e práticas - nos campos da arquitetura, design, arte, comunicação, aprendizagem e tecnologia - que convergem, estabelecem correspondências e se expandem. Os projetos realizados pelo grupo incluem: Condutores (Masp e Sesc Interlagos, 2016); Manejo, em colaboração com Jorge Menna Barreto (32ª Bienal de São Paulo, 2016); Campos de Preposições (Sesc Ipiranga, 2016); Octopus (Sesc Belenzinho, 2018); e Correspondence (Pro- Helvetia/FAR°/Collège de Marens, Suíça).

Paulo Nazareth (Governador Valadares, MG) - O trabalho de performance e instalação de Paulo Nazareth explora, com frequência, suas raízes africanas e indígenas. Sua caminhada-performance representa um questionamento lento e em tempo real de sua própria experiência e daquela dos indivíduos que encontra, traçando uma sutil matriz de conexões que vincula pessoas, comunidades e histórias compartilhadas. Ganhou o Prêmio MASP de Artes Visuais (2012). Seu trabalho já foi apresentado em mostras individuais e coletivas ao redor do mundo. Sua obra integra as coleções Boros Collection (Alemanha), Thyssen-Bornemisza Art (Áustria), Pinault Collection (França), Rubbel Family Collection (EUA), Coleção Banco Itaú, MAM São Paulo e Pinacoteca de São Paulo.

Rafael Pagatini (Caxias do Sul, RS) - É professor e pesquisador da Universidade Federal do Espírito Santo. Seu trabalho faz uso principalmente de mídias associadas a linguagens da gravura e fotografia. Investiga as relações entre arte, memória e política. Realizou projetos como Retrato Oficial (2017); Manipulações, DOPS (série Movimentos religiosos) e Camadas e Grito Surdo (2016); e Bem-vindo, Presidente! (2015-2016), a partir de pesquisas nos arquivos do DOPS do Espírito Santo. Entre suas exposições, estão Fissuras (2016), Conversas com a Paisagem (2014), Rumos Itaú Cultural (2013) e Em Suspensão (2012). Recebeu o Prêmio Energias Artes Visuais, Bolsa Estímulo à Produção em Artes Visuais (Funarte), Bolsa Iberê Camargo e V Prêmio Açorianos de Artes Plásticas.

Traplev (Caçador, SC) - Em pesquisas sobre outras formas de narrar os acontecimentos políticos, o artista discute as estratégias de comunicação da grande mídia, a partir da apropriação e da interferência gráfica em material jornalístico e notícias compartilhadas em redes sociais. É editor geral e cofundador da publicação Recibo, com mais de 74 mil exemplares distribuídos gratuitamente de 2002 a 2016. Entre as exposições recentes, destacam-se as Individuais Novas Bandeiras entre Almofadas Pedagógicas, na Sé Galeria, e Sistemas de Estruturas e Elementos de Fachada, Sala 7, na Galeria Fayga Ostrower em Brasília (DF) / Funarte, e as coletivas Mitomotim, no Galpão Videobrasil, e Trienal Frestas de Arte Contemporânea, em Sorocaba (SP).

SOBRE O SESC SÃO PAULO

Mantido pelos empresários do comércio de bens, turismo e serviços, o Sesc - Serviço Social do Comércio é uma entidade privada que tem como objetivo proporcionar o bem-estar e a qualidade de vida aos trabalhadores deste setor e sua família. Sua base conceitual é a Carta da Paz Social e sua ação é fruto de um sólido projeto cultural e educativo que trouxe, desde a criação pelo empresariado do comércio e serviços em 1946, a marca da inovação e da transformação social.

Ao longo destes mais de 70 anos, o Sesc inovou ao introduzir novos modelos de ação cultural e sublinhou, na década de 1980, a educação como pressuposto para a transformação social. A concretização desse propósito se deu por uma intensa atuação no campo da cultura e suas diferentes manifestações, destinadas a todos os públicos, em diversas faixas etárias e estratos sociais. Isso não significa apenas oferecer uma grande diversidade de eventos, mas efetivamente contribuir para experiências mais duradouras e significativas.

No estado de São Paulo, o Sesc conta com uma rede de 40 unidades operacionais – centros destinados à cultura, ao esporte, à saúde e à alimentação, ao desenvolvimento infantojuvenil, à terceira idade, ao turismo social e a demais áreas de atuação. Este patrimônio forma um conjunto arquitetônico de múltiplas linguagens e influências, constituído a partir da contribuição de nomes como Lina Bo Bardi, autora do Sesc Pompeia, e Paulo Mendes da Rocha, responsável pelo Sesc 24 de Maio.

Man Ray no Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo

Expoente do surrealismo, Man Ray ganha exposição inédita com 255 obras no Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo

Fotógrafo, pintor, escultor, cineasta... são vários os atributos de Man Ray, um dos maiores artistas visuais do início do século XX e expoente do movimento surrealista. E é parte de sua história criativa - um recorte significativo de seu trabalho - que o público vai poder conhecer de 21 de agosto a 28 de outubro na exposição Man Ray em Paris apresentada pelo Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo. Quase 130 anos após seu nascimento, o país recebe 255 obras do artista nunca antes vistas pelo público brasileiro, entre objetos, vídeos, fotografias e serigrafias de tamanhos variados – de 40x30 a 130x90 cm - todas desenvolvidas durante os anos que viveu em Paris, entre 1921 e 1940, seu período de maior efervescência criativa. Depois do CCBB SP, a mostra segue para a unidade de Belo Horizonte, entre 11 de dezembro e 17 de fevereiro de 2020. A realização é do Centro Cultural Banco do Brasil, com patrocínio do Banco do Brasil e do Ministério da Cidadania.

Com curadoria de Emmanuelle de l’Ecotais, especialista no trabalho do artista e responsável por seu Catálogo Raisonée, a mostra irá ocupar o CCBB SP e será dividida em duas categorias. A primeira trata da fotografia como um instrumento de reprodução da realidade, focando-se em seus famosos retratos - seu ateliê era uma referência entre a vanguarda intelectual que circulava pela Paris da década de 1920 -, nos ensaios para a grife de Paul Poiret e em fotos para reportagens. Já na segunda, outro lado se revela: o da manipulação da fotografia em laboratório com o intuito de criar superposições, solarizações e “raiografias”, um termo criado por Man Ray (do inglês “rayographs”), em alusão a si mesmo. Assim, portanto, ele inventa a fotografia surrealista.

O projeto da exposição prevê, ainda, reproduzir imagens da vida parisiense de Man Ray acompanhado pelos artistas que lhe foram contemporâneos e por sua musa, Kiki de Montparnasse. Além de uma programação de filmes assinados por ele, intervenções como um laboratório fotográfico, com elucidações sobre as técnicas utilizadas em sua obra, marcam a interatividade com o visitante. Ainda fazem parte do evento uma palestra com a curadora Emmanuelle de l’Ecotais no dia 21 de agosto e outra com o fotógrafo Pedro Vasquez sobre as técnicas de fotografia do Man Ray, em data a ser confirmada. A produção executiva é da Artepadilla.

Para a curadora, esta retrospectiva, pela primeira vez no Brasil, procura abranger a imensa e multiforme obra de Man Ray e apresenta a lenta maturação de sua obra e um panorama completo de sua criatividade. Emmanuelle de l’Ecotais ressalta que apesar de ser conhecido principalmente por sua fotografia, é também criador de objetos, realizador de filmes e faz-tudo genial. “Após tornar-se rapidamente fotógrafo profissional, sua obra oscila, de maneira contínua, entre o trabalho de encomenda - o retrato, a moda -, de um lado, e o desejo de realizar uma ‘obra artística’, do outro. Em suas palavras, ‘o artista é um ser privilegiado capaz de livrar-se de todas as restrições sociais, cujo objetivo deveria ser alcançar a liberdade e o prazer’”, comenta a curadora.

O ARTISTA

Emmanuel Radnitsky, mais conhecido pelo pseudônimo Man Ray, foi pintor, fotógrafo, object-maker, escultor e cineasta, tornando-se um dos mais destacados artistas vanguardistas do século XX. Nasceu na Filadélfia, Estados Unidos, em 1890, e na juventude, mudou-se para Nova York. Lá inicia seus estudos no The Social Center Academy of Art. Ainda na década de 1910, conhece Marcel Duchamp e outros artistas que compunham o movimento dadaísta nova-iorquino. Em 1921, parte para Paris, cidade que o acolhe por quase 20 anos, até o cerco nazista em 1940. O período em que viveu na capital francesa foi de imensa ebulição cultural, não só para ele, mas para diversos outros artistas que consolidaram o local como um dos maiores centros culturais do mundo, num contexto em que diversas formas de arte floresciam, sobretudo nos anos de 1920. Por lá, Man Ray se insere no movimento surrealista e concilia seu trabalho como fotógrafo de renome entre a intelectualidade francesa com seu lado artístico, que manipulava fotos em laboratório para a produção de obras de arte. Durante a Segunda Guerra Mundial, voltou para os Estados Unidos, onde fotografou celebridades de Hollywood e da moda. Regressa à Europa com o fim da guerra e, nos anos seguintes, obteve reconhecimento pela excelência de seu trabalho, conquistando prêmios como a Medalha de Ouro da Bienal de Fotografia de Veneza, em 1961, publicando suas fotos e exibindo sua obra ao grande público. May Ray faleceu em Paris, em novembro de 1976.

A CURADORA

Emmanuelle de l´Ecotais foi por 17 anos curadora de fotografia no Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris desde 2001. Com PhD em História da Arte, é especialista na obra de Man Ray tendo organizado diversas exposições sobre o artista entre elas, “Man Ray, la photographie à Lenvers”, no Centre Pompidou/Grand Palais, em 1999. Outras mostras com sua curadoria foram “Alexandre Rodtchenko, la photographie dans lil”(2007), “Bernhard et Anna Blume”, “Polaroïd”, na Maison Européenne de la Photographie (2010), “Linder, Femme-Objet”, no Musée dArt moderne/ARC (2013), “Jean-Philippe Charbonnier, lil de Paris”, no CMP, Paris (2014), “Objectivités, la photographie à Düsseldorf”(2008), “Henri Cartier-Bresson e limaginaire daprès nature”(2009). É autora de diversos ensaios e livros, entre estes “L´esprit Dada” (Editions Assouline,1999), “Man Ray” (Taschen, 2000), “Man Ray Rayographies” (Editions Léo Scheer, 2002) e é membro permanente de comitês de aquisição do Fonds National d´Art Contemporain (2004-2007) e da Maison Européenne de la Photographie (2007-2010). É também parte do júri em artes visuais para jovens talentos de Paris, Prêmios de Fotografia do Royal Monceau Hotel.

A PRODUTORA

A Artepadilla é empresa cultural atuante há 30 anos na área de elaboração, organização, produção, coordenação e administração de projetos culturais. Realizou ciclos de exposições no Centro Cultural Light, nas unidades Brasília, Recife e Rio de Janeiro do Centro Cultural Correios, nas unidades Brasília, Curitiba, Fortaleza, Rio de Janeiro, Salvador e São Paulo da CAIXA Cultural, entre outros. Tem grande experiência na área de eventos internacionais, tendo realizado as exposições: Roy Lichtenstein Vida Animada (em parceria com a Roy Lichtenstein Foundation/ New York City) no Instituto Tomie Ohtake/SP, entre outros. Na área de edição de livros de Arte, realizou Manfredo de Souzanetto Paisagem da Obra, Margaret Mee, Jardim Botânico do Rio de Janeiro 1808/2008, Jorge Hue, entre outros, alguns dos projetos através da Lei de Incentivo à Cultura/Lei Rouanet e da Lei Municipal de Incentivo à Cultura.

Jonathas de Andrade no Sesc, Petrolina

Exposição inédita do artista visual Jonathas de Andrade reúne 10 de suas obras mais conhecidas. Primeira etapa começa dia 19, no Sesc da cidade no Sertão pernambucano

Foi no Nordeste que o artista visual e fotógrafo Jonathas de Andrade foi buscar a força de seu trabalho, numa linguagem que ganhou intensidade e reconhecimento internacional ao reinterpretar questões urgentes para repensar a cultura nordestina hoje. Com 12 anos de trajetória e 37 de idade, e tendo a região onde nasceu como foco de sua produção nos últimos seis anos, o alagoano radicado em Pernambuco já expôs suas obras em outros estados do Brasil e em diversos países, indo de museus internacionais como o MOMA e Guggenheim de Nova York, à Coreia do Sul; do México, ao Egito e França. Depois de terem rodado o mundo, parte destes projetos artísticos está reunida na exposição Caravana Museu do Homem do Nordeste, que será inaugurada no dia 19 de agosto, às 19h, no SESC Petrolina, com visita guiada pelo artista. A circulação das instalações fotográficas e vídeos criados por Jonathas de Andrade, que ocorre com incentivo do Funcultura do Governo Estadual, chega também a duas outras cidades do interior de Pernambuco: Garanhuns (em novembro) e Goiana (em março de 2020).

As obras escolhidas para a itinerância tratam de questões urgentes para a região: educação, trabalho, a disputa rural-urbana e uma reflexão sobre a imagem do homem nordestino na atualidade. “Nasci e me criei neste Nordeste, e em meus trabalhos procuro reunir o tanto de inspiração que carrego desta cultura e sua poesia cotidiana, bem como os embaraços das complexas histórias que tanto marcam o caráter da experiência de ser brasileiro. São sensações ambíguas e complexas, que sempre tive vontade de compartilhar com o mesmo Nordeste que me inspirou”, confessa Jonathas.

Também, pela primeira vez, Jonathas amplia o conceito da obra ao criar um cartaz interativo, com o qual as pessoas poderão mexer em moldes de letras e fazer selfies delas mesmas no processo, postando em redes sociais e brincando de montar seu próprio museu. Segundo ele, existe um interesse pedagógico na exposição, de atuar em parceria com o projeto educativo, e encontrar um público que vá além daquele acostumado a consumir a arte contemporânea e frequentar as galerias.

Além de ocupar o Sesc Petrolina, situado no Centro da cidade banhada pelo Rio São Francisco, a “Caravana” se espalha pela cidade com imagens em grandes dimensões dos projetos, que podem ser encontrados em espaços como o paredão da orla petrolinense, o mercado turístico e o parque Josepha Coelho. Petrolina estará inundada de cultura ao receber — de 12 a 31 de agosto — a 15ª edição da Aldeia do Velho Chico, um dos principais eventos realizados pelo SESC ao longo do ano.

Dois museus com um mesmo nome

A “Caravana Museu do Homem do Nordeste” ganhou este nome a partir do momento em que Jonathas de Andrade se apropriou do título do museu existente no Recife (e que em 2019 comemora os 40 anos de sua criação) e começou a reunir seus projetos em torno de aspectos da cultura nordestina como se fosse um outro possível museu, o Museu do Homem do Nordeste. Em 2013, na Galeria Vermelho, em São Paulo, o artista reuniu uma serigrafia de Aloisio Magalhães, emprestada pelo Museu do Homem do Nordeste, e a fachada da galeria, também transformada em uma obra, além de três trabalhos: as instalações “Cartazes para o Museu do Homem do Nordeste”, “40 Nego Bom é 1 real”, e “O Levante”. A cada nova montagem, outros projetos de pesquisa foram sendo acrescentados por ele até chegar à exposição, inaugurada em dezembro de 2014, no Museu de Arte do Rio – MAR, com curadoria de Clarissa Diniz e Paulo Herkenhoff. Contradições e perversidades históricas da sociedade brasileira são reveladas por Jonathas neste trabalho em que o artista realiza um projeto político tocante, expressando “a urgência das ruas e indagando o lugar de uma revolução popular utópica mas possível de ser reivindicada”, como publicado no jornal “O Globo”, ao citar as melhores exposições daquele ano.

Sobre as obras

Questões de raça e classe, as disputas de poderes, as tensões sociais elencadas por Gilberto Freyre são revistas e reinterpretadas pelo olhar de Jonathas de Andrade em suas obras, a exemplo da “1ª Corrida de Carroças do Centro do Recife/O Levante” (2012-2014), que mostra uma corrida de carroças organizada pelo próprio artista junto aos carroceiros pelo Centro da capital pernambucana, à época em que este tipo de transporte estava sendo proibido; e o “ABC da Cana”, que mostra cortadores de cana montando um alfabeto com seus corpos e foices. Este abecedário tomou por inspiração desenhos tipográficos de Luís Jardim, em projeto gráfico para a revista “Brasil Açucareiro”, de 1957. Já “Cartazes para o Museu do Homem do Nordeste” será exibido em formato inédito no Brasil, em tecido, assim como foram apresentados na Bienal de Dakar, no Senegal, criando nova estética para o projeto. Outra obra artística relevante na carreira do artista é o vídeo “O Peixe” (2016), que estreou na Bienal de São Paulo, e suscita vastas emoções no público, ao acompanhar um pescador em seu ritual de abraçar um peixe, unindo afeto, solidariedade e violência. As relações de trabalho que persistem desde os tempos coloniais no país estão em “40 nego bom é um real”, que traz a receita do doce enquanto nos conta histórias reais e fictícias, mostrando as complexas relações de trabalho envolvendo os 40 personagens de uma fábrica desta sobremesa tão nordestina.

Trajetória

Jonathas de Andrade se formou em Comunicação Social na Universidade Federal de Pernambuco (UFPE), enquanto abraçava as artes visuais. Foi lá que aprofundou o interesse mais plural em fotografia e cinema, participando de projetos como o Cineclube Barravento, e criando pequenos filmes com um grupo de amigos. Em seus primeiros contatos com a arte contemporânea, foi editor de fotografia do site 2 pontos.

Através de seu trabalho, o artista procura entender a história do Brasil a partir da identidade de uma região, das relações de poder entre as pessoas, lastreadas por um passado de colonização e explorações. Ficção e documentos são ferramentas utilizadas pelo artista, que traz como temperos desestabilizantes o erotismo e a ambiguidade.

Seu trabalho faz parte de importantes museus do mundo como Tate Modern, de Londres; MoMa e Guggenheim de NY e Georges Pompidou, na França. No Brasil, já expôs no Rio de Janeiro, Vitória, Fortaleza, Maceió, Goiânia e Porto Alegre, entre outras cidades, além de ter coleções em diversos acervos, a exemplo do MAM-SP, MAC-USP e Museu de Arte do Rio.

Em cartaz com a exposição “One to One”, no Museu de Arte Contemporânea (MCA) de Chicago, nos Estados Unidos, até 29 de agosto, Jonathas possui três de seus trabalhos (“O Peixe”, “Caseiro”e “ABC da Cana”), em exibição na mostra “À Nordeste”, no Sesc 24 de Maio, em São Paulo. O artista segue, em setembro, para o Momenta - Bienal da Imagem, em Montreal, no Canadá, e depois para a Turquia, a convite da 16ª Bienal de Istambul, intitulada “O Sétimo Continente”.

Circuito Integrado de Galerias de Arte: Carpintaria e outras na Gávea, Rio de Janeiro

A ArtRio promove o Circuito Integrado de Galerias de Arte, com o objetivo de fomentar a visitação aos espaços artísticos da cidade, dessa vez com o foco no Jardim Botânico, Gávea e São Conrado. Participam as galerias Anita Schwartz Galeria, Carpintaria (Fortes D'Aloia & Gabriel), Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea e Silvia Cintra + Box 4.

17 de agosto de 2019, sábado, programação a partir das 14h

Anita Schwartz Galeria
R. José Roberto Macedo Soares 30, Gávea
15h - Visita guiada às exposições Shiva, de Bruno Vilela, e Barbapapa, de Paulo Vivacqua

Carpintaria
Rua Jardim Botânico 971, Lagoa
17h - Visita guiada à Coletiva #tbt, com o curador da mostra Victor Gorgulho

Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea
Estrada da Gávea 712/407, São Conrado
15-19h - Abertura e visita guiada à exposição Através de Rosângela Dorazio

Silvia Cintra + Box 4
Rua das Acácias 104, Gávea
14-18h - Visita à exposição Jardim Impostor, de Pedro Motta

Circuito de Ateliês Abertos da SP-Foto: Open Studio Residência Artística FAAP e outros no Centro e Vila Madalena, São Paulo

Uma semana antes da abertura oficial da 13.ª edição da SP-Foto, o público poderá conhecer de perto os processos dos artistas ligados ao universo fotográfico e da imagem a partir do Circuito de Ateliês Abertos.

17 de agosto de 2019, sábado, das 14h às 18h (Centro) e das 17h às 21h (Vila Madalena)

Residência Artística FAAP - Edifício Lutetia
Praça do Patriarca 78, Centro, São Paulo

No total, oito artistas brasileiros e estrangeiros abrem os seus estúdios na Residência Artística FAAP: Gauri Kulkarni (Índia), Lucas Demps (Brasil), Gabriela Godói (Canadá), Maíra Dietrich (Brasil), Bianca Madruga (Brasil), Guillermo Rodriguez (Porto Rico), Genietta Varsi (Peru) e Ygor Landarin (Brasil). A entrada é gratuita, das 13h às 18h.

A Residência Artística FAAP oferece tempo e espaço para a pesquisa, investigações e o desenvolvimento de projetos, ações e conexões. Por conta disso, é procurada por artistas de todo o mundo que estão em busca de novas possibilidades de pesquisa, de entrar em contato com outros profissionais, conhecer lugares distintos dos seus habituais e experimentar novos contextos e processos para sua produção e práticas artísticas.

Instalada no Edifício Lutetia, na Praça do Patriarca, desde 2004, a Residência Artística FAAP possui dez amplos estúdios para acomodação dos artistas que participam do programa a partir de processo seletivo realizado todo início de semestre. Mais de 350 artistas de todos os continentes já passaram pelo espaço. No Edifício Lutetia, há ainda uma extensão do MAB-FAAP, onde são realizadas exposições de artistas formados pelos cursos de Artes Visuais da FAAP e de artistas residentes.

Circuito Ateliês Abertos no Centro, das 13h às 18h

Atelier do Centro
R. Epitácio Pessoa, 91

Pivô
Ed. Copan, bloco A, loja 54 – Av. Ipiranga, 200

FAAP Residência Artística
Praça do Patriarca, 78

Circuito Ateliês Abertos na Vila Madalena, das 17h às 21h

Hermes Artes Visuais
R. Hermes Fontes, 167

Projeto Fidalga
R. Fidalga, 299

Fonte
R. Mourato Coelho, 751

Vão – Espaço Independente de Arte
R. Mourato Coelho, 787

Veja online na SP-Foto a programação completa dos ateliês

Conheça os artistas que participam do Open Studio Residência Artística FAAP

Bianca Madruga (RJ/Brasil)
Artista visual. Doutoranda em Artes Visuais pela UERJ. Formou-se em Filosofia pela Universidade Federal Fluminense (UFF), tendo os títulos de bacharelado e licenciatura. Mestre em Filosofia da Arte e Estética pela Universidade Federal Fluminense (UFF), com a dissertação: "O partido das coisas nas Artes Visuais", uma leitura a partir da noção de fim da arte em Hegel e Danto. Também atua como curadora e cogestora no coletivo A MESA, que promove exposições em galeria própria no Morro da Conceição, no Rio de Janeiro, desde 2015.
Há algum tempo, seu trabalho começou a se desdobrar a partir da ideia de horizonte. O interesse veio da ambivalência da palavra horizonte, que se refere tanto a uma temporalidade quanto a uma noção de espaço. Horizonte é porvir, limite, linha e espaço de realização do possível. Diante de um futuro que parece sempre escapar em uma espécie de eterno presente, em que as aspirações relativas ao amanhã parecem ter se rarefeito, aparece uma espécie de paradoxo: esse retorno incessante do presente enquanto vazio e, ao mesmo tempo, enquanto núcleo temporal do desejo.

Gabriela Godoi (São Paulo/SP, vivendo em Vancouver)
Gabriela Godoi é artista plástica e educadora. Mestre em Artes Plásticas pela Emily Carr University of Art and Design (Vancouver, BC). Obteve, pela Universidade Belas Artes (São Paulo, SP), sua licenciatura em Artes e seu bacharel em Artes Plásticas pela FAAP (São Paulo, SP). Em anos prévios, foi selecionada para participar em coletivos no 44º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba e no 41º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto.
Sua pesquisa aborda questões que permeiam o corpo, a identidade, relações interpessoais e a sexualidade. Trabalha primariamente com pintura e objetos manufaturados na intenção de expandir os limites binários entre figura e fundo, o revelar e ocultar, o Eu e o Outro. Vive e trabalha em Vancouver, no Canadá.

Gauri Kulkarni (Índia)
22 anos de idade, dobrando e desdobrando o caminho para a compreensão da arte natural. Projeto de um espaço público maior e uma estudante de fotografia. Graduada recente pelo Instituto Srishti de Design de Arte e Tecnologia, Bangalore / Índia.
Sua prática é inclinada para pesquisa e como fazer que cada movimento seu seja para a sustentabilidade. Usa as cinco palavras para se encaixarem na sua prática - 1. Sustentável, 2. Versátil 3. Inovador, 4. Organizado, 5. Delineado. É uma artista multidisciplinar e designer. O design do espaço urbano sempre a intrigou. Além disso, também mantém uma profunda paixão e gosto pela vida selvagem e fotografia da vida selvagem.

Genietta Varsi (Peru)
Genietta é bacharel em Artes Visuais com especialização em Escultura pela Pontifícia Universidade Católica do Peru. Fez duas residências em 2018 na Casa Uberbau, São Paulo, e Molten Capital, Museu de Arte Contemporânea - Quinta Normal, Santiago do Chile, e uma em 2019, na Fundação Delfina, em Londres.
Ela teve três exposições individuais em Lima, no Peru: "El dedo pulgar es el ejecuta", 2018, Galería Ginsberg; "Pulsos y pulsiones" (Pulso e Impulso), 2016, Galería Rottenslat; e "Diagnóstico de Corporeidade Reprimida" (Diagnóstico da Corporeidade Reprimida), Galería Rottenslat. Ela também fez parte de exposições coletivas no Chile, na República Tcheca e na Argentina.
Genietta é também cofundadora e codiretora do SERES, uma plataforma que exibe, educa e cria arte em Lima.
A artista trabalha com e em torno do corpo humano - usando ferramentas médicas, químicas, eletrônicas e antropológicas para investigar e questionar os modelos impostos pelas estruturas de poder. Os principais materiais com que trabalha são restos e fluidos humanos: ossos, cabelos, unhas, urina, sangue, saliva, lágrimas, leite, sêmen, etc. Seu trabalho consiste na manipulação do corpo e dos comportamentos humanos por meio de diferentes metodologias e resultados, entre eles escultura, instalação, som e performance.

Guillermo Rodríguez (Porto Rico)
Guillermo Rodríguez estudou Artes Plásticas e Escultura na Universidade de Porto Rico. O artista completou o bacharelado em Goldsmiths College, Universidade de Londres, em 2010, e um mestrado em Curadoria de Artes Visuais na Universidade Nacional Tres de Febrero, em Buenos Aires.
Participou da Residência da Rauschemberg Foundation, da Residência de Artes Visuais do Banff Centre e, em 2015, abriu a Residência da Iniciativa Davidoff Arts, uma colaboração entre o Atelier Mondial e a Academia de Arte e Design da FHNW em Basel. Sua obra foi exposta na 11ª Bienal de Havana: "Práticas Artísticas e Imaginários Sociais", "Artesur: Ficções Coletivas", no Palais de Tokyo (Paris), e "End of the Game", Fundação Proa (Buenos Aires). Seus projetos curatoriais recentes incluem "Herbaria", no Centro para o Desenvolvimento de Artes Visuais, em Havana, e "Balancing a Blade on Diamond Grass (Balancing a Diamond on a Blade of Grass)", em El Lobi, San Juan.

Lucas Demps (RJ/Brasil)
Demps teve sua educação artística inicial em ateliês de escultura e de joalheria, assim como em grupos de pesquisa, estudos e produções artísticas. Cumpriu programas de formação e bolsas de estudo na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (Fundamentação, Práticas Artísticas Contemporâneas, nível 2, Núcleo de Imagem em Movimento, entre outros). Atualmente, é mestrando no Departamento de Artes e Design da PUC-Rio, onde desenvolve pesquisa sobre a estética do embaçamento de fronteiras entre práticas artísticas contemporâneas e processos cotidianos. Seu trabalho se propõe a lidar com as condições e imprecisões do uso da linguagem humana, tendo como referência o corpo e suas manifestações cotidianas e atravessando diversas mídias da produção artística. Desde 2013, participa de exposições coletivas no Brasil e no exterior, tendo sua primeira individual ocorrido em 2018, na Galeria Oriente (Rio de Janeiro, RJ).

Maíra Dietrich (SC/ Brasil)
Maira Dietrich é bacharel em Artes Plásticas pela UDESC-Florianópolis, mestre em Fine Arts pelo KASK-Ghent e graduanda em Biblioteconomia na USP-São Paulo. Exposições individuais como Spelling P no 019, Ghent, Visão periférica, no Paço das Artes, São Paulo, e Escrito, na Fundação Cultural BADESC, Florianópolis. Exposições coletivas no Musée des Abattoirs, Toulouse, Convent, em Ghent, entre outras. Participou de residências na Casa Tomada, em São Paulo, Proyecto 'Ace, em Buenos Aires, e AFFECT, em Berlim. Desde 2015, colabora com a Casa do Povo, São Paulo, onde desenvolveu a Oficina de Anedotas Anecdote, em 2017. Desde 2012, coordena a editora freestyle A Missão.

Ygor Landarin (RJ/Brasil)
Ygor Landarin nasceu em Uruguaiana, mas com um ano de idade mudou-se para Florianópolis. Vive há cerca de 5 anos no Rio de Janeiro. Seus processos compõem híbridos entre as culturas que fazem parte de suas raízes e onde vive atualmente, subvertendo materiais e compondo analogias a questões contemporâneas e históricas.
Trabalhou por 2 anos como assistente da artista Brígida Baltar e por 5 meses para a artista Ana Miguel. Recentemente, fez sua primeira individual chamada "Corpo Contido", na Galeria Inox.
Participou das exposições coletivas Flutuantes (Paço Imperial); Formação Deformação (Escola de Artes Visuais do Parque Lage); Pouso de emergência (Caixa Preta); Fixo só o prego (Espaço Sérgio Porto); Fosso 7 (Fosso).

Giselle Beiguelman lança Memória da amnésia: políticas do esquecimento com bate-papo no MAR, Rio de Janeiro

Museu de Arte do Rio recebe o lançamento do livro “Memória da amnésia: políticas do esquecimento”, de Giselle Beiguelman. O evento de lançamento contará com uma roda de conversa com a artista e professora da USP mediada pela curadora Clarissa Diniz.

17 de agosto de 2019, sábado, às 16h

Museu de Arte do Rio - MAR
Praça Mauá 5, Centro, Rio de Janeiro, RJ
21-3031-2741

O Museu de Arte do Rio – MAR, sob a gestão do Instituto Odeon, recebe no dia 17 de agosto, às 16h, o lançamento do livro “Memória da amnésia: políticas do esquecimento”, publicado pelas Edições Sesc São Paulo. A obra de Giselle Beiguelman, artista e professora da USP, reúne ensaios textuais e visuais sobre as estéticas e as políticas de preservação da memória – e as ações sistemáticas que as transformam, também, em políticas do esquecimento. Ao mesmo tempo em que se volta às construções e aos monumentos do passado, a autora expõe as relações contemporâneas dessas obras com os fixos e fluxos das cidades, num contraponto entre a ruína e o futuro.

O lançamento acontece no auditório do museu e contará com uma roda de conversa mediada pela curadora e ex-gerente de Conteúdo do MAR, Clarissa Diniz. A entrada no evento será gratuita e por ordem de chegada. O espaço é sujeito à lotação.

Sobre o livro

Introduzidos por um ensaio crítico, os capítulos do livro tratam de projetos realizados pela autora em diferentes contextos, no espaço urbano e nos espaços informacionais das mídias e das redes sociais. O primeiro deles, intitulado “Beleza convulsiva tropical” – uma intervenção feita na 3ª Bienal da Bahia (2014), no Arquivo Histórico do Estado – discute a tensão entre natureza e cultura, o informal e o formal, o enfrentamento entre controle e descontrole que se emaranham com a história cultural e urbana do Brasil.

O segundo capítulo, “Memória da amnésia”, dá nome ao livro e é fruto de uma exposição realizada pela autora em 2015. Com foco nos depósitos de monumentos da cidade de São Paulo, o projeto incluiu o traslado de um conjunto de obras e fragmentos de monumentos do depósito do Canindé para o interior do Arquivo Histórico municipal, onde ficaram expostos, deitados, por quatro meses.

A memória digital - Os dois capítulos seguintes tratam de trabalhos realizados por Beiguelman com mídias digitais. “Já é ontem?” apresenta um longo ensaio visual a partir de fotografias e frames que documentou, de 2010 a 2017, as transformações da Zona Portuária do Rio de Janeiro (o Porto Maravilha), com ênfase na demolição da Perimetral e no entorno da praça Mauá. O trecho seguinte do livro, Museu das perdas para nuvens de esquecimento, discute as dificuldades de lidar com a memória das redes a partir da obra de net art O livro depois do livro e sua incorporação ao acervo do MAC-USP.

Incêndio no Museu Nacional - Memória da amnésia já estava quase pronto quando, em 2 de setembro de 2018, um incêndio transformou em ruínas o Museu Nacional, no Rio de Janeiro. Diante dessa tragédia, Beiguelman incluiu um último capítulo, intitulado “Beleza compulsiva tropical”, em que o incêndio é lido sob o signo das catástrofes e como uma metáfora do nosso passado recente.

De modo geral, todas essas abordagens dizem respeito às disputas pela visibilidade no campo da memória e acompanham os propósitos e esforços daqueles que constroem determinadas narrativas e analisam suas consequências nos espaços das cidades.

Giselle Beiguelman: Pesquisa preservação de arte digital, arte e ativismo na cidade em rede e as estéticas da memória no século 21. Desenvolve projetos de intervenções artísticas no espaço público e com mídias digitais. É professora livre-docente da FAUUSP e foi coordenadora do seu curso de Design, de 2013 a 2015. Entre seus projetos recentes destacam-se Memória da Amnésia (2015), Odiolândia (2017) e a curadoria de Arquinterface: a cidade expandida pelas redes (2015). É membro do Laboratório para OUTROS Urbanismos (FAUUSP) e do Interdisciplinary Laboratory Image Knowledge – Humboldt-Universität zu Berlin. Autora de diversos livros e artigos sobre arte e cultura digital, suas obras integram acervos de museus no Brasil e no exterior, como ZKM (Alemanha), Yad Vashem (Israel), Latin American Colection – Essex University (Inglaterra), MAC-USP e Pinacoteca do Estado de São Paulo. Foi editora-chefe da Revista seLecT (2011-2014) e é colunista da Rádio USP e da Revista Zum.

Clarissa Diniz é curadora e crítica de arte. É mestre em história da arte pelo PPGArtes/UERJ e doutoranda em antropologia pelo PPGSA/UFRJ. Foi editora da revista Tatuí e publicou inúmeros textos, catálogos e livros, a exemplo de Crachá - aspectos da legitimação artística (Ed. Massangana, 2008). Curou diversas exposições e, entre 2013 e 2018, atuou no Museu de Arte do Rio - MAR, onde organizou mostras como Pernambuco Experimental (2013) e Dja Guata Porã: Rio de Janeiro indígena (2017). É professora da Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Edições Sesc São Paulo: Pautadas pelos conceitos de educação permanente e acesso à cultura, as Edições Sesc São Paulo publicam livros em diversas áreas do conhecimento e em diálogo com a programação do Sesc. A editora apresenta um catálogo variado, voltado à preservação e à difusão de conteúdos sobre os múltiplos aspectos da contemporaneidade. Seus títulos estão disponíveis nas Lojas Sesc, na livraria virtual do Portal Sesc São Paulo, nas principais livrarias e em aplicativos como Google Play e Apple Store.

A Parte Maldita: um esboço na Sim, São Paulo

...a exposição é um ato de revolta, de insubordinação ao Ser produtivo, ao horizonte cataclísmico da produção e é, principalmente, um ga(e)sto improdutivo.
Ricardo Sardenberg

Ser produtivo, ordem que alimenta a energia explosiva de tempos tão conflituosos. A criação, o consumo, as relações pessoais próximas ou distantes, tudo isso se justifica por ser produtivo, como analisa o curador da exposição, Ricardo Sardenberg. É sobre o engano de que produzir e cosumir para crescer seja algo infinito que ele evoca a maldição, pois o crescimento não é infinito. “As pessoas terão que dispor dessa energia acumulada de forma improdutiva, desinteressada e avessa ao lucro”.

Segundo o curador, a ação mais revolucionária é aquela que simplesmente nega qualquer vontade, desejo ou obrigação de ser produtivo. “O herético contemporâneo luxuosamente dissipa, ou dispensa, toda sua energia acumulada de forma improdutiva. Só assim é possível resgatar o jogo, o sexo, o sagrado, a arte, enfim, a vida. Só assim pode-se evitar a guerra total e aniquiladora que nos aparece no horizonte”, escreve.

A parte maldita, texto de Georges Bataille de onde Sardenberg extraiu o título - A Parte Maldita: um esboço - e a inspiração para esta exposição, propõe e tenta dar conta desse fluxo contínuo de energia que “o sol dá sem nunca receber”. Segundo o curador, a exposição é um paradoxo, ou uma ambivalência, pois justamente propõe fazer sem acrescentar nada. Não como um ato de negação, mas pelo contrário, é um ato de afirmação.

“A partir de obras de arte que estão no mundo há muito tempo, ou que foram criadas para esta exposição — elas próprias aqui desapegadas de cronologias ou tradições — que evocam o dispêndio próprio do fato artístico; que só é arte se for inútil, e os temas dissipadores onde ela acontece: o jogo, o sexo e a morte”, completa.

Fazem parte da mostra obras dos artistas: Cildo Meireles, Di Cavalcanti, Eli Sudbrack, Gokula Stoffel, Ivens Machado, Lais Myrrha, Leonilson, Luiz Schwanke, Maria Martins, Rodolpho Parigi, Tunga, Victor Gerhard e Yuli Yamagata.

Consuelo Lins lança livro sobre Cao Guimarães na Nara Roesler, Rio de Janeiro

A Galeria Nara Roesler e a Editora 7Letras convidam para o lançamento do livro 'Cao Guimarães: Cinema Documentário Ficção', de Consuelo Lins. Na ocasião haverá uma conversa entre o artista e a autora, mediada por Katia Maciel.

19 de agosto de 2019, segunda-feira, 19h + 19h30

Galeria Nara Roesler
Rua Redentor 241, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ
21-3591-0052

A obra de Cao Guimarães transita entre o cinema e as artes plásticas, e está presente em coleções importantes ao redor do mundo, como a Tate Modern no Reino Unido), o MoMA e o Museu Guggenheim nos EUA, Fondation Cartier (França), Colección Jumex (México), Inhotim (Brasil), Museu Thyssen-Bornemisza (Espanha), dentre outras. Neste livro, a cineasta e ensaísta Consuelo Lins analisa a fundo a obra do artista, a partir de suas fotografias, filmes, vídeos e instalações, descortinando os mecanismos de criação sua arte instigante e original. Nas palavras de Katia Maciel: "Consuelo habita o percurso de Cao como um pássaro e um felino ao mesmo tempo, no ritmo de uma lente se afasta e se achega na justa medida do filme que passa."

Programação
19h - conversa com Cao Guimarães e Consuelo Lins, mediada por Katia Maciel
19h30 - mesa de autógrafos e exibição de vídeos do artista

Ficha técnica
Cao Guimarães arte documentário ficção
Consuelo Lins
184 páginas
formato 15,5 X 23 cm
ISBN 978-85-421-0806-4
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Adrianna Eu na Luciana Caravello, Rio de Janeiro

Artista criará uma grande sala de costura, que será usada como metáfora para falar sobre a construção da identidade de cada um e sobre lugar de pertencimento

A artista carioca Adrianna Eu transformará o térreo da Luciana Caravello Arte Contemporânea, em Ipanema, em uma grande sala de costura. Trata-se da exposição Costura-se para dentro, que será inaugurada no dia 15 de agosto, com cerca de 25 obras inéditas, produzidas este ano, que giram em torno da construção da identidade de cada um e do desejo de pertencimento. A artista relaciona a construção da veste com a construção de si e do seu lugar no mundo, pensando o desvio e a diferença. A mostra será acompanhada de um texto do crítico de arte Douglas de Freitas.

Para criar seus trabalhos, Adrianna Eu constantemente usa os objetos da costura, desviados de sua função original, para falar de afetos. E foram recentes encontros com a artista e travesti Agrippina R. Manhattan e com a cantora negra e não-binário (não é exclusivamente homem ou mulher, estando fora do binário de gênero) Majur que a levaram a pensar “na força de tudo aquilo que precisa negar as regras para simplesmente ser o que é”.

Utilizando elementos da costura, a artista vai construindo suas obras e tocando em questões que deseja ressaltar. Ela utiliza mapas de moldes de roupas, linhas, botões, tesouras, pedaços de tecidos e rendas, entre outros. Dentre os trabalhos apresentados estará uma grande instalação composta por seis milhões de metros de linha vermelha emaranhados no chão. Sobre ele, estará uma mesa com uma máquina de costura voltada para a parede. A instalação remete à imagem da linha que eventualmente embola na máquina de costura e precisa ser cortada e descartada. “A ideia de descarte, do que não deu certo, do que não seguiu em linha reta, é o que me interessa”, afirma.

Em muitas obras, a artista insere palavras – escritas ou bordadas – como é o caso do trabalho que traz um pedaço de viés rosa junto a um bordado onde se lê a frase: “a vida não é um mar de rosas”. Outro trabalho traz uma tesoura de costura cuja lâmina está envolta por linhas vermelhas, imobilizando o ato de cortar, criando uma inversão de força e de poder. A obra “Latifúndio” traz uma grande “casa” de botão, com um único pequeno botão ao lado. Já “O grande tabuleiro” é formado por botões de várias cores, como pretos, marrons e beges. Há somente um branco no meio deles. “É uma obra que fala sobre lugar de poder e sobre privilégio”, afirma a artista.

Adrianna Eu garimpa muitas peças de seu trabalho em feiras de antiguidade e muitas delas vêm carregadas de histórias. Uma das obras traz botões onde estão presos restos de linhas, que já estavam ali quando foram adquiridos pela artista. Ela se utiliza desses rastros para falar do quanto tudo aquilo que abandonamos, ou deixamos de ser, de alguma forma nos ajuda a compor o novo.

Completa a exposição o vídeo “A costura de si” (2005), em que a artista costura os próprios dedos da mão, ao som de uma música de Tom Zé. Esse é o único trabalho não inédito da exposição, mas que será apresentado de forma inédita, através de uma videoinstalação, composta por um monitor, um biombo e um banco com lugar para uma única pessoa assistir ao vídeo de cada vez. Para a artista, era fundamental que esta obra estivesse na exposição, pois ela se relaciona com todas as demais. “O vídeo é um dos meus primeiros trabalhos e fala da construção, desconstrução e eterna reconstrução de quem se é”, diz. Esse trabalho é marcante na trajetória de Adrianna Eu e foi visto pela artista Louise Bourgeois (Paris, 1911 - Nova York, 2010), com quem Adrianna encontrou por duas vezes e cujo encontro e descoberta de sua obra foram muito marcantes para a trajetória da artista.

SOBRE A ARTISTA

Adrianna Eu (Rio de Janeiro, 1972. Vive e trabalha no Rio de Janeiro) é formada pela Escola de Artes Visuais EAV – Parque Lage (RJ) onde frequentou cursos de Malu Fatorelli, entre 2003 e 2006; e em Filosofia, com Auterives Maciel, no Museu da Republica, entre 2003 e 2007. Desde 2010 frequenta o Grupo Alice de Estudos e Projetos, coordenado por Brígida Baltar e Pedro Varela.

Como nome artístico adotou “Adrianna eu” (nome que a representaria), pensando nisso como um nome-trabalho. Tendo como um de seus temas as relações das pessoas com a própria identidade, foi tomada por um desejo de ter no seu próprio nome uma “provocação” que já considera como um trabalho inicial. Adrianna Eu é um nome-trabalho que pretende provocar no outro um sentimento de reflexão. Com a intenção de gerar um estranhamento e levantar as questões dos limites do próprio eu, para cada lugar que a artista viaja, o pronome “eu”, por não se tratar de um sobrenome, é traduzido para a língua local, possibilitando assim que o processo de estranhamento intencionado se construa.

Dentre suas principais exposições individuais estão: “O mergulho de Narciso” (2015), na Luciana Caravello Arte Contemporânea; “O mais profundo pensamento é um coração batendo” (2014), na Casa Porto, no Rio de Janeiro; “Trabalhos recentes” (2005), no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, entre outras.

Dentre suas exposições coletivas, destacam-se: “Lacunas preenchidas – As 7 Cornellys” (2019), na Villa Aymoré, no Rio de Janeiro; “De sangue e ossos” (2018), “Transformação” (2018), na Casa Firjan, no Rio de Janeiro; “Manjar: amar em liberdade” (2018), no Solar dos Abacaxis, no Rio de Janeiro; Trio Bienal (2017), no Rio de Janeiro; “Aquilo que nos une” (2017), na Caixa Cultural, em São Paulo; “In Memoriam”, na Caixa Cultural, Rio de Janeiro; “Aquilo que nos une” (2016), na Caixa Cultural, Rio de Janeiro.

Tiago Carneiro da Cunha na Fortes D'Aloia & Gabriel - Galeria, São Paulo

A Fortes D’Aloia & Gabriel tem o prazer de apresentar Zona Crepúsculo, nova exposição individual de Tiago Carneiro da Cunha na Galeria. O artista exibe um conjunto inédito de pinturas em que explora a repetição de cenas crepusculares a partir da experimentação com uma gama diversa de recursos formais. O título da mostra inspira-se livremente na antológica série de TV norte-americana Twilight Zone, cuja trama de tom distópico tornou-se sucesso cult da década de 1950.

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Nestas novas obras, o artista reitera sua obsessão pelo gesto ao investigar o uso de aparatos variados em seu processo de pintura, dentre eles espátulas, pincéis de diferentes formatos e dimensões, e sua própria mão. São composições que iniciam-se a partir de um ponto focal no centro da tela e a partir dele ganham corpo em um processo que abarca o improviso, o erro e o acaso. Assim, Carneiro da Cunha arquiteta cenários à beira-mar em que indivíduos interagem com o sol e a lua, estes também, como personagens, são dotados de qualidades e emoções humanas.

Se o crepúsculo é o momento em que o céu é tomado por um sem fim de luzes e matizes, o artista busca reproduzir este efeito gradiente manipulando a tinta em movimentos circulares dentro do espaço da tela. Tal manipulação o permite também equalizar diferentes graus de saturação e contraste nestas composições, emprestando nuances apocalípticas às cenas.

Lançando mão de um humor corrosivo – marca frequente de sua produção – o artista cria figuras híbridas que parecem ora padecer, ora sucumbir, diante de uma espécie de julgamento final feito pelos astros, agentes morais desta narrativa. O interesse pela linguagem do cartoon fica evidente em telas como Luar e Zumbi e Destroyer, em que o artista usa a caricatura como um poderoso instrumento de tradução visual de determinada situação fantástica ou absurda – situações estas que, nos dias atuais, já não nos parecem tão inverossímeis assim.

Em junho deste ano, a obra de Tiago Carneiro da Cunha foi a inspiração e o eixo central da elogiada exposição coletiva A Burrice dos Homens, com curadoria de Fernanda Brenner, na galeria Bergamin & Gomide, em São Paulo. No dia 5 de setembro, a Fortes D’Aloia & Gabriel promove uma conversa entre Carneiro da Cunha e a artista e Jac Leirner.

Tiago Carneiro da Cunha nasceu em São Paulo em 1973 e atualmente vive e trabalha no Rio de Janeiro. Artista de formação multidisciplinar, cursou a Pós-Graduação em Arte Contemporânea do Goldsmiths College, em Londres. Radicou-se no Rio de Janeiro em 2001 e desde então expõe regularmente seu trabalho em exposições individuais e coletivas, como Prospect 2013, Museum of Contemporary Art San Diego (San Diego, EUA, 2013); Sobrenatural, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2013); A Iminência das Poéticas, 30ª Bienal de São Paulo (2012); Tiago Carneiro da Cunha & Klara Kristalova, SFMOMA (San Francisco, EUA, 2011); Bienal de Liverpool (2002); Bienal de Sydney (2002). Também atua como curador, tendo organizado as mostras: Law of the Jungle, Lehmann Maupin Gallery (Nova York, 2010); Drunkenmasters, Galeria Fortes Vilaça (São Paulo, 2004). Sua obra está presente em diversas coleções importantes ao redor do mundo, como: MAM (Rio de Janeiro), MAR (Rio de Janeiro), Saatchi Collection (Londres), SFMOMA (San Francisco), TBA21 (Áustria), entre outras.

Fortes D’Aloia & Gabriel is pleased to present Twilight Zone, Tiago Carneiro da Cunha’s latest solo exhibition at the Galeria. The artist shows a group of brand new paintings in which he explores the repetition of twilight scenes by experimenting with a wide range of formal means. The title of the exhibition is loosely inspired by the memorable TV series of same name, whose dystopian tinted plot became a cult hit in the 1950s.

In this body of work the artist reaffirms his obsession with the painterly gesture while engaging an assortment of resources, such as palette knives, multiple brushes, and his own hand. These compositions build up from a focal point at the center of the canvas and expand in a process that includes improvisation, confusion and chance. Carneiro da Cunha designs coastal sceneries where people interact with the sun and the moon. Like the characters, these planets are also endowed with human qualities and emotions.

If the twilight occurs when the sky is painted by a host of lights and hues, the artist seeks to replicate this gradient effect by manipulating the paint in round brushstrokes across the canvas. Such manipulation allows him to balance the various levels of saturation and contrast within the compositions, lending apocalyptical nuances to the scenes.

Employing a very dry humor – a trademark of his work – the artist creates hybrid figures that seem to suffer or collapse according to a sort of final judgment carried out by the stars, moral actors in this eloquent narrative. Carneiro da Cunha’s interest in cartoon language becomes evident in pieces such as Luar e Zumbi and Destroyer, in which he uses caricature as a powerful visual translation tool of a particular fantastic or absurd situation – episodes that these days no longer seem so far fetched.

Last June, Tiago Carneiro da Cunha served as the inspiration and pivotal point in the group show A Burrice dos Homens, curated by Fernanda Brenner, at Bergamin & Gomide, São Paulo. On September 5th, Fortes D’Aloia & Gabriel will host a conversation between Carneiro da Cunha and fellow artist Jac Leirner.

Tiago Carneiro da Cunha was born in São Paulo, in 1973, and since 2001 has lived and worked in Rio de Janeiro. He holds a MFA from Goldsmiths College, London. Over the years he has had noteworthy solo and group shows, such as: Prospect 2013, Museum of Contemporary Art San Diego (San Diego, USA, 2013); Sobrenatural, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2013); A Iminência das Poéticas, 30th Bienal de São Paulo (2012); Tiago Carneiro da Cunha & Klara Kristalova, SFMOMA (San Francisco, USA, 2011); Liverpool Biennial (2002); Sydney Biennial (2002). He also works as a curator, having organized the exhibitions: Law of the Jungle, Lehmann Maupin Gallery (New York, 2010); Drunkenmasters, Galeria Fortes Vilaça (São Paulo, 2004). His work is included in the following collections: MAM (Rio de Janeiro), MAR (Rio de Janeiro), Saatchi Collection (London), SFMOMA (San Francisco), TBA21 (Austria), among others.

Leandro Machado na Mario Quintana, Porto Alegre

Leandro Machado encerra o projeto "Arqueologia do Caminho" em Porto Alegre/Brasil, apresentando exposição de fotos, materiais coletados nas cidades e vídeo sobre as experiências e conhecimentos que adquiriu na Circulação Nacional/Internacional

O projeto Leandro Machado – Arqueologia do Caminho, que realizou a circulação nacional/internacional no Rio de Janeiro/Brasil, La Rochelle/França e Montevidéu/Uruguai, encerrará em Porto Alegre no próximo mês. No dia 17 de agosto, sábado, a partir das 17h, tem inauguração de exposição do artista no Museu de Arte Contemporânea (MAC-RS), com apoio institucional do Instituto Estadual de Artes Visuais (IEAVi), na Casa de Cultura Mario Quintana.

Além da abertura da mostra de fotografias e materiais coletados nas cidades visitadas, na ocasião ocorrerá distribuição do livro homônimo ao projeto, com sessão de autógrafos, além da apresentação de um vídeo elaborado por Leandro Machado sobre as vivências e conhecimentos adquiridos durante o projeto, realizado com recursos do Governo do Estado do Rio Grande do Sul por meio do Pró-Cultura RS FAC – Fundo de Apoio à Cultura #juntospelacultura_2.

A ideia do projeto “Arqueologia do Caminho” surgiu das andanças do artista em lugares periféricos da capital gaúcha. “Parece que as pessoas da cidade são somente aquelas que circulam pelo Centro, Cidade Baixa e Moinhos de Vento. Porto Alegre é tão mais ampla, vasta, poderosa! São lugares periféricos, mas – ao mesmo tempo – outros centros. Fui a lugares que desconhecia e só sabia o nome. Descobri uma outra Porto Alegre, às vezes até mais bonita do que a gente conhece”, afirma Leandro.

A curadora da exposição na cidade de La Rochelle/França, Martina Weissgerber, afirma: “Suas fotografias são um roaming memorial da identidade do homem em qualquer paisagem, tomada durante uma peregrinação diária. O trabalho de Leandro torna-se ainda mais significativo na atual situação política no Brasil: a Arqueologia do Caminho é um estudo artístico dos restos de uma civilização em perigo de desaparecer”.

Antônio Augusto Bueno, curador das mostras em Porto Alegre, Rio de Janeiro e Montevidéu, define: “Além de buscar visibilidade a essas populações/comunidades/lugares, outra potência se configura no fato de agregar pessoas/conhecimentos/experiências, em busca de um pensamento plural. Igualmente percebo a continuidade de um corpo que se move, de um discurso que se adensa, com coerência, poesia, resistência se seguir apostando em suas crenças de negro artista”.

A exposição "Arqueologia do Caminho" fica em cartaz no MAC-RS até o dia 22 de setembro, com entrada gratuita. As imagens expostas revelam uma Porto Alegre diferente, autêntica e descontruída pelo olhar do artista visual, que junto com o fotógrafo Paulo Corrêa, percorreram diversos bairros registrando construções, paisagens, situações do cotidiano e pessoas que moram nessas regiões. Alguns registros e materiais coletados nas cidades que realizou a Circulação Nacional/Internacional também foram incluídos na instalação para completar a experiência dos espectadores.

A produção executiva do projeto é de Sabina Stephanou, da Stephanou Cultural, contando com o financiamento do Governo do Estado do Rio Grande do Sul.

Leandro Machado – gaúcho de Porto Alegre, Bacharel em Artes Visuais – habilitação Pintura pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), com Licenciatura em Educação Artística pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS). Realizou as seguintes exposições individuais: Desenhos Esquemáticos, Presentes de Olhar, Otá ou Quando a pedra não sabe que é estátua. Foi ganhador do 1º Prêmio de Arte Contemporânea da Aliança Francesa de Porto Alegre (AFPoa).

36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão no MAM, São Paulo

36ª edição do Panorama da Arte Brasileira promete redefinir o conceito de "sertão"

Exposição bianual do MAM São Paulo acontecerá de 17/08 a 15/11, com curadoria de Júlia Rebouças

No segundo semestre, entre 17/08 e 15/11, o MAM São Paulo realizará, com o patrocínio máster de Água AMA e Bradesco e o patrocínio da Movida Aluguel de Carros, a nova edição do Panorama da Arte Brasileira. "Sertão" é o título e o conceito proposto pela curadora Júlia Rebouças para articular o 36º Panorama, do qual participarão 29 artistas e coletivos, e que tem assistência curatorial de Maria Catarina Duncan. Após um extenso processo de pesquisa e viagens por diversas regiões do Brasil, incluindo cidades como Cachoeira (BA), Recife (PE), Brasília (DF), Florianópolis (SC), São Paulo e a região do Cariri cearense, a curadora convidou artistas que se relacionam com o conceito, entendendo a própria arte como “sertão” – em sua instância de experimentação e resistência –, contestando, portanto, o viés restritivamente geográfico facilmente associado à palavra. Sertão é apresentado nesta exposição como um modo de pensar e de agir, que tem a criação artística como um de seus importantes aspectos definidores.

“Não há empreendimento, monumento ou manifestação que consiga simbolizar inteiramente sertão. Há sempre uma condição-sertão que funda outra existência e que não se deixa confinar. Se o imaginário de um certo senso comum trata sertão como vazio, aridez, aspereza ou indigência, a ele confrontam-se as acepções de vitalidade, força, resistência, experimentação e criação, gestadas a partir de uma ordem de saberes e práticas que desafia o projeto colonial em suas reiteradas tentativas de submissão. De forma alusiva, sertão refere-se a um só tempo à arte e ao estado da arte”, explica Júlia.

A necessidade de reelaborar a história brasileira, uma repactuação social, espiritualidade, identidade de gênero, lutas antirracistas e a relação com o meio ambiente são algumas das questões que aparecem nas instalações, fotografias, pinturas, vídeos, esculturas e projetos deste Panorama. Os artistas selecionados estão em início ou meio de carreira, com produções que apontam para territórios especulativos que dão sentido à ideia de sertão, além de artistas com trajetórias mais extensas, que apresentam obras que merecem ser revisitadas à luz dos debates propostos.

36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão

Estratégias de criação não hegemônicas e novas tecnologias sociais aparecem em diversos trabalhos que serão encontrados na exposição. Ana Lira é um exemplo, com sua produção de fotografias e publicações que tratam de processos de construção coletiva. No projeto que desenvolve para Sertão, acompanha o trabalho de agricultores e agricultoras experimentadores do semiárido nordestino. Raquel Versieux, artista e professora radicada no Crato (CE), propõe encontros de saberes tradicionais em dinâmicas realizadas na região do Cariri. Maxim Malhado, artista baiano, apresenta esculturas que se relacionam com tecnologias de construção popular. Gabi Bresola e Mariana Berta discutem as possibilidades de relacionar o campo da arte com outras atividades humanas e matrizes de conhecimento, como a agricultura.

Ana Vaz, em sua filmografia, questiona territórios e geografias a partir do encontro entre ficção e história. Para Sertão, Mabe Bethônico, que costumeiramente trabalha com arquivos e documentos históricos, propõe um debate sobre as cercas como conceito e estrutura político-culturais. O Coletivo Fulni-ô do Cinema fala da luta constante pela resistência do povo fulni–ô em seu território de origem, no semiárido pernambucano. Santídio Pereira, por meio de xilogravuras de grande dimensão, retrata espécies nativas da caatinga, recriando imaginários.

A vertigem da vida contemporânea aparece nas pinturas e instalações de Regina Parra, enquanto o artista Daniel Albuquerque recorre a obras tridimensionais para se referir ao corpo humano e seus rituais de prazer e de intimidade. Paul Setúbal reflete sobre a arqueologia da violência, tensionando a relação de objetos de poder com o corpo. O artista Raphael Escobar, que desde 2009 atua com educação não formal em contextos de vulnerabilidade social, como a Fundação Casa, Projeto Quixote e a organização Craco Resiste, em seu trabalho questiona narrativas que criam apagamento e estigmatização dos grupos atingidos. Já Vânia Medeiros, ao tomar cadernos de desenhos como instrumentos de mediação, convida trabalhadores da construção civil e prostitutas a retratar suas realidades de vida e trabalho, refletindo sobre elas.

A obra de Gê Viana parte de populações segregadas historicamente, como indígenas, mulheres e pessoas LGBT, criando novas escrituras políticas por meio de fotoperformances e colagens. Vulcânica PokaRopa, artista e pesquisadora, constitui um arquivo que debate a invisibilidade de pessoas trans, travestis e não-binárias em espaços institucionais, ao passo em que Rosa Luz, artista travesti que transita entre a música e as artes visuais, trata dos enfrentamentos sociais dos corpos dissidentes. Mariana de Matos faz a poesia encontrar as artes visuais para discutir a necessidade de desestabilizar narrativas hegemônicas, enquanto Randolpho Lamonier especula sobre modos de vida que produzem exclusão e as insurgências cotidianas. Maxwell Alexandre problematiza o conceito de “patrimônio” e chama atenção para práticas experimentais que desafiam circuitos estabelecidos.

Antonio Obá, por sua vez, discute sobre a identidade negra e a violência impetrada pelo racismo estrutural, em pinturas, esculturas e instalações. Dalton Paula acessa a história brasileira para reinscrever narrativas sobre a presença negra e sua cultura, que foram apagadas dos registros oficiais. Ana Pi, coreógrafa, trata em sua obra das memórias da diáspora negra, que são repercutidas em gestos e corpos que dançam. Desali, artista da periferia da cidade de Contagem, na região metropolitana de Belo Horizonte, apresenta um conjunto de pinturas e fotografias desenvolvidas há mais de dez anos, que retratam seu cotidiano.

Gervane de Paula usa o humor crítico para debater injustiças sociais e ambientais. Lise Lobato, artista paraense, parte da cultura marajoara para falar de civilizações amazônicas, ao passo em que Luciana Magno, também de Belém, discute a capacidade de resiliência da natureza diante das investidas de projetos infraestruturais danosos. O ambiente natural em conflito com projetos de vida global e urbanidade aparece em obras como a de Michel Zózimo, que desenvolve desenhos e esculturas sobre a relação entre cultura e natureza. Os trabalhos de Cristiano Lenhardt também acontecem por meio de diferentes observações do entorno, usando suportes como vídeos, instalações, fotografias, desenhos e gravuras. Por meio de sua prática, o artista incorpora o mistério e diferentes cosmovisões em suas obras.

O Panorama conta ainda com a participação de coletivos como a Rádio Yandê, rádio inteiramente indígena produzida desde 2013, com uma programação que tem como objetivo atuar na informação de populações indígenas, além de contribuir para a formação de não-indígenas. Este é um importante canal também para a difusão da produção musical e cultural contemporânea de diversos povos indígenas, o que inclui uma vasta gama de artistas de hip-hop.

Arquitetura e identidade visual

Para desenvolver a expografia da mostra, Júlia Rebouças convidou o estúdio Risco, que apresentou um projeto que toma como base a ideia de uma paisagem topográfica, em que convivem múltiplas manifestações. Ao invés de segmentar as salas de exposição, em salas ou corredores, os arquitetos Tiago Guimarães, Humberto Pio e Marcelo Dacosta criaram uma estrutura que “brota do chão” e que propõe um uso inteiramente novo para os painéis cenográficos disponíveis no MAM: por meio de sobreposições e empilhamentos horizontais são criados módulos de diferentes alturas, que têm as superfícies externas tomadas pelas obras.

O design do 36º Panorama, por sua vez, está a cargo de Elaine Ramos, que desenvolveu uma identidade visual mutante, a partir da reelaboração de códigos, tipografias e escrituras que evocam “sertão” como um modo de enunciar sempre em transformação.

Artistas que integram o 36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão

1- Ana Lira (Caruaru - PE, 1977. Vive no Recife)
2- Ana Pi (Belo Horizonte, 1986. Vive em Paris)
3- Ana Vaz (Brasília, 1986. Vive em Lisboa e em Paris)
4- Antonio Obá (Ceilândia - DF, 1983. Vive em Brasília)
5- Coletivo Fulni-ô de Cinema (Águas Belas - PE)
6- Cristiano Lenhardt (Itaara - RS, 1974. Vive em São Lourenço da Mata - PE)
7- Dalton Paula (Brasília, 1982. Vive em Goiânia)
8- Daniel Albuquerque (Rio de Janeiro, 1983. Vive no Rio de Janeiro)
9- Desali (Contagem - MG, 1983. Vive em Contagem - MG)
10- Gabi Bresola & Mariana Berta (Joaçaba - SC, 1992 / Peritiba - SC, 1990. Vivem em Florianópolis)
11- Gê Viana (Santa Luzia - MA, 1986. Vive em São Luís)
12- Gervane de Paula (Cuiabá, 1961. Vive em Cuiabá)
13- Lise Lobato (Belém, 1963. Vive em Belém)
14- Luciana Magno (Belém, 1987. Vive em São Paulo)
15- Mabe Bethônico (Belo Horizonte, 1966. Vive em Genebra e Belo Horizonte)
16- Mariana de Matos (Governador Valadares - MG, 1987. Vive no Recife)
17- Maxim Malhado (Ibicaraí - BA, 1967. Vive em Massarandupió - BA)
18- Maxwell Alexandre (Rio de Janeiro, 1990. Vive no Rio de Janeiro)
19- Michel Zózimo (Santa Maria - RS, 1977. Vive em Porto Alegre)
20- Paul Setúbal (Aparecida de Goiânia - GO, 1987. Vive em São Paulo)
21- Radio Yandê (Rio de Janeiro, 2013)
22- Randolpho Lamonier (Contagem - MG, 1988. Vive em Belo Horizonte)
23- Raphael Escobar (São Paulo, 1987. Vive em São Paulo)
24- Raquel Versieux (Belo Horizonte, 1984. Vive no Crato - CE)
25- Regina Parra (São Paulo, 1984. Vive em São Paulo)
26- Rosa Luz (Gama - DF, 1995. Vive em São Paulo)
27- Santídio Pereira (Curral Comprido - PI, 1996. Vive em São Paulo)
28- Vânia Medeiros (Salvador, 1984. Vive em São Paulo)
29- Vulcânica PokaRopa (Presidente Bernardes - SP, 1993. Vive em Florianópolis)

50 anos de Panorama

O Panorama da Arte Brasileira teve sua primeira edição em 1969 e foi idealizado como forma de o museu recompor seu acervo e voltar a participar ativamente do circuito artístico contemporâneo. A princípio evento anual, o Panorama passou a ser realizado a cada dois anos a partir de 1995, contando até o momento 35 edições.

Parcerias

O 36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão procurou ampliar seu tempo e espaço de atuação por meio de parcerias estratégicas: com a Festa Literária Internacional de Paraty, serão promovidas duas mesas de debate convidando um participante da Flip e um participante do Panorama, com a mediação de Júlia Rebouças e Fernanda Diamant, curadora da 17ª edição da Flip; com o Auditório Ibirapuera, vizinho do museu, foi organizada uma programação musical a partir dos conceitos trabalhados no Panorama para o dia 18/08, dia seguinte à abertura no MAM; e, com a Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo, novos debates acontecerão em setembro e outubro, promovendo o encontro entre artistas, psicanalistas e o público.

Irmãos Campana na loja mam

O estúdio Campana, dos irmãos Fernando e Humberto Campana, que celebra em 2019 seus 35 anos de trabalho, ficará a cargo da curadoria da loja mam durante o período do Panorama, com o patrocínio do Iguatemi São Paulo. O trabalho dos Campana incorpora a ideia da transformação, reinvenção e integração entre o artesanato e a produção em massa, oferecendo um design com identidade própria, mixando a individualidade dos materiais à preciosidade das características comuns no cotidiano brasileiro, como as cores, as misturas, o caos criativo. A partir do olhar único dos irmãos Campana, que contam com um extenso trabalho de pesquisa da cultura vernacular nordestina presente em suas coleções, os visitantes poderão vivenciar um novo espaço da loja mam e encontrar peças cuidadosamente selecionadas que trabalham com o conceito expandido de sertão.

AMA: levando água potável ao semiárido brasileiro

Colocar o sertão em foco possibilitou que o 36º Panorama da Arte Brasileira firmasse parcerias com propósitos que vão muito além do simples apoio financeiro. Um dos patrocinadores, a Água AMA, água mineral da Cervejaria Ambev, tem 100% de seu lucro revertido para projetos de acesso à água potável no semiárido brasileiro. A mostra é uma oportunidade para que o público conheça um produto que, aos poucos, está ajudando a transformar a realidade de muitos brasileiros vivendo no semiárido – clima presente em regiões comumente associadas ao tradicional imaginário de sertão. Já são mais de 26 mil pessoas beneficiadas pelos projetos que AMA financia, em todos os nove estados que compõem o semiárido no Brasil. Este ano, a marca atingiu R$ 4 milhões de lucro, recurso integralmente revertido para iniciativas de acesso à água potável. Iniciativas como o patrocínio ao Panorama da Arte Brasileira permitirão um crescimento ainda maior desses números.

Apoio ao Panorama e ao público de fora de São Paulo

A agência de viagens Flytour, além de ter se tornado agência apoiadora do Panorama, habilitou para o MAM um portal em que os interessados em adquirir passagens e pacotes de hospedagem para viajar a São Paulo e conferir pessoalmente o 36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão contarão com descontos especiais.

Equipe do 36º Panorama da Arte Brasileira: Sertão

Curadoria – Júlia Rebouças (Aracaju, 1984. Vive entre Belo Horizonte e São Paulo) curadora, pesquisadora e crítica de arte. É curadora do 36o Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna – SP, em 2019. No mesmo ano, realiza a curadoria de Entrevendo, mostra antológica de Cildo Meireles, a ser inaugurada no Sesc Pompeia – SP, em setembro. Foi co-curadora da 32a Bienal de São Paulo, Incerteza Viva (2016). De 2007 a 2015, trabalhou na curadoria do Instituto Inhotim, Minas Gerais. Colaborou com a Associação Cultural Videobrasil, integrando a comissão curadora dos 18o e 19o Festivais Internacionais de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil, em São Paulo. Foi curadora adjunta da 9a Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, em 2013. Realiza diversos projetos curatoriais independentes, dentre os quais destacamos a exposição Entrementes, da artista Valeska Soares, na Estação Pinacoteca, São Paulo, de agosto a outubro de 2018, a mostra MitoMotim, no Galpão VB, São Paulo, de abril a julho de 2018 e Zona de instabilidade, com obras da artista Lais Myrrha, na Caixa Cultural, São Paulo, em 2013. Graduou-se em Comunicação Social/ Jornalismo pela Universidade Federal de Pernambuco (2006). É Mestre e Doutora pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade Federal de Minas Gerais.

Assistência curatorial – Catarina Duncan (Rio de Janeiro, 1993. Vive em São Paulo) curadora e programadora cultural. Formada em Culturas Visuais e História da Arte pela Goldsmiths College, University of London (2010 - 2014), foi assistente curatorial da 32a Bienal de São Paulo (2015 - 2016), do ‘Pivô Arte e Pesquisa’ (2014-2015) e das exposições ‘Terra Comunal Marina Abramovic’ no Sesc Pompeia (2014), entre outros. Coordenou a programação pública da obra ‘Cura Bra Cura Té’ de Ernesto Neto na Pinacoteca (2019). Participou de diversas residências artísticas, entre elas a 'Residents Art Dubai' (2019) com curadoria de Fernanda Brenner, e ‘Lastro’, na Bolívia e Guatemala (2015-2017), ao lado da curadora Beatriz Lemos. Assinou a curadoria das exposições '⦿' na Galeria Leme (2018), 'Somos Muitxs' no Solar dos Abacaxis (2018), 'Oráculo Piedoso' de Martin Lanezan na Galeria Sancovsky (2018), ‘Travessias Ocultas – Lastro Bolivia’ no Sesc Bom Retiro (2018), Fio Corpo Terra' no espaço Saracura (2017). Integrou o coletivo TerreyroCoreográfico (2015 - 2016). Atua como representante do programa COINCIDENCA da fundação suíça para cultura Pro Helvetia no Brasil.

Arquitetura – Estudio Risco. Inaugurado em 2007, o estúdio Risco é um coletivo formado por artistas de trajetórias variadas e interesses múltiplos. Presta serviços de arquitetura, cenografia, expografia, desenho de produto, desenho gráfico e videografia. Hoje é formado por Humberto Pio, Juliana Amaral, Marcelo Dacosta e Tiago Guimarães. Nos últimos quatro anos, desenvolveu o desenho de mostras de arte como: “O que os Olhos Alcançam - Cristiano Mascaro” (Sesc Pinheiros, 2019), “Arte-Veículo (Sesc Pompeia, 2018)”, “Estou Cá” (Sesc Belenzinho, 2016-7), “Sempre Algo Entre Nós” (Sesc Belenzinho, 2016), “Potlatch: Trocas de Arte” (Sesc Belenzinho, 2016), “Provocar Urbanos” (Sesc Vila Mariana, 2016), “Arno Rafael Minkkinen: O corpo como evidência” (Sesc Jundiaí e Sesc Vila Mariana, 2016) e VI Mostra de 3M de Arte Digital (Fundição Progresso, Rio de Janeiro, 2015).

Design – Elaine Ramos (São Paulo, 1974) é designer atuante na área cultural e sócia da editora paulistana Ubu. Foi, por 11 anos, diretora de arte da editora Cosac Naify, onde também coordenou a edição dos títulos sobre design. É co-organizadora da Linha do tempo do design gráfico no Brasil, foi co-curadora da exposição Cidade Gráfica, no Itaú Cultural em São Paulo e é membro da Alliance Graphique Internationale (AGI).

Flavio de Carvalho na Almeida e Dale, São Paulo

Obra multidisciplinar de Flávio de Carvalho ganha exposição individual na Galeria Almeida e Dale

Mostra reúne registros das polêmicas performances do artista, além de pinturas e desenhos produzidos entre 1930 e 1970

Uma das mais importantes referências da vanguarda brasileira do Séc. XX, a extensa obra do artista Flávio de Carvalho (1899-1973) estará em exposição, de 17 de agosto a 19 de outubro, na Galeria Almeida e Dale, em São Paulo. Com curadoria de Kiki Mazzucchelli, O antropófago ideal foi originalmente apresentada na Sotheby’s S2 Gallery, em Londres, em abril deste ano, sendo a primeira exposição individual dedicada a Flávio de Carvalho no Reino Unido, país onde viveu de 1914 a 1922.

A seleção de obras oferece um panorama esclarecedor da trajetória multidisciplinar de Flávio de Carvalho, cobrindo cinco décadas de sua produção. Cerca de cinquenta trabalhos, entre desenhos, pinturas, ilustrações, materiais de arquivo e documentação dos projetos imateriais do artista, representam sua diversidade de meios de expressão e sua inestimável contribuição para a ampliação das possibilidades do fazer artístico.

Entre os destaques, está o conjunto de retratos de alguns nomes significativos que acompanharam Carvalho em sua trajetória artística, formado por pinturas e desenhos cujas linhas expressivas que visam a capturar o estado psicológico de seus modelos. Também chamam atenção os projetos arquitetônicos apresentados pelo artista em concursos nacionais e internacionais. Considerado um dos pioneiros da arquitetura moderna no Brasil, Carvalho, em seus projetos, combinava uma linguagem futurística a elementos alegóricos e decorativos, evidenciando seu interesse por temas ligados à etnologia, à psicanálise e à antropofagia.

“Flávio de Carvalho é uma das figuras mais interessantes da vanguarda brasileira do século XX. Seus projetos de cunho conceitual atestam seu extraordinário feito de expandir o campo da arte para além de territórios e formas conhecidos, ampliando assim a própria definição daquilo que pode ser considerado arte”, comenta Kiki.

New Look

Em 1931, Flávio de Carvalho realiza sua primeira intervenção no espaço público; a Experiência n.2, na qual caminhou contra o fluxo de uma procissão de Corpus Christi nas ruas do centro de São Paulo, o que, talvez, seja o primeiro registro de uma performance no Brasil.

Em 1956, quase aos 60 anos de idade, o artista desfilou pelas ruas de São Paulo vestindo um blusão bufante, uma saia plissada e sandálias, um traje projetado, segundo ele, para servir como alternativa ao padrão do terno e gravata e libertar o homem tropical do desconforto causado por estilos de moda importados da Europa. Acompanhado por uma extensa cobertura de imprensa organizada por ele próprio e que pode ser observada em algumas das fotografias presentes nesta exposição, Flávio de Carvalho batizou a obra de New Look (Experiência n.3). As vantagens funcionais da vestimenta foram impressas em um anúncio criado pelo artista, trazendo afirmações mais razoáveis como sua capacidade de minimizar a transpiração excessiva até alegações mais inverossímeis, como sua virtude de evitar guerras devido ao uso de “cores vivas (que) substituem desejos de agressão”.

Segundo a curadora KiKi Mazzucchelli, “a obra é um projeto exemplar de Carvalho, na medida em que combina o experimentalismo utópico a uma abordagem calcada no racionalismo, metodologia que utilizou em várias ocasiões para desmistificar as crenças e convenções dominantes.”.

O “revolucionário romântico” ou o “antropófago ideal”

Cunhado por Le Corbusier após um encontro com Carvalho em 1929, para definir sua prática artística visionária e multimodal, o primeiro termo é o mais usado por críticos, mas, talvez, seja insuficiente para capturar o caráter idealista e inventivo do conjunto de sua obra. A segunda definição, supostamente creditada a Oswald de Andrade, autor do reconhecido “Manifesto Antropofágico” (1928), pode revelar mais sobre sua prática.

Segundo o biógrafo J. Toledo, em Flávio de Carvalho: o comedor de emoções, Oswald de Andrade assim o exaltou em 1930, à época do IV Congresso Panamericano de Arquitetura, no Rio de Janeiro. Na ocasião, Flávio de Carvalho apresentou um ensaio intitulado A cidade do homem nu, seu plano diretor para uma nova metrópole nos trópicos que seria destituída de Deus, propriedade e casamento, numa proposição extremamente ousada em um contexto cultural ultraconservador.

Flávio de Carvalho

Pintor, escultor, arquiteto, cenógrafo, designer, jornalista, escritor e dramaturgo, Flávio de Carvalho nasceu no Rio de Janeiro, em 1899. Reconhecido por investigações de vanguarda na arte performática, Carvalho usou seus muitos talentos e formas excêntricas e irreverentes de expressão para chocar a burguesia. Inovou ao adotar novas mídias, destacando-se por suas inovações no campo do teatro e suas performances artísticas, abrindo caminho para as novas tendências que se desenvolveram no Brasil a partir dos anos 1960.

Aclamado na Europa Ocidental, na URSS e nos Estados Unidos, seus retratos expressionistas de personalidades estão em acervos de importantes museus em Nova York, Paris, Roma, Moscou, além de São Paulo e Rio de Janeiro. Apesar de ter recebido atenção significativa da mídia ao longo de sua carreira, a obra de Carvalho constantemente se chocou com o conservadorismo dominante, em uma época em que não havia museus dedicados à arte moderna no país (o primeiro deles, o MASP, foi fundado apenas em 1947). Assim, materiais de arquivo e de documentação relevantes para a reconstrução de sua trajetória artística acabaram sendo dispersados em diferentes coleções públicas e privadas. A exposição apresentada na Almeida & Dale visa contribuir para a contextualização e reavaliação da obra de Flávio de Carvalho, e será acompanhada de um catálogo contendo textos inéditos que abordam temas significativos para uma melhor compreensão de seu papel fundamental na historiografia da arte brasileira.

Somos muit+s: experimentos sobre coletividade na Pinacoteca, São Paulo

Mostra na Pinacoteca investiga a arte como prática coletiva

Experiências artísticas concebidas por Hélio Oiticica, Maurício Ianês, Mônica Nador e Jamac, Rirkrit Tiravanija, Tania Bruguera, Vivian Caccuri e o Coletivo Legítima Defesa são apresentadas em diálogo com a produção do alemão Joseph Beuys

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, apresenta, de 10 de agosto a 28 de outubro de 2019, a exposição coletiva Somos muit+s: experimentos sobre coletividade, que investiga a prática artística como exercício coletivo. Com curadoria de Amanda Arantes, Fernanda Pitta e Jochen Volz, a mostra apresenta experiências artísticas pensadas enquanto diálogos, diretos ou indiretos, com a produção de Joseph Beuys, um dos mais importantes e ativos artistas da segunda metade do século 20. Além dele, participam outros sete artistas/coletivos nacionais e internacionais: Hélio Oiticica, Maurício Ianês, Mônica Nador e Jamac, Coletivo Legítima Defesa, Rirkrit Tiravanija, Tania Bruguera e Vivian Caccuri.

Joseph Beuys (Krefeld, Alemanha, 1921 – Düsseldorf, Alemanha, 1986) cunhou o conceito de escultura social, com o qual defendia o entendimento de toda e qualquer atividade humana como prática artística capaz de estruturar e transformar seu próprio meio. O escultor social é, então, aquele que, valendo-se da linguagem, dos pensamentos, das ações e objetos, cria novas estruturas na sociedade. Para ele, a sociedade é a matéria-prima de sua obra, tal qual a pedra, a madeira ou a argila seriam para o escultor. Mergulhando nessa temática, a exposição articula um grupo de artistas cujas pesquisas têm se direcionado para a criação de espaços propícios à imaginação de novas formas de sociabilidade e modos de vida, tal como Beuys formulou.

Como eixo central da mostra, a curadoria apresenta um conjunto de obras de Beuys — incluindo vídeos, desenhos e colagens — com destaque para a instalação Honigpumpe am Arbeitsplatz [Bomba de mel no local de trabalho], 1974-1977, proveniente do Louisiana Museum of Modern Art, da Dinamarca, e que foi apresentada na documenta 6, em Kassel, Alemanha, em 1977. Durante aquela mostra, o artista instalou tubos ao redor da escada e corredores do Fridericianum (edifício principal do evento), através dos quais 150 quilos de mel fluíam com a ajuda de uma bomba motorizada. Apresentando o mel como símbolo do produto do trabalho coletivo e seu estado circulante como referência ao fluxo do organismo humano e à sociedade, a obra atuava como lugar de encontro para as atividades da Universidade Livre Internacional, escola alternativa de cooperação, fundada pelo artista em 1973. A obra é considerada, hoje, uma das mais proeminentes do artista alemão, tendo antecipado discussões em torno de criatividade, economia e democracia.

A compreensão da arte como prática coletiva que dissolve a autoria individual também se coloca na exposição. “A máxima ‘todo mundo é um artista´, talvez uma das mais conhecidas de Beuys, explicita a renúncia à unicidade da obra de arte correspondente à noção restritiva de autoria, mas também reivindica a compreensão de que a coletividade é capaz de reunir e potencializar a vontade e a capacidade criativa de diferentes indivíduos”, explica a curadora Amanda Arantes. Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 1937-1980) foi um dos principais artistas que se colocaram a experimentar essa noção, ao tornar o público participante e não mais espectador.

A obra Apropriação (Mesa de bilhar, d’après “O café noturno de Van Gogh”), de 1966, de sua autoria e exibida pela primeira vez na mostra coletiva Opinião 66, no MAM-Rio, é exposta agora, após quinze anos desde sua apresentação em São Paulo. Por meio dela, o artista introduz a ideia da arte como um jogo: “Todos, inclusive eu, descobrem o jogo, ou seja, o elemento ‘prazer’ do jogo. Isto sim, é importante: a obra é prazer, e como tal só pode ser livre (joga-se quando quer, ou se se sabem as regras do jogo, etc.). A participação não é a ‘da vida real’, como sói pensar, mas uma participação livre no prazer que é aqui realizada pela proposta de um jogo, talvez o mais interessante e mais clássico que exista (dos de ‘salão’)”, declarou ele certa vez sobre a obra em questão.

Para o curador Jochen Volz, “ao traçar o potencial das estratégias de Beuys e Oiticica e o legado de sua obra para a arte contemporânea, é possível perceber como sua linguagem, seu campo de ação para além dos espaços artísticos convencionais, como galerias e museus, suas teorias e ferramentas artísticas específicas tornaram-se importantes para as gerações seguintes de profissionais das artes. A presente exposição reúne uma constelação singular, mas que é uma entre as muitas constelações possíveis de artistas que, de forma consciente, relacionam-se com e ampliam as ideias de coletividade, de criação artística e do papel do artista como agente de mudanças”.

A dissolução da autoria individual também permeia a prática de Mônica Nador (Ribeirão Preto, SP, 1955) que, desde 2004, vem operando o Jamac – Jardim Miriam Arte Clube, um projeto dedicado a desenvolver soluções criativas para problemas culturais, com o auxílio dos moradores da zona sul de São Paulo. Especialmente para a exposição, a artista associou-se ao Projeto Educativo Extramuros, desenvolvido pelo NAE – Núcleo de Ação Educativa da Pinacoteca, em que seus participantes criarão composições a partir de suas próprias histórias, que darão origem a murais coletivos, estandartes e outras peças que comporão a exposição.

Maurício Ianês (Santos, SP, 1973), cujo trabalho performático é dos mais relevantes hoje no Brasil, apresenta Ágora, que propõe a construção coletiva de um espaço de diálogo e reflexão. O artista passará seus dias no espaço expositivo recebendo os visitantes para um café, uma conversa, a criação de um desenho etc. Usando seu próprio corpo e individualidade como matéria-prima, Ianês inverte, dessa forma, a equação de Beuys e oferece ao público a oportunidade de moldar conjuntamente novas estruturas de troca e relação.

Já Vivian Caccuri (São Paulo, SP, 1986) utiliza-se do som como ponto de partida para explorar a percepção e temas de natureza histórica, cultural e social. Por meio de objetos, instalações e performances, seu trabalho abre espaço para desfazer significados, narrativas e convenções aparentemente tão fixas quanto nossa própria estrutura cognitiva. Para a presente exposição, a artista partiu do instrumento musical e da forma triangular para criar a instalação sonora inédita Ode ao triângulo, apresentada como uma espécie de memorial, composta de elementos – parte deles pertencentes à Pinacoteca – ligados à música, à espiritualidade e, sobretudo, aos aspectos ritualísticos e coletivos da arte, que será ativada por performances musicais ao longo da exposição.

Um palco aberto, baseado na estrutura espiral Raumbühne [espaço de palco], termo definido pelo arquiteto e teórico Friedrich Kiesler, é o que propõe o artista tailandês Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, Argentina, 1961). Conhecido por trabalhos que requerem situações de troca social em espaços comuns, Tiravanija agora se apropria desse alicerce pensado para uma experiência teatral performática, que ficará à disposição para a livre utilização dos visitantes. Ali eles poderão se expressar, trazendo suas habilidades, talentos e vontades, seja em formato de oficinas e apresentações de dança e teatro, ou declamações de poesia e aulas de ioga. A obra receberá também as performances imersivas do grupo Coletivo Legítima Defesa, realizadas em parceria com o músico sul-africano Neo Muyanga e o curador brasileiro Thiago de Paula.

Beuys compreendeu também a produção artística como prática educativa, tendo afirmado uma vez que sua “maior obra de arte era ser professor”. “Além de aludir ao aspecto performático inerente a toda atividade docente, com essa afirmação o artista enfatiza a noção do artista como agente que propõe a expansão e o enriquecimento da esfera social”, comenta a curadora Fernanda Pitta. Relacionando-se a esse aspecto pedagógico de seu legado, Tania Bruguera (Havana, Cuba, 1968) investiga minuciosamente o propósito e as consequências da arte e desenvolve uma prática diversa, que ela denomina, em sua própria terminologia, ‘arte de conduta’ ou ‘arte de comportamento’ e ‘arte útil’.

Ela propõe, assim, a Escola de Arte Útil, que consiste em uma série de aulas a serem ministradas dentro do espaço expositivo até o encerramento da mostra, voltadas para a discussão desse conceito e das práticas a ele relacionadas. As aulas serão coordenadas pelo artista Fábio Tremonte e contarão com a participação de artistas, professores e especialistas, além de parcerias com universidades locais. O projeto visa debater o potencial da arte de mudar perspectivas e de alavancar o desenvolvimento e a mudança social, política e cultural.

Somos muit+s: experimentos sobre coletividade, portanto, propõe ao público conhecer ou revisitar múltiplos experimentos sobre coletividade para além dos limites físicos do museu. No ano em que a instituição prepara sua expansão para o novo edifício da Pinacoteca Contemporânea, a coletiva incorpora a intenção da Pinacoteca de pensar sua própria inscrição e papel enquanto agente transformador no bairro e na cidade.

CATÁLOGO

Somos muit+s: experimentos sobre coletividade é acompanhada de um catálogo ilustrado com imagens históricas e representativas das obras, introdução do diretor geral da Pinacoteca e cocurador da mostra Jochen Volz e texto da curadora Amanda Arantes. Inclui também ensaios assinados pelos pesquisadores Fred Coelho e Marcelo Campos, trechos do texto de Arnd Wedemeyer, escrito por ocasião da documenta 6, e biografias dos artistas. Apresenta ainda textos assinados por alguns dos artistas participantes: Hélio Oiticica, Joseph Beuys e Tania Bruguera, sendo os dois últimos publicados pela primeira vez em português. Português e inglês.

Leilão Abact 2019 na Casa de Cultura do Parque, São Paulo

Associação Brasileira de Arte Contemporânea promove Leilão ABACT 2019, com as 30 obras doadas pelas galerias, em exposição a partir das 11h, no dia 10 de agosto.

13 de agosto de 2019, terça-feira, 20h30

Casa de Cultura do Parque
Av. Professor Fonseca Rodrigues 1300, Alto de Pinheiros, São Paulo
Visitação: 10 a 13 de agosto
Quarta a sexta, das 11h às 19h; sábado e domingo, das 10h às 18h

A Associação Brasileira de Arte Contemporânea – ABACT promove leilão de arte no dia 13 de agosto, terça-feira, às 20h30 na Casa de Cultura do Parque, reunindo 30 obras em diversos suportes, doadas por 29 galerias associadas. O Leilão ABACT 2019 será conduzido pelo leiloeiro Aloisio Cravo e sua exposição tem início no dia 10 de agosto, sábado, com a realização de uma mesa-redonda sobre várias formas de colecionismo de arte com Jessica Cinel e Juliana Sá, com mediação do professor, pesquisador e colecionador Miguel Chaia.

“O Leilão ABACT 2019 se soma a um conjunto maior de ações da associação para o custeio e o fortalecimento de sua missão na promoção da arte contemporânea brasileira tanto no Brasil quanto no exterior”, declara Luciana Brito (Luciana Brito Galeria), presidente da associação que reúne 46 galerias de arte em 7 estados brasileiros e no Distrito Federal.

Conheça a lista de obras disponíveis

Exposição das obras leiloadas
Abertura: sábado, 10 de agosto, às 11 horas, com Mesa-redonda sobre colecionismo
Convidados: Jessica Cinel e Juliana Sá, com mediação de Miguel Chaia
Visitação: 10 a 13 de agosto

Artistas participantes
Ana Mazzei, Bruno Vilela, Caio Reisewitz, Chiara Banfi, Dalton Paula, Daniel Senise, Denise Milan, Eduardo Haesbaert, Fabiano al Makul, Feco Hamburger, Frantz, Galeno, Heleno Bernardi, Isabelle Borges, Judith Lauand, Lais Myrrha, Laura Lima, Luiz Zerbini, Mano Penalva, Nelson Leirner, Pedro Varela, Roberto Burle Marx, Rodrigo Sassi, Santídio Pereira, Sergio Lucena, Silvia Mecozzi, Tatiana Stropp, Thomas Schönauer, Vanderlei Lopes e Vânia Mignone.

Galerias associadas participantes
Anita Schwartz Galeria de Arte, Galeria Athena, Galeria Berenice Arvani, Bergamin & Gomide, Galeria Bolsa de Arte, Carbono Galeria, Casa Triângulo, Central Galeria, Dan Galeria, Galeria Eduardo Fernandes, Galeria Estação, Fortes D’Aloia & Gabriel, Janaina Torres Galeria, Galeria Jaqueline Martins, Galeria Karla Osorio, Galeria Kogan Amaro, Luciana Brito Galeria, Galeria Luisa Strina, Galeria Lume, Galeria de Arte Mamute, Galeria Marilia Razuk, Galeria Nara Roesler, Portas Vilaseca Galeria, Galeria Raquel Arnaud, Sé, Silvia Cintra + Box4, Vermelho, Ybakatu e Zipper Galeria.

Parcerias: Embra Arts (Transportadora oficial), Casa de Cultura do Parque, Aloísio Cravo | Arte e Leilões, Chandon, Gocil – segurança e serviços, Affinité, Centrográfica e Tati Parente Bolos Orgânicos

Pedro Motta na galeria Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro

A galeria Silvia Cintra + Box 4 tem o prazer de anunciar Jardim Impostor, mostra individual de Pedro Motta aberta de 15 de agosto a 14 de setembro de 2019. Em sua quarta exposição na galeria – Natureza Concreta (2008), Espaço Confinado (2013), Sobre a Natureza (2016) – Motta apresenta três séries que exploram o conceito de jardim: Jardim Oculto, Erva Daninha e Geração Espontânea. O título da exposição, Jardim Impostor, foi retirado de um dos textos do último livro do autor, Natureza das Coisas, editado pela Ubu Editora, em 2018.

Jardim Oculto (2019) está intrinsecamente relacionado às séries Sumidouro (2016) e Naufrágio Calado (2016-2019) que também abordam a temática de uma situação de falência, de ruína, de algo que se esvai. Neste trabalho, Pedro Motta potencializa seu imaginário para criar um jardim de esculturas, um jardim oculto em uma caverna calcária originária de uma série de processos geológicos de idades remotas. Mimetizadas no interior do Monumento Natural Estadual Peter Lund ¬– Gruta de Maquiné encontram-se esculturas de profetas feitas por Aleijadinho, na virada do século XVIII para o XIX.

A caverna é uma ruína espontânea, esculpida pela água e pelo tempo e, por si só, uma escultura produzida pela ação da natureza. Já os profetas foram esculpidos em pedra-sabão pelas mãos do homem. Neste jardim de esculturas, cultivado, pensado, elaborado pelo artista, duas narrativas distintas, de diferentes tempos e materiais rochosos se entrelaçam. Trata-se de uma paisagem construída, alterada, recriada. Essa narrativa fantástica dá a ver um novo mundo a ser descoberto, uma nova cultura que, de certa forma, também se encontra em situação de falência, como se acumulasse ruínas do passado em tempo e espaço recriados.

Em Erva Daninha (2019), Pedro Motta apresenta uma coleção dinâmica de plantas coletadas de um jardim íntimo e afetivo. Esse herbário fantástico é composto de ervas daninhas, plantas que nascem espontaneamente, muitas vezes indesejáveis e que podem interferir negativamente no espaço estético do jardim, que tende a ser um lugar aprazível, de deleite. Trata-se da catalogação de plantas de lido cotidiano e com estruturas específicas de interesse do artista, fotografadas com uma carga estética pictórica. A metodologia consiste em observar o crescimento e o desenvolvimento das ervas no seu próprio jardim. Posteriormente, o artista colhe essas plantas e monta arranjos florais distintos que são, então, fotografados em estúdio. Em seguida, as plantas são expostas ao tempo, no período de um a três dias, até que percam sua vitalidade. Depois, são refotografadas nas mesmas posições e condições de luz. Por fim, as imagens das plantas vivas e das secas são dispostas em um mesmo espaço, de modo que levem o observador a um jogo de associações, em busca da imagem correspondente.

Já a série Geração Espontânea (2019) parte de uma experiência realizada anteriormente que resultou nos objetos – plantas artificiais, pintadas de preto e expostas em caixas pretas – de Flora Negra (2015-2016). No trabalho atual, Motta também rearranja plantas artificiais, porém verdes, como se estivessem vivas, dentro de espaços confinados, caixas pretas que simulam ambientes carbonizados. Nessas molduras veladas abrem-se frestas por onde escapam diferentes espécies de plantas, fugindo do aprisionamento. Simbolicamente, a força vital da natureza rompe o confinamento, restabelecendo a possibilidade de vida, porém, de forma irregular, improvável, instável. Assim como as ervas daninhas que nascem em qualquer lugar, sem planejamento, essas plantas perfuram as superfícies das molduras, criam fissuras e ganham vida de maneira espontânea e incontrolável. A série dá continuidade à discussão da relação entre as intervenções das ações do homem e da natureza, presente em grande parte da produção do artista.

Pedro Motta (Belo Horizonte, 1977) graduou-se em desenho pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) em 2002. Iniciou sua atividade artística pesquisando as estreitas relações entre cidade e indivíduo. Entre suas principais exposições individuais destacam-se; Jardim Impostor, Galeria Silvia Cintra + Box 4 (Rio de Janeiro), Natureza das Coisas, Centro Cultural Fiesp (São Paulo 2019), Jardim do ócio, Galeria Luisa Strina (São Paulo, 2018), Naufrágio calado, Bendana-Pinel Art Contemparain (Paris, 2018), Estado da natureza, Câmera Sete (Belo Horizonte, 2016), Natureza das coisas, 9º BES Photo, Museu Coleção Berardo (Lisboa, 2013), Reacción natural, Centro de Exposiciones Subte (Montevidéu, 2011), e no 27º Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte/Bolsa Pampulha (Belo Horizonte, 2004). Também esteve em coletivas como Past/Future/Present, Phoenix Art Museum (2017); Feito poeira ao vento – fotografia na Coleção MAR, Museu de Arte do Rio (MAR-RJ) (2017); Les imaginaires d’un monde intranquille; Centre d’Art Contemporain de Meymac (2017); Soulèvements, com curadoria de Georges Didi-Huberman, Jeu de Paume (Paris, 2016); TRIO Bienal, Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro (CCBB RJ, 2015); 18º Festival Internacional de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil – Panoramas do Sul (São Paulo, 2013); 1ª Bienal de Fotografia do Museu de Arte Assis Chateaubriand (Masp, São Paulo, 2013); Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP, 2011); Peso y Levedad, Photoespaña, Instituto Cervantes (Madri, 2011); 2ª Bucharest Biennale (2006); e Fotografia Contemporânea Brasileira, Neue Berliner (2006).

Motta foi contemplado com o 6º Prêmio Marcantonio Vilaça (2017), a Bolsa ICCo/SP-Arte (2015), a residência Flora Ars+Natura (2013), o 9º BES Photo Museu Coleção Berardo (2011), o Prêmio Ibram de Arte Contemporânea (2011) e a Residency Unlimited/Nova York (2011). Seus trabalhos integram acervos de instituições como MAM-SP, MAM-RJ, MAM-BA, MASP, Sesc-SP, MAR-RJ, Museu Coleção Berardo (Lisboa), Centro de Fotografia de La Intendência de Montevideo, Musée d’Art Modern et Contemporain, Liége, Bélgica e Itaú Cultural. Em 2010, lançou o livro Temprano (Funarte), uma retrospectiva de mais de dez anos de percurso.

Stephan Doitschinoff na Janaina Torres, São Paulo

Em diversos suportes, artista revela intensa pesquisa em torno de temas contemporâneos e universais, que abordam desde pós-verdade e consumismo até espiritualidade e religião

Reflexões acerca de temas polêmicos e tão caros ao mundo atual, como colonialismo, democracia, pós-verdade e o papel das plantas psicoativas na sociedade contemporânea conduzem a obra de Stephan Doitschinoff. Autor de uma arte energética, ele estrutura seu trabalho em um sistema de símbolos autorais de narrativa singular, com desenhos, pinturas, esculturas, vídeos e instalações. O artista, agora, abre as portas de seu universo onírico e convida o público a adentrá-las por meio da exposição Estaremos aqui para sempre, individual exibida a partir de 14 de agosto, na Janaina Torres Galeria.

Com curadoria de Daniel Rangel, a mostra reúne um conjunto inédito de trabalhos produzidos por Doitschinoff nos últimos cinco anos. São obras que evidenciam sua intensa pesquisa sobre a sociedade contemporânea a partir de ícones e símbolos autorais e ainda elementos advindos de diversas culturas e religiões, como o catolicismo, a umbanda e o xamanismo. “É uma obra com influências surrealistas, uma escrita visual carregada de informações criptografadas por uma literatura fantástica imagética acerca da contemporaneidade”, pontua o curador, que participará de um bate-papo com o artista no dia 31 de agosto, das 16h às 18h, na Galeria.

Um dos destaques da exposição é a instalação Interventu (2017), obra comissionada por Rachael Thomas, curadora do Museu de Arte Moderna da Irlanda (IMMA), onde o artista foi convidado a fazer uma residência de dois meses. O título e o conceito do trabalho têm origem em uma pesquisa de Stephan em torno da prática votiva e os diversos tipos de ex-votos, objetos oferecidos a santos e divindades em troca de uma graça. O artista utilizou ex-votos originais de Juazeiro do Norte, Ceará, e de outros objetos relativos a esta prática, para criar um grande altar. Parte da instalação que compôs a exposição original poderá ser vista agora no Brasil, na Janaina Torres Galeria. É o caso de Palma Votiva, um ex-voto gigante construído pelo artista a fim de aludir à mão da divindade que desce do céu, abrindo a realidade, pronta para intervir por seus fiéis. A obra é materializada com uma mão suspensa produzida em latão e peças esculpidas por repuxo, fundição, corte e solda. Em sua palma, estão incrustados 18 símbolos recorrentes no trabalho de Doitschinoff, quase todos autorais, como a Foice com Mariposa, o Intestino Coroado e a Escada de Degraus Tortos.

A série de esculturas de ex-votos em parafina compõe a parte inédita desta exposição. Entre as peças, os visitantes poderão ver os livros nos quais foram esculpidas em relevo imagens de psicoativos como o ayahuasca, o cogumelo Psilocibe cubensis, o cactos Peyote (Lophophora williamsii) e a planta Morning Glory (Ipomoea). “Plantas, fungos, extratos vegetais e animais com propriedades psicoativas estão profundamente arraigados às práticas espirituais, medicinais e ritos de passagem de povos nativos que tiveram sua população e sua cultura marginalizada, dando lugar à lei, à cultura e à tradição do conquistador”, pontua Doitschinoff.

A vídeo-performance Marcha ao Cvlto do Fvtvrv (2018), criada para a exposição Above, So Below: Portals, Visions, Spirits & Mystics, comissionada pelo IMMA, conta com a participação especial de Iggor Cavalera (Sepultura, Cavalera Conspiracy, Mixhell), Laima Leyton (Mixhell, Soulwax), Donna McCabe (A Ritual Sea) e da escola de samba dublinense Masamba. O vídeo é parte da série Cvlto do Fvtvrv, obra multimídia no formato de uma “seita-igreja” com muitos dos seus possíveis elementos áudio-visuais: ícones antropomórficos de divindades, manifestações, hinos, publicações, uniformes, medalhas, cartões de identificação, balcão de adesão e voluntariado.

A exposição ainda traz quatro desenhos, como Três Mundos (110cm x 75cm, 2019) e O Homem Apropriado (110cm x 75cm, 2019) e quatro pinturas, com destaque para a tela As Virtudes da Idolatria (230cm x 194cm, 2018), em que corpos e cabelos de figuras humanas formam uma estrutura geométrica, como uma espécie de mandala ou estrela, em alusão ao símbolo do Cvlto do Fvtvrv. A obra traz símbolos, ícones e referências recorrentes no trabalho do artista, como velas e oferendas, que remetem à pesquisa em torno das maneiras através das quais as pessoas procuram se comunicar ou acessar outras dimensões e o mundo espiritual. Outro destaque, Panoptic Wave (230cm x 180cm, 2017), tem composição inspirada na série de símbolos e ícones criados pelo artista para a instalação 3 Planets – Panoptic Wave, desenvolvida em parceria com o educativo do Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Korakrit Arunanondchai na Jaqueline Martins, São Paulo

Em projeto especial, Galeria Jaqueline Martins apresenta instalação do artista tailandês Korakrit Arunanondchai, simultaneamente à sua participação na 58ª Bienal de Veneza. A apresentação é a segunda etapa de um projeto compartilhado com a galeria Carlos/Ishikawa, Londres. No início do mês, a galeria inglesa recebeu uma exposição de Ana Mazzei, artista representada pela Galeria Jaqueline Martins.

Artista visual e cineasta, Korakrit Arunanondchai (Bangkok, 1986) vem ganhando fama internacional ao utilizar-se de diversas mídias para contar histórias que com frequência questionam nossa relação com o hibridismo cultural que tenciona a sociedade contemporânea. Dentro desta pesquisa, o artista desenvolve trabalhos que unem ficção e realidade, oferecendo ao observador instalações e vídeos sinestésicos protagonizados tanto por amigos e familiares do artista, quanto por personagens e mitos do imaginário oriental.

A videoinstalação apresentada na exposição, with history in a room filled with people with funny names 4, trás ao público homenagens e questionamentos ligados ao poder do tempo e da memória humana. Utilizando-se de cenas que combinam documentário e especulação autoral, o artista aborda a crescente contradição entre a subjetividade necessária para contextualizar as imagens que compõe nossa memoria e a racionalidade da tecnologia que criamos para armazena-la. O que acontece com nossas memórias quando são guardadas em máquinas impessoais? Poderiam elas ganhar novas significados, influenciados pela tecnologia que as protege?

Ao longo do vídeo, uma atmosfera de sonho mostra o artista acompanhado por animais e visitando reservas naturais e templos budistas. Apesar de retratados com frequência, espaços religiosos aparecem aqui mais como templos de um suposto falso moralismo do que como casas de salvação. Clipes de recentes manifestações políticas também são mostrados pelo artista. Nestes momentos de tensão, tendemos a retornar aos nossos corpos, à experiência urgente do presente. Todos estes espaços e elementos contribuem para que o vídeo tenha uma temporalidade vaga e incerta, questionando a contagem de tempo rígida e burocrática que compartilhamos como sociedade produtiva.

O trabalho de Arunanondchai participa este ano da 58ª Bienal de Veneza, assim como da Whitney Biennial em Nova York e da Bienal de Singapura. O artista participa também de importantes exposições institucionais na Secession, Viena, e no Hamburger Banhoff, Berlim.

Walter Goldfarb no Midrash, Rio de Janeiro

Walter Goldfarb abrirá individual que marca sua trajetória de 25 anos e celebra uma década de atividades do Midrash Centro Cultural, no Rio

Por ocasião da celebração dos 10 anos do Midrash, o artista Walter Goldfarb foi convidado a expor seu trabalho numa individual, que será aberta no dia 12 de agosto, às 19h. Voltado ao debate e ao ensino de temas relacionados às tradições judaicas, o centro cultural reformista, fundado e dirigido pelo rabino Nilton Bonder, prima pela busca por significados e referências, a partir da literatura, da arte, história, psicologia e política.

Com curadoria de Vanda Klabin, a exposição A menina, a chuva de amoras e outras h(H)istórias ocupará os quatro andares do arrojado edifício no Leblon, que tem projeto premiado do arquiteto Isay Weinfeld. Na fachada do prédio, uma trama composta por letras em hebraico se sobrepõe à alvenaria, formando sempre a palavra “Midrash”, que significa “extrair sentido”.

A exposição

Um rosto alusivo à figura materna é esboçado na lona crua, ao lado de uma mulher e um jovem (apropriado da pintura de Rembrandt) transformados em imagens rendilhadas que remetem a uma certa melancolia. “A menina, a chuva de amoras e outras h(H)istórias” - pintura que dá título à exposição e que levou um ano para ser produzida - homenageia as filhas (Lia e Manuela) e a mãe do artista, Judith Goldfarb, sobrevivente do Holocausto, nascida na Lituânia e transportada aos nove anos de idade com toda a família para o campo de concentração de Stutthof.

As amoras - construídas com botões de galalite vintage sobre um fundo pictórico impressionista, que evoca Monet - aparecem quase despercebidas, como chagas que brotam da epiderme sangrada da figura materna. Um suposto jardim desencarnado que desabrocha em meio à devastação, preso à fibra dos bordados, trazendo à superfície a vibração de um crepúsculo esmaecido e remoto.

Ao formar uma imagem concreta de sua mitologia pessoal e uma ordem constitutiva de sua realidade, Walter Goldfarb nos transmite um fervilhar de imagens em narrativa figurada, que vasculham as profundezas de seu inconsciente. Ele nos confronta com uma familiaridade nada confortável, que traz a turbulência do seu mundo pessoal.

Essas temáticas vieram à tona a partir de interesses específicos que o artista já manifestava em sua pintura e se apresentam como uma extensão natural de sua atuação, complementando e rebatendo as inquietações geradas no embate cotidiano com a tela. Seu trabalho carrega alguns fundamentos da historiografia judaica num diálogo intermitente com o cristianismo e sua atuação circunscreve-se na escritura hebraica e na transmissão da história de seus pais.

Com curadoria de Vanda Klabin, a exposição que seguirá em cartaz até 30 de setembro apresenta 24 obras de diferentes fases, entre pinturas, esculturas, assemblages, serigrafias e uma instalação, que revelam um diálogo constante com a literatura, a música, o teatro e a pintura da Renascença ao Modernismo.

A produção do artista carioca é marcada pelas telas de grandes dimensões e pelas técnicas incomuns. Suas pinturas são construídas a partir de lavagens e raspagens químicas de centenas de bastões de carvão e densas camadas de laca aplicadas na tela através de seringas. As tintas são produzidas no ateliê e diversas técnicas de bordado fazem parte do exercício laborioso de Goldfarb. O repertório de matérias vai desde fragmentos de lápide a miniaturas em ferro de confinadores de gado provenientes de circuitos de trens elétricos.

“A pintura de Walter Goldfarb transformou-se em um campo fértil de pesquisa e inovações, ao instrumentalizar o discurso religioso e os heróis míticos do legado da cultura semita, singularizando as suas experiências biográficas e espaços pessoais transpostos para infinitas estruturas e métricas visuais. Ao adentrar no núcleo de sua poética, percebemos que ela incide no seu caráter híbrido e numa pluralidade de linguagens”, comenta a curadora Vanda Klabin.

“A grandeza e profundidade do trabalho de Walter Goldfarb bastaria, mas somos brindados com uma temática que costura passado e futuro, particular e universal, através da peça matriz que dá título e tom à mostra. Essa chuva de vida a lavar e renovar a História de seus horrores, hoje em tempos intolerantes e sectários, retrata em Holocausto e Holograma os potenciais de nossa natureza. Enfim um evento especial, já que nada é mais celebrativo do que o encontro entre qualidade e sentido”, comenta Bonder.

O artista

Atualmente Walter Goldfarb desenvolve a série “Vamos Todos Cirandar”, que tem por referência as experiências estéticas brasileiras e a relação antropofágica das criações dentro da arte contemporânea, incorporando-as em um campo híbrido que vai além da linguagem particular da música de Heitor Villa Lobos, da literatura de Monteiro Lobato e do teatro de Maria Clara Machado, propondo-se a uma linguagem mais universalizada na arte.

A obra de WG integra importantes acervos institucionais e grandes coleções do Brasil (MAM-RJ e Museu Nacional de Belas Artes) e do mundo (Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Lisboa / Coleção Berardo – Museu de Arte Moderna de Miami / PAMM, Perez Art Miami Museum). O artista participou de coletivas e individuais em diversas países, como Itália, Alemanha, Espanha, Portugal, México, Chile e EUA (Nova York, Los Angeles, Miami). Foi nomeado em 2010, pela The Latin Recording Academy®, o Artista Visual do 11th Annual Latin GRAMMY® Awards.

Mais sobre o artista (por Lisette Lagnado, Paulo Herkenhoff e Reynaldo Roels)

>> Trecho do texto ‘Pintura e Ética’, da crítica e curadora Lisette Lagnado:

“Abordar o trabalho de Walter Goldfarb exige de imediato que o comentário se situe num jogo intermitente entre a santidade da criação e a reflexão crítica. Como pintar hoje, sobretudo telas dedicadas à vida religiosa como premissa para valores humanistas?... Walter Goldfarb torna atuais a tradição da pintura e a memória da Shoah (Holocausto Judeu) – ambas heranças incontroversas – na tentativa de inscrever uma consciência existencial e política dentro da linguagem. Somente assim, o depoimento pessoal transpõe os limites do sujeito e torna-se elemento estrutural do trabalho.”

>> Trecho do texto “O Decálogo”, de Paulo Herkenhoff, para a individual D+Lirium Camaleônico, de Walter Goldfarb, no Museu Nacional de Belas Artes | RJ, em abril 2010:

“Para indicar um modo de pensar a pintura de Walter Goldfarb levantou-se um decálogo... Toda a arte é um significante à espera da projeção do significado pelo sujeito do olhar (G. C. Argan).
1. Arderás; 2. Não dirás - Calar-te-ás; 3. Desejarás; 4. Errarás; 5. Não morrerás; 6. Verás; 7. Escutarás; 8. Despenderás e economizarás; 9. Não esquecerás 10. MANDAMENTO ÑAO REVELADO”

>> Trecho de textos selecionados de Reynaldo Roels, editados pelo MAM-RJ:

“Os trabalhos de Goldfarb estabelecem uma relação complexa entre modos esperados e inesperados de construir a pintura. Todos os meios materiais para se executar uma pintura são na realidade um modo de contar uma história, e um modo muito pessoal, em que a tapeçaria adquire um pouco o mesmo papel que teve no passado. Começando com sua própria história (incluindo meios-tons psicanalíticos), ele tece seus comentários sobre a história de arte em um jogo sofisticado entre subjetivo e objetivo, seus próprios fantasmas e o peso de uma tradição que repousa nos ombros de todo artista.“

Eduardo Montelli na Ecarta, Porto Alegre

Além da abertura da mostra, acontece a segunda etapa do projeto de curadoria educativa para professores e público interessado

O projeto expositivo Como faremos para desaparecer, do artista Eduardo Montelli, ganha abertura na Galeria Ecarta, na sexta-feira, 9 de agosto, às 19h, apresentando gifs, vídeos, fotografias e performatividades realizadas entre 2008 e 2019.

A mostra tem curadoria de Charlene Cabral e explora ambiguidades e estranhamentos dos processos contemporâneos de subjetivação, de forma especial sobre a relação entre os sujeitos e a produção de múltiplos registros de si orientados por padrões mercadológicos, publicitários e espetaculares. O trabalho de Montelli parte da pergunta “como nos tornamos o que somos?”, conduzindo a vivências, registros, lembranças, verdades e ficções. Chamamos de sujeito o ser resultante da relação corpo a corpo com outros indivíduos e com os dispositivos que estruturam as vidas das pessoas. Espetáculo, controle, consumo e invenção. Que tipos de subjetividades se desenvolvem em uma sociedade imersa na cultura da imagem e da hiperexposição? É factível ainda pensar em termos de dualidades entre público e privado, pessoal e político, cotidiano e poético?

As janelas audiovisuais de Montelli – formadas pela justaposição de imagens buscadas, produzidas ou esbarradas – são compostas em um tipo de operação baseada na seleção de imagens e na composição de relações entre elas. “Só que, junto a isso, o artista se coloca como protagonista dessa trama de simulacros, atuando ele próprio para uma câmera que, em outra ponta, alcança uma audiência espontânea dia após dia”, sinaliza Charlene. Seguidores, usuários, espectadores: nós. Que, por nosso lado, também somos atores exibindo-nos na mesma mídia de massa a que assistimos.

Antes da abertura acontece a segunda edição do Encontro de Engajamento para Professores, das 16 às 18h, com bate-papo e visita mediada. O encontro integra o projeto de curadoria educativa da Ecarta com presença do artista e da curadora, além de Claudia Hamerski, responsável pelo projeto educativo, e do coordenador da Galeria Ecarta, André Venzon. As inscrições são gratuitas e podem ser realizadas online.

Eduardo Montelli (Porto Alegre/RS, 1989)
Artista e doutorando no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, da UFRJ. Investiga, por meio de pesquisa artística e teórica, a influência de documentações, narrativas e outras formas de "inscrição de si" no modo como as pessoas vivem e como são reconhecidas socialmente. Participa de exposições e eventos de arte desde 2010 com destaque para a quinta edição do Prêmio Energias na Arte, no Instituto Tomie Ohtake (SP); Filmes e Vídeos de Artistas, na Fundação Iberê Camargo (RS); Abre Alas 10, na galeria A Gentil Carioca (RJ); e 65º Salão de Abril, no Centro Cultural Banco do Nordeste (CE), no qual foi premiado.

Charlene Cabral (Caxias do Sul/RS, 1981)
Curadora independente, pesquisadora e artista. Mestranda na linha História, Crítica e Teoria da Arte no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da ECA, na USP, e bacharel em História da Arte pela Ufrgs. Tem estudos em fotografia pela GrisArt Escola Internacional de Fotografía, em Barcelona (Espanha). No campo editoral independente, é criadora da Meteoro Edições e idealizadora da feira de publicações Folhagem. Em 2018, recebeu o Prêmio Açorianos Incentivo Jovem Curador, oferecido pela Secretaria da Cultura da Prefeitura de Porto Alegre/Aliança Francesa/Institut Français. Conta com pesquisas relacionadas aos conceitualismos das décadas de 1960 e 1970, publicação e imagem na arte contemporânea.

Palavras Somam: Beth Moysés no MAB FAAP, São Paulo

A artista apresenta – a partir de 8 de agosto - mostra individual composta por vídeo e fotografias que registram performance desenvolvida em Madri, na Espanha

A exposição de longa duração Palavras Somam, em cartaz no MAB FAAP, possui um Núcleo Especial no qual quatro artistas convidados se revezarão ao longo no ano. Após Walmor Corrêa e Lívia Aquino, que ocuparam o espaço no primeiro semestre, agora é a vez da artista Beth Moysés apresentar suas obras, que poderão ser apreciadas pelo público a partir de 8 de agosto.

Com curadoria de Laura Suzana Rodríguez, a exposição “Palavras Somam” joga luz sobre a presença e a potência da palavra nas artes visuais, reunindo obras do acervo do MAB FAAP e de artistas convidados que dialogam com essa temática.

Beth Moysés – que trabalha desde 1994 com o tema da violência de gênero e do amor romântico – reunirá na mostra um vídeo e fotografias que registram a performance que a artista realizou em Madrid, na Espanha, para a 14.ª edição do Festival Internacional de Performance “Abierto de acción” (Aberto de ação), na Feira de Arte Jaén.

Denominada Palavras Anônimas, a performance contou com a participação de um grupo de mulheres que andou pelas ruas vestidas de branco, com capuzes que cobriam o rosto. A ideia era que ocultassem suas identidades, reproduzindo o que muitas mulheres fazem quando sofrem humilhações, vexames, maus-tratos e violações. Mas, em um determinado momento, essas mulheres se libertam e mostram ao público seus braços com frases que retratam o desejo de mudança e superação.

Beth Moysés é uma importante artista com uma consolidada trajetória internacional. Suas obras são feministas e com fortes tons poéticos. É formada em Artes Plásticas pela FAAP, com mestrado em Artes pela Unicamp.

Depois de Beth Moysés, a artista que ocupará o espaço, a partir de outubro, será Rosana Paulino.

Delson Uchôa e José Patrício na Amparo 60

Na quinta-feira, dia 8 de agosto, os artistas Delson Uchôa e José Patrício inauguram a exposição Pictoria, com curadoria de Julya Vasconcelos, na Galeria Amparo 60, a partir das 19h. Essa é a primeira vez que os dois consagrados artistas nordestinos realizam uma exposição juntos. A ideia de colocar as obras dos dois em diálogo foi da galerista Lúcia Costa Santos, que, há anos, representa os dois no Recife.

A proposta inicial era fazer esse confronto entre duas visões de mundo distintas, mas que são resultado de um mesmo contexto cultural e geracional. “São dois artistas muito importantes, da mesma geração, que se projetaram bastante. Cada um tem sua forma de nos mostrar uma explosão das cores”, diz a galerista.

Julya Vasconcelos selecionou seis obras de cada artista, colocando-as em diálogo. Segundo ela, ambos fazem uso de módulos em seus trabalhos e também de materiais que, para o senso comum, não seriam matéria-prima ideal para produções artísticas. “Estes materiais, em sua maioria pouco valorizados, funcionam como pigmentos não tradicionais que geram nos dois o que podemos chamar de uma investigação a respeito das possibilidades de objetos-pigmentos e da construção, também, de uma expansão do conceito de pintura. A mostra Pictoria explora esse universo da cor em ambos”, explica a curadora. A conversa entre os artistas se desenrola justamente encima desses três eixos que os aproximam: os módulos, os materiais pouco valorizados e a pintura expandida.

Segundo Delson, trata-se de uma exposição de pinturas, mas que nem sempre o pincel e a tinta estão presentes. A seleção da curadora é formada por um apanhado redondo: pinturas planas, pintura objeto, díptico sobreposto, fotografia como suporte para a pintura expandida e um vídeo de José Patrício – que está sendo produzido especialmente para a mostra. “É a pintura que migra por variados suportes... fala da sua condição carnal, materialidade e essência querendo repovoar Arte Contemporânea. São dois pintores, isso nos aproxima, no mais é o corpo do Nordeste”, sintetiza Delson.

A pintura, a geometria e a cor vinculadas aos materiais e às expressões mais características da cultura popular do Nordeste são questões que claramente interessam aos dois. “Uma certa identidade brasileira e nordestina nos une. Acho que os nossos trabalhos apresentam uma síntese entre o universal e o regional. Nossa pesquisa visual, de teor experimental, faz uso de procedimentos não convencionais para a criação artística. Para sintetizar, no que eu chamaria de complementaridade, destaco o caráter apolíneo do meu trabalho e o caráter dionisíaco do trabalho de Delson”, pontua Patrício.

De fato, Delson Uchôa costuma ser visto como um artista que desenvolve uma pesquisa mais intuitiva e dada aos improvisos, enquanto José Patrício costuma ser encarado como um artista mais cerebral. Para a curadora, essas distinções deixam a conversa ainda mais interessante. “Acho que a conexão entre os dois dá a ver os caminhos mais tortuosos que ambos traçam nos seus processos, bebendo aqui e ali tanto nas precisões quanto nas imprecisões. Vejo um diálogo rico”.

Thiago Barbalho na Marilia Razuk, São Paulo

Thiago Barbalho apresenta Correspondência, sua primeira exposição individual na Galeria Marilia Razuk, composta por três trabalhos principais em desenho de dimensões variadas em que utiliza lápis de cor, grafite, spray, óleo, aquarela, pastel oleoso e marcador sobre papel, além de uma pequena escultura que dá nome à exposição.

Thiago estudou filosofia e começou sua carreira como escritor, tendo publicado um romance, ensaios, poesia, um livro de contos, e fundado uma editora independente. O artista colocou em crise os limites da linguagem escrita, abandonou a literatura e passou a se dedicar primordialmente ao trabalho visual. Ao dar preferência ao desenho, Thiago exercita o gesto pictórico enquanto superação dos limites da palavra para produzir uma literatura explodida, sem hierarquias, composições extremamente intricadas, porém não planejadas, nas quais uma multiplicidade de imagens, símbolos e campos de cor se fundem umas nas outras para criar superfícies vibrantes ininterruptas.

O artista utiliza o conceito de antropotécnica, do filósofo Peter Sloterdijk, enquanto autoconstrução instituída pela espécie humana, para entender o desenho como uma tecnologia permanente e ancestral. Sua pesquisa em busca da relação da consciência com a realidade toma o desenho como um resultado celebrativo da presença humana e sua capacidade de fazer escolhas (simbolizada na ação deliberada de um traço feito no papel). Fruto de pesquisas tanto de filosofia da mente quanto do amplo repertório artesanal produzido pelos povos nativos da América do Sul, o desenho de Thiago funciona como o cruzamento da consciência e do tempo.

O resultado do seu trabalho questiona o que é um ato deliberado (um traço, um rabisco) no mundo atual, ao mesmo tempo em que se recusa a se submeter a uma razão apenas, ainda que deixe pistas de símbolos em profusão a partir de narrativas fragmentadas, articuladoras de referências que vão de história a alta e baixa cultura, de filosofia a vida cotidiana.

Alexandre Canonico na Marilia Razuk, São Paulo

Alexandre Canonico apresenta Buraco, sua segunda individual na Galeria Marilia Razuk. A exposição inclui uma série de trabalhos de parede e uma instalação nos quais o artista emprega as noções de vazio, falta, supressão e desmonte como elementos centrais na construção das obras. Valendo-se de uma economia de materiais, os trabalhos se estruturam a partir da negociação entre as partes que os constituem e do contraste entre materialidades distintas.

Alexandre Canonico cursa, atualmente, uma pós-graduação na Royal Academy, em Londres. Exposições recentes incluem Standstill (Kubik Gallery, Porto, 2019); Premiums: Interim Projects e Serpent and Shadow (ambas na Royal Academy, 2019).

bu·ra·co
(origem duvidosa)
substantivo masculino
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abertura ou rotura em qualquer superfície
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espaço vazio no interior de um sólido
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escavação ou declive acentuado no solo
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cova; cavidade
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orifício; furo
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em diversos jogos (golfe, bilhar inglês, etc.), cavidade onde deve ser colocadas as bolas
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lugar no interior de um tronco, no solo, etc., que serve de abrigo ou esconderijo a certos animais; toca
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ANATOMIA designação atribuída a diferentes canais ou orifícios anatómicos
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FÍSICA num semicondutor, sítio onde se dá a ausência de um eletrón, levando ao deslocamento de outro eletrón de uma região vizinha o que provoca um aparente movimento de carga positiva
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figurado casa pequena
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figurado lugar isolado
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figurado sentimento de falta, perda ou vazio
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figurado situação desagradável ou embaraçosa
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figurado problema; dificuldade

Sérgio Sister na Nara Roesler, São Paulo

Viewing Room - Planejamos lançar novos espaços de exposição online a cada três meses, que servirão de complemento às nossas exposições físicas e lançaremos também algumas exposições online independentes que servirão como um quarto espaço da galeria, dando visibilidade internacional e diversificada aos nossos artistas.

A Galeria Nara Roesler | São Paulo apresenta Imagens de uma juventude pop – pinturas políticas e desenhos da cadeia, quarta individual de Sérgio Sister na sede paulista da galeria. Acompanhada de texto de Camila Bechelany, a mostra reúne pela primeira vez, um número significativo de obras pouco conhecidas pelo público, – produzidas entre 1967 e 1971 –, incluindo desenhos realizados nos 19 meses em que o artista esteve detido no Presídio Tiradentes, em São Paulo, durante o regime militar (1964–1985).

Fazem parte da exposição cerca de 35 desenhos, em sua maioria em tinta aquarela, giz pastel e caneta hidrográfica sobre papel, em diferentes dimensões e formatos. Bastante coloridos, com traços caricaturais e psicodélicos, os desenhos funcionavam, à época, como uma documentação do cotidiano prisional. Eram, segundo Sister, “uma espécie de crônica para registrar o que se passava entre nós. Procurava criar símbolos gráficos e cores, com anotações sobre choques elétricos, a tranca, a porrada [...].” Hoje, por outro lado, a produção é vista pelo artista como uma importante ferramenta de recuperação de sua própria identidade e de apropriação de um espaço espiritual durante um período de trevas.

Sem expectativa de liberdade e deslocado dos papéis desempenhados fora da prisão – Sister era estudante de Ciências Sociais e também atuava como jornalista –, o artista passou a desenhar todos os dias depois de receber da Bela, sua esposa e então namorada, uma caixa de crayon e um caderno de desenho. Mais tarde, graças ao convívio diário com artistas e arquitetos no presídio de Tiradentes, – como Alípio Freire, Carlos Takaoka e José Wilson, Sérgio Ferro, Rodrigo Lefèvre, Julio Barone, Carlos Henrique Heck e Sérgio Souza Lima –, formou-se ali uma espécie de grande atelier, com uma prolífica troca de ideias e materiais. Foi neste momento que Sister, em contato com diversas questões teóricas trazidas pelos novos companheiros, passou a pretender com seus desenhos uma ligação maior com o mundo da arte.

É a primeira vez que uma ampla seleção destes desenhos será exibida em uma exposição. Antes disso, alguns deles participaram das mostras Pequenas insurreições, no Centro Cultural São Paulo – CCSP (1985); Caros amigos, no Memorial da América Latina, São Paulo (2008) e mais recentemente, da exposição AI-5 50 anos – Ainda não terminou de acabar, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2018).

Anteriores à produção de Tiradentes, as 15 pinturas sobre tela presentes na exposição – realizadas entre 1966 e 1967 –, trazem particularidades que denotam uma forte influência da pop-art. Ao contrário do pop norte-americano, que tinha a banalização da imagem como ponto de partida e voltava sua atenção aos objetos comuns do cotidiano, a assimilação do movimento no Brasil refletia a tensão existente em decorrência do regime militar imposto no país. Como outros artistas de sua geração, Sérgio Sister se apropriou intuitivamente da agressividade e ironia inerentes ao pop para dar vazão à questões sociais e políticas.

Simultaneamente à exposição, a Galeria Nara Roesler irá lançar seu Viewing Room, um espaço de exposições online, onde os visitantes poderão descobrir e colecionar obras selecionadas exclusivamente para esta plataforma. Para seu lançamento, a Galeria selecionou 15 obras recentes e em pequeno formato de Sérgio Sister que estarão disponíveis somente para venda online.

Sérgio Sister (n. 1948) nasceu em São Paulo, Brasil, onde vive e trabalha. Nos anos 1960, estudou pintura em cursos livres na Fundação Armando Álvares Penteado – FAAP, em São Paulo, e em 1974 graduou-se em Ciências Sociais na Universidade de São Paulo, onde inicia a pesquisa de mestrado no Departamento de Ciência Política. Representante da Geração 80, seu processo criativo resulta em variadas densidades de pintura e diferentes sobreposições ou predominâncias cromáticas. Como desdobramento das questões de sua pintura, Sister também faz peças tridimensionais, caso das séries Caixas, iniciada em 1996, além de Pontaletes, a partir de 2006 e Ripas, 2009.

Participou das 9ª e 25ª edições da Bienal de São Paulo (1967, 2002). Exposições coletivas recentes incluem: A linha como direção, Pina Estação, São Paulo, SP, Brasil (2019) The Pencil is a Key: Art by Incarcerated Artists, The Drawing Center, New York City, NY, USA (2019); Géométries Américaines, du Mexique à la Terre de Feu, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, França (2018); AI-5 50 anos – Ainda não terminou de acabar, Instituto Tomie Ohtake (ITO), São Paulo, Brasil (2018); MAC USP no século XXI – A Era dos Artistas, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), Brasil (2017); Sala de encontro – Dentro, Museu de Arte do Rio (MAR), Rio de Janeiro, Brasil (2017).

Exposições individuais incluem: Sérgio Sister, Kupfer Gallery, Londres (2017); Pintura com ar, sombra e espaço, Galeria Nara Roesler | Rio de Janeiro, Brasil (2017); Sergio Sister: Malen Mit Raum, Schatten und Luft, Galerie Lange + Pult, Zurique, Suíça (2016); Expanded Fields, Nymphe Projekte, Berlim, Alemanha (2016); Ordem Desunida, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brasil (2015); Sérgio Sister, Pinacoteca do Estado, São Paulo, Brasil (2013) e Sergio Sister, Galerie Emmanuel Hervé, Paris, França (2013).

Suas obras fazem parte de acervos como os do Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Pinacoteca do Estado de São Paulo; Centro Cultural São Paulo; e Instituto Figueiredo Ferraz.

A Galeria Nara Roesler é uma das principais galerias de arte contemporânea do Brasil. Representa artistas brasileiros e internacionais, estabelecidos e em início de carreira, e conta com sedes em São Paulo, Rio de Janeiro e Nova York. Fundada em 1989 por Nara Roesler, a Galeria fomenta o desenvolvimento e a difusão dos trabalhos de seus artistas através de um consistente programa de exposições, sólidas parcerias institucionais e diálogo constante com curadores de destaque no cenário artístico contemporâneo. Desde 2002, a galeria desenvolve anualmente o projeto Roesler Hotel, que tem como objetivo promover o diálogo entre as comunidades artísticas nacional e internacional, convidando curadores e artistas a realizar experimentos em seu espaço.

Vincent Ciantar na Marcelo Guarnieri, São Paulo

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta a primeira exposição individual de Vincent Ciantar (1912 - 1989) na sua sede de São Paulo. É a primeira vez que as fotografias de Ciantar são expostas desde 1965, sendo algumas delas inéditas. As ampliações foram feitas pelo próprio fotógrafo, uma parte delas no Brasil na década de 1960, outra parte na década de 1950 no exterior. As imagens apresentadas na mostra foram feitas nas cidades de Londres, Cairo, Paris, Chipre e Rio de Janeiro.

Cidadão inglês nascido no Egito*, Vincent Ciantar foi um fotógrafo estabelecido no Brasil a partir da década de 1960. Trabalhou para revistas, empresas e indústrias e desenvolveu, em paralelo, um trabalho autoral que circulou pelo Egito, Brasil e Inglaterra enquanto esteve vivo. Contemporâneo de Cartier Bresson, Vincent Ciantar também encontrava no ambiente urbano situações para suas fotografias: eram comerciantes, casais apaixonados, pombos, transeuntes e crianças que tinham suas imagens capturadas em plena ação. Além das imagens de rua, Ciantar se utilizava da expertise da fotografia técnica adquirida em seus empregos formais para explorar, em seu trabalho autoral, o lirismo da fotografia em estúdio, compondo natureza-mortas com jarros e flores. Durante o período em que viveu no Egito, o fotógrafo não deixou de registrar a monumentalidade das pirâmides e esfinges, assim como a vastidão do deserto.

De 1929 a 1943, Vincent Ciantar trabalha no Banque Nationale d’Egypte, organizando e chefiando o setor de microfilmagem durante aqueles últimos 8 anos. Sua primeira atuação como fotógrafo profissional se dá em 1943 como fotógrafo de guerra na britânica Royal Air Force (RAF), obtendo duas condecorações pelos serviços prestados: a "África Star" e a "Reference Medal". Em 1955 realiza sua primeira grande exposição na Galeria de Arte do Cairo, "Exposition des Oeuvres Photographiques de Vincent Ciantar", sob o patrocínio do Banque Nationale d’Egypte. No mesmo ano, desenvolve trabalhos de reportagem para a empresa PHOTO – PRODUITS GEVAERT, sediada na Bélgica e com filial no Cairo. No ano seguinte, chefia o Departamento Fotográfico de “The Egyptian Economic & Political Review”. Em 1957, durante o processo de ruptura com a Grã-Bretanha, o governo militar de Malta expulsa os cidadãos britânicos de seu território, levando Ciantar a mudar-se para Londres. Lá trabalha com fotografia artística e industrial, tendo sua foto “The Wanderer” premiada no “Twenty-Ninth Exhibition – The London Salon of Photography”. A partir de 1959 se estabelece no Brasil, trabalhando inicialmente como repórter fotográfico na Bloch Editores e posteriormente como autônomo, entre os anos de 1960 e 1966. Neste período apresentou a exposição “With my Camera in London”, na Sociedade Cultura Inglesa. Entre 1967 e 1975, passou pelas empresas: Kelson’s; Hoffmann Bosworth; Tubulares Mills e Gilette do Brasil, realizando diversos trabalhos técnicos em fotografia. Entre 1974 e 1979, trabalhou para a Schering – Indústria Química e Farmacêutica, realizando trabalhos fotográficos para a revista Schering. Entre 1979 e 1983, realizou trabalhos fotográficos para Furnas – Centrais Elétricas.

*Vincent Ciantar tinha a nacionalidade inglesa por ser filho de malteses, sendo Malta, na época, colônia britânica.

Arte Atual: Éder Oliveira, Regina Parra e Virgínia de Medeiros no Tomie Ohtake, São Paulo

A oitava edição do programa Arte Atual, realizado pelo Instituto Tomie Ohtake por meio de seu Núcleo de Pesquisa e Curadoria, reúne os artistas Éder Oliveira, Regina Parra e Virgínia de Medeiros em torno de reflexões acerca do retrato como gênero pictórico e como forma de reconhecer e atribuir uma identidade ao retratado. O título da exposição - Jamais me olharás lá de onde te vejo - remete a uma frase do psicanalista francês Jacques Lacan empregada no livro 11 de O Seminário denominado Os Quatro Conceitos Fundamentais da Psicanálise. Segundo a equipe curatorial, o próprio ato de retratar também permeia as questões da mostra, partindo de diferentes abordagens e linguagens. “É possível, por intermédio dos trabalhos, discutir parâmetros de como os artistas constroem os limites entre o "eu" e o "outro", e delimitam relações de afinidade e de distinção. Mais do que isso, os trabalhos presentes explicitam como os artistas convidados se valem da figura humana como uma de suas ferramentas para abordar a violência que imputamos ou a que são imputados nossos corpos, os limites e rastros do tempo e a noção do corpo como um lugar de resistência”, escrevem Diego Mauro, Luana Fortes, Priscyla Gomes e Theo Monteiro, do Núcleo de Pesquisa e Curadoria.

A obra de Éder Oliveira é reconhecida pela pintura de retratos coloridos em diferentes escalas e em suportes que variam de telas a muros de cidades. O artista paraense se apropria de imagens majoritariamente masculinas do caderno policial de jornais, para investigar sobre o que se entende como homem amazônico ao mesmo tempo em que traz à tona os altos índices de violência no norte do Brasil. Se até pouco tempo atrás Oliveira retratava só figuras, recentemente tem adicionado texto às suas pinturas, que tendem a vir acompanhadas de citações literárias que servem como comentários sobre as situações por ele representadas.

Já Regina Parra, traz no retrato um processo de desconstrução mitológica sobre si. Apesar de usar autorretratos fotográficos para escolher quais imagens pintar, a artista não considera os resultados como autorretratos. Com uma trajetória que já passou bastante pelo teatro, Parra afirma que empresta seu corpo para experimentar posições, movimentos e enquadramentos. Em Jamais me olharás lá de onde te vejo, a artista exibe uma série de pinturas e de neons, todos tendo como pano de fundo as peças Dias Felizes (1961) e Eu Não (1972) do dramaturgo e escritor irlandês Samuel Beckett.

Virginia de Medeiros, por sua vez, propõe uma nova montagem para a série Alma de Bronze (2016-2018), realizada a partir de sua convivência com lideranças femininas da Frente de Luta por Moradia (FLM) do Movimento Sem Teto do Centro (MSTC), iniciada com sua participação no Programa de Residência Artística Cambridge e posteriormente transmutada para a Ocupação 9 de Julho, onde exibiu uma primeira montagem do trabalho, que também foi exposto no Centro Cultural São Paulo (CCSP). Para o Instituto Tomie Ohtake, o projeto ganha um formato mais aberto e experimental que pretende servir como espaço para debates e conversas acerca dos acontecimentos mais urgentes do MSTC, com uma programação a ser definida de acordo com as demandas do movimento. A nova montagem, de caráter instalativo, traz retratos em vídeo de doze importantes líderes femininas da Ocupação 9 de Julho, ao som de uma percussão de Beth Belli, regente de tambores do Ilú Obá de Min, que ressoa como um alerta e apenas cede o volume para as conversas que lá acontecerão.

O programa Arte Atual, criado pelo Instituto Tomie Ohtake em 2013, busca alimentar pesquisas artísticas experimentais, para criar possibilidades de aprimorar e enriquecer a pesquisa de cada participante. Para isso conta com a parceria de galerias para a produção das obras, desenvolvidas por meio de diálogos entre a equipe curatorial do Instituto Tomie Ohtake e os artistas convidados. O programa já contabilizou sete exposições: Estranhamente Familiar (2013); Medos Modernos (2014); E se quebrarem as lentes empoeiradas? (2015); Da banalidade (2016); É como Dançar sobre Arquitetura (2017), Fábula, frisson, melancolia (2017) e Fratura (2018). Nesta oitava edição, as galerias Millan, Nara Roesler e Periscópio tornaram possível sua realização.

Éder Oliveira (Timboteua, PA, 1983) Vive e trabalha em Belém do Pará. Licenciado em Educação Artística - Artes Plásticas pela Universidade Federal do Pará. Pintor por ofício, desde 2004 desenvolve trabalhos relacionando retratos e identidade, tendo como objeto principal o homem amazônico. Entre bolsas e premiações, destacam-se o Prêmio Pipa - Voto Popular Exposição (2017), Lingener Kunstpreis 2016 (Alemanha), Rede Nacional Funarte Artes Visuais (2015), Prêmio Seiva Projetos Artísticos (Fundação Cultural do Pará, 2015), Bolsa Funarte de Estímulo à Produção em Artes Visuais (2014). Possui trabalhos em acervo de instituições como Centro de Arte Dos de Mayo - Madrid, Fundação Clóvis Salgado, Fundação Marcos Amaro, Itaú Cultural, Kunsthalle Lingen - Alemanha, MAC Rio Grande do Sul, Museu Casa das Onze Janelas, Museu de Arte de Belém e Museu de Arte do Rio.

Regina Parra (São Paulo, SP, 1984) vive e trabalha em São Paulo. Mestre em Teoria e Crítica da Arte pela Faculdade Santa Marcelina (orientação de Lisette Lagnado) e bacharel em Artes Plásticas pela Faap (orientação de Paulo Pasta). Nos últimos anos, realizou exposições individuais na Galeria Millan (SP), Pivô (SP), Centro Cultural São Paulo (SP), Paço das Artes (SP), Fundação Joaquim Nabuco (PE) e Galeria Leme (SP).

Virginia de Medeiros (Feira de Santana, BA, 1973) vive e trabalha em São Paulo, SP. Mestre em Artes Visuais pela Universidade Federal da Bahia. Em 2014 foi premiada no 18o Festival de Arte Contemporânea Sesc-Videobrasil com a Bolsa na Residency Unlimited em Nova York. Seus trabalhos foram expostos em numerosas ocasiões, entre elas, Behind the Sun-Prêmio Marcantônio Vilaça, HOME, Manchester, Reino Unido; MAR Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brasil, 31a Bienal de São Paulo, São Paulo: Como procurar coisas que não existem; Rainbow in the Dark , SALT Galata, Istambul; Salón de Belleza [Beauty Salon], Utopian Pulse – Flares in the Darkroom, Secessão de Viena, Viena, Áustria; 27ª Bienal Internacional de São Paulo Como Viver Junto; Itinerários, Itinerâncias: 32o Panorama de Arte Brasileira, MAM-SP; 2ª Trienal de Luanda “Geografias Emocionais, Arte e Afectos – Projeto 3 Pontes, Espaço Palladium, Luanda.

Roberto Magalhães e Carlos Vergara na Mul.ti.plo, Rio de Janeiro

Em exposição na Mul.ti.plo, dois expoentes da arte contemporânea brasileira criam obra em conjunto

Roberto Magalhães e Carlos Vergara, dois expoentes da arte contemporânea brasileira, amigos há décadas – desde os tempos da “Nova Figuração” com os companheiros de ofício Antonio Dias e Rubens Gerchman – vão apresentar uma exposição em conjunto. A mostra Paralelos abre no dia 6 de agosto, na galeria Mul.ti.plo Espaço Arte, e fica em cartaz até 25 de setembro 11 de outubro. Ao todo, são cerca de 20 trabalhos, ligados sob o fio do desenho e da obra gráfica. Os dois artistas criarão em conjunto novos trabalhos. A ideia é fazer com que a obra de dois artistas que seguiram carreiras paralelas com traços autorais muito fortes e absolutamente distintos possa se tocar pela primeira vez, em um horizonte improvável.

Para criar essas obras, o espaço da galeria se transformará em ateliê. Os dois artistas terão à disposição telas. Em cada uma, será traçada uma linha divisória: um desenha e pinta a parte de cima e outro a de baixo. Depois, eles invertem a ordem. “Não se trata de uma competição, mas de um desafio criado por eles mesmos como um gesto de respeito e admiração um pelo outro”, diz Maneco Müller, sócio da galeria.

Pioneiros da nova figuração brasileira, participantes da icônica exposição Opinião 65 (no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1965), Roberto e Carlos Vergara se conheceram ainda na adolescência, tiveram protagonismo cedo, desenvolveram longa carreira nas artes visuais e sempre foram muito próximos. Ao mesmo tempo, suas criações são definitivamente distintas. Até no temperamento são diferentes: Vergara é expansivo, enfático, agitado, veemente, esportista; Roberto é silencioso, introvertido, calado, contido e observador de tudo. Ainda assim, há um silêncio misterioso que os une em torno da transcendência ou “na busca do inefável”, como diz Vergara, que, em sua trajetória de "pintor viajante", sempre traz como pretexto as trilhas misteriosas dessa busca divinal. Magalhães, por rumo muito diverso, sempre esteve mergulhado nas questões místicas e suas obram falam de um mundo etéreo. “Minha arte é a busca e a expressão da subjetividade”, explica ele.

Na exposição, Vergara traz obras de duas séries: “Coração”, de técnica mista sobre papel, entre impressão, aquarela e pigmento, e outra chamada “Natureza Inventada”, com desenhos de uma viagem do artista a Serra da Bodoquena (MS). São trabalhos recentes, de média proporção.

Entre os trabalhos de Roberto, a maioria é inédita e outros são praticamente desconhecidos. São obras sobre papel, em técnica mista (bico de pena e aquarela). “Meus trabalhos têm uma conotação mística, esotérica, tema que eu persigo desde a década de 70. Sou um estudioso do assunto”, diz o recluso artista, que na semana que antecede à exposição, retorna de uma região desértica e isolada no noroeste da Argentina para onde foi meditar e desenhar.

“O primeiro nome que pensei para essa exposição foi Paralelos, depois tive uma ideia: por que não ‘Roberto Carlos’? Roberto Magalhães e Carlos Vergara!”, diverte-se este, feliz com a oportunidade de trabalhar ao lado do velho amigo. “Eu me dou com o Roberto desde 1959. Frequentava a casa dele, na Rua Farani, que era uma espécie de república de artistas. Fizemos muita coisa juntos, exposições, mas temos caminhos, interesses, ideias e métodos de trabalho muito diferentes. Isso, entretanto nunca nos afastou. Sempre tivemos ótimo convívio”, disse Vergara. “Apesar de certa ansiedade para saber como ficarão os nossos improvisos, vai ser inusitado... E divertido. É um grande prazer dividir essa exposição com o Vergara”, diz Roberto.

Mas a ideia de reunir a dupla na exposição vai muito além de uma crônica entre dois personagens das artes plásticas brasileiras. Segundo Maneco, essa é uma mostra a ser contemplada com calma e concentração. “É necessário repousar o olhar em cada trabalho para que a exposição possa ser absorvida com toda a sua intensidade”, finaliza ele.

ROBERTO MAGALHÃES

Roberto de Oliveira Magalhães (Rio de Janeiro, RJ, 1940). Pintor, desenhista gravador. Realiza seu aprendizado artístico com as atividades profissionais iniciadas precocemente: primeiro, na gráfica do tio (desenho de rótulos e propagandas); em seguida, fazendo capas de livros e discos e desenhos publicitários. Frequenta cursos da Escola Nacional de Belas Artes (Enba), como aluno livre, em 1961. No decorrer da década de 1960, participa de diversas coletivas, no Brasil e no exterior: em 1962, expõe desenhos a nanquim na Galeria Macunaíma, anexa à Enba; em 1964, realiza sua primeira individual de xilogravuras, na Petite Galerie, Rio de Janeiro; no ano seguinte, recebe o prêmio de gravura da 4ª Bienal de Paris. Segue para a capital francesa, em 1967, depois de ganhar o prêmio viagem ao exterior no 15º Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), em 1966, com a xilogravura Édipo Decifra o Enigma da Esfinge. Em Paris, expõe com Antonio Dias (1944), na Galeria Debret, em 1968. Estudos de ocultismo, teosofia e, sobretudo, a aproximação ao budismo a partir de 1969 levam-no a residir por quatro anos no Centro de Meditação da Sociedade Budista do Brasil, quando interrompe a atividade artística. Em 1975, recomeça o trabalho com arte por meio de exposições individuais de desenho e pintura no Rio e em São Paulo, e de aulas no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Integra coletivas de gravuras e desenhos, na década de 1980. Em 1992, o Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), do Rio de Janeiro, organiza uma retrospectiva dos 30 anos de produção do artista, a maior dedicada a sua obra.

CARLOS VERGARA

Carlos Augusto Caminha Vergara dos Santos (Santa Maria, Rio Grande do Sul, 1941). Gravador, fotógrafo e pintor. Na década de 1950, transfere-se para o Rio de Janeiro e, paralelamente à atividade de analista de laboratório, dedica-se ao artesanato de joias, que são expostas na 7ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1963. Nesse mesmo ano, volta-se para o desenho e a pintura, realizando estudos com Iberê Camargo (1914-1994). Participa das mostras Opinião 65 e 66, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Em 1967, é um dos organizadores da mostra Nova Objetividade Brasileira, que procura fazer um balanço da vanguarda brasileira. Atua ainda como cenógrafo e figurinista de peças teatrais. Nesse período, produz pinturas figurativas, que revelam afinidades com o expressionismo e a arte pop. Durante a década de 1970, utiliza a fotografia e filmes Super-8 para estabelecer reflexões sobre a realidade. O carnaval passa a ser também objeto de sua pesquisa. Atua ainda em colaboração com arquitetos, realizando painéis para diversos edifícios, empregando materiais e técnicas do artesanato popular. Em 1972, publica o caderno de desenhos Texto em Branco, pela editora Nova Fronteira. Durante os anos 1980, volta à pintura, produzindo quadros abstratos geométricos, nos quais explora, principalmente, tramas de losangos que determinam campos cromáticos. Desde o fim dos anos 1980, emprega pigmentos naturais e minérios, com os quais produz a base para trabalhos em superfícies diversas. Em 1997, realiza a série Monotipias do Pantanal, na qual explora o contato direto com o meio natural, transferindo para a tela texturas de pedras ou folhas, entre outros procedimentos.

Caetano de Almeida na Luisa Strina, São Paulo

Depois de Rembrandt, Soutine. Depois de Rembrandt e Soutine, Francis Bacon. Carcaça (2019), de Caetano de Almeida, presta tributo a esta curiosa tradição da natureza-morta, a do fascínio pela pele esfolada do animal depois do abate. Mais do que um comentário sobre vanitas ou a crueza da morte, os pintores que se dedicaram à representação detalhada do boi dissecado provavelmente contemplavam a própria existência em um momento de inflexão. A respeito de Rembrandt, pelo menos, isso é documentado: o artista retratou o boi durante um período difícil de sua vida. Envolvido em dívidas, no início da década de 1650, Rembrandt mergulhou mais fundo em problemas financeiros e, finalmente, em julho de 1656, requereu falência. Sua casa e posses foram vendidas, e ele se mudou para um bairro de classe trabalhadora, relata a historiadora da arte Lisa Deam, que se questiona, em seguida:

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“Rembrandt se sentiu despojado e esfolado quando pintou o boi morto? Essa imagem representava uma maneira de ele expressar a crueza da falência ou da remoção de seu sustento? O artista pode ter vislumbrado sua própria mortalidade em seu boi abatido, mas ele também continuou a pintar versões mais promissoras de si mesmo. Em seu autorretrato de 1658 na coleção Frick, Rembrandt aparece como um cruzamento entre um artista da Renascença e um rei magistral. No contexto do tema do memento mori holandês, esta pintura sugere uma inversão do movimento aparentemente inevitável em direção à morte e à decadência: a renovação da carne é possível, afinal de contas, o retrato parece afirmar.”

Caetano de Almeida não considera a sua tela Carcaça um autorretrato, mas, assim como Rembrandt hipoteticamente pôde se transmutar de boi esfolado em mestre ou rei poderoso da Renascença, uma mudança importante é evidente nesta obra de 2019. Uma transformação está em curso na produção de Caetano de Almeida há algum tempo, e já foi notada em ensaio do teórico Tadeu Chiarelli, publicado ano passado por ocasião de uma mostra individual do artista no Rio de Janeiro:

“Nessa nova safra de obras chamam a atenção uma determinada tela – Behavior – e alguns desenhos, aqueles da série Física. Em Behavior é notável como, ao lado do micro relevo vertical produzido por Caetano – e que cobre toda a superfície da tela, subvertendo-a –, o artista deixa se expandir, de leve, uma tinta em tom de vermelho. Lógico que Caetano até tenta controlar o discreto transbordamento de cor, mas, a tinta, insidiosa, acaba percorrendo seu curto trajeto até esvair-se, sem deixar-se brecar pela ação do artista. Como resultado, temos uma tela que é um relevo que sangra. O que significa que, de repente, a pura virtualidade das pinturas de Caetano fica comprometida por uma pintura que se nega como pintura (é um relevo), que parece jogar-se na realidade tridimensional, sangrando.”

Chiarelli prossegue discorrendo sobre a novidade das incisões nas aquarelas da série Física e dos furos reais que Caetano obtém pressionando um cigarro aceso sobre o papel, nos desenhos intitulados Maços. Para o crítico, essas perfurações conferem aos trabalhos “uma corporeidade mais de objeto do que propriamente de pinturas” e transformam “o espaço bidimensional em ‘coisa’ atravessada pelo real”. Os três conjuntos de obras recentes, portanto – Behavior, Física e Maços – indicam uma guinada na pesquisa do artista, devido à valorização da materialidade das coisas, evidente, na exposição de 2019 na Galeria Luisa Strina, na obra Lenticular (2019), que é um desdobramento de Behavior. Chiarelli finaliza seu ensaio apontando que a materialidade “está ali como que registrando o início de uma transformação no trabalho do artista, [que] poderá ganhar novos e inesperados rumos.”

Novos rumos marcam a décima-primeira exposição individual de Caetano de Almeida na Luisa Strina. O mais evidente deles é o abandono da racionalidade matemática que define as suas pinturas dos anos 2000 em diante. Outro aspecto da ruptura é a violência de que estão agora carregadas as obras que aludem à “palhinha brasileira”. Nas duas obras que retratam a trama de palha, a violência está nos rasgos (O Museu Invisível, 2019) – os pedaços simbolicamente arrancados da trama – ou no estiramento da pele do boi (Carcaça, 2019). É como se o artista trafegasse da cultura tropical do mobiliário “refrescante” para a cultura glacial das roupas e tapetes usados para aquecer ambientes e corpos em regiões geladas. O que essas pinturas têm de frieza, uma nova série de obras – e pensamento – compensa pela saturação. Pac Man, Construção e Caverna (todas de 2019) parecem falar de um mundo virtualizado e criptografado, como se retratassem algum fluxo de informação decodificado em cores e formas. A intenção de Caetano, entretanto, é a mesma daquela que guiou a construção de Carcaça: dialogar com a história da arte.

Caverna se inspira na construção de espaços escuros cercados de luminosidade por Courbet. “Tenho fascínio pela forma como ele criava um buraco escuro o mais claro possível no meio da tela”, comenta Caetano. Após o Jantar no Ornans (1849), O Ateliê do Pintor (1855) e Depois da Caça (1859) são algumas das obras que vêm à mente. Já Construção tem uma biografia associada ao mesmo tempo à tecnologia e à arqueologia, pois nasceu da observação de fragmentos de um afresco romano descoberto em um castelo na França, que, ainda nas primeiras fases de restauro – após ter sido identificado, sob muitas camadas de história e revestimentos – podia ser observado apenas através de pequenos recortes quadrados e retangulares na superfície da parede de pedra. “Os furos permitiam entrever aqui uma voluta, ali uma planta, anjinhos nos cantos, tudo submerso num tom verde acqua. A imagem do mural com recortes ficou na minha cabeça por muito tempo”, conta.

Unindo tudo, finalmente, estão os furos, rasgos, vazios, que fazem lembrar dos cortes reais feitos anteriormente pelo artista. Reais ou virtuais (representados), os buracos falam de sofrimento e decadência, o que na exposição culmina na tela Cruzeiro do Sul (2019), constelação da qual, na trama (no duplo sentido de enredo e de urdidura) de Caetano de Almeida, as estrelas foram arrancadas. A principal referência da história da arte neste conjunto recente de trabalhos, confessa o artista, é mesmo a do Salto no Vazio, de Yves Klein. Acontece que, assim como em Rembrandt, onde se vê decadência também se pode enxergar renovação. “Essa viagem é o que quero propiciar: a beleza está na viagem, não no destino”, completa Caetano.

SOBRE O ARTISTA

Nascido em 1964, em Campinas, Caetano de Almeida vive e trabalha em São Paulo. Entre suas exposições individuais recentes, destacam-se: 11R Gallery, Nova York (2017); Galeria Luisa Strina, São Paulo (2016); ‘Coffret’, Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, Brasil (2015); Galerie Anne Villepoix, Paris, França (2015); Eleven Rivington Gallery, Nova York, EUA (2013); Andreas Thalmann Gallery, Zurique, Suíça (2013); Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brasil (2012).

Exposições coletivas recentes incluem: ‘Por aqui tudo é novo’, Centro de Arte Contemporânea Inhotim (CACI), Brumadinho (2016); ‘A Cor do Brasil: de Visconti a Volpi, de Sued a Milhazes, Museu de Arte do Rio (MAR), Rio de Janeiro (2016); ‘O Estado da Arte’, Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto (2016); ‘0 to 60: The Experience of Time through Contemporary Art’, North Carolina Museum of Art, Raleigh (2013); ‘Law of the Jungle’, Lehmann Maupin Gallery, Nova York (2010); ‘Ponto de Equilíbrio’, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2010).

Coleções das quais seus trabalhos fazem parte incluem: Museum of Fine Arts, Boston; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo; Coleção Gilberto Chateaubriand; Coleção Marcantônio Vilaça; Coleção João Carlos Fiqueiredo Ferraz; North Carolina Museum of Art, Raleigh; Acervo Banco Itaú; Associação dos Amigos da Pinacoteca do Estado; Centro de Arte Contemporânea Inhotim; Instituto Tomie Ohtake; Peter Stuyvesant Foundation; Rehabilitation Institute of Chicago; e New York Presbyterian Hospital.

After Rembrandt, Soutine. After Rembrandt and Soutine, Francis Bacon. Carcass (2019) by Caetano de Almeida renders tribute to the odd tradition of still life, to be fascinated by an animal’s flayed skin after slaughtering. More than just a comment about vanitas or death’s cruelty, the painters that dedicated themselves to a detailed representation of a dissected ox were probably contemplating their own existence in a moment of bewilderment. At least in Rembrandt’s case this is documented: the artist painted the ox during a difficult time in his life. At the beginning of the decade of 1650, overwhelmed by debts, Rembrandt went deeper in financial trouble and, finally in July 1656, he filed for bankruptcy. His home and belongings were sold, and he moved to a working class neighborhood, as the Art Historian Lisa Deam tells, who, shortly after, asks:

“Did Rembrandt feel stripped down and flayed when he painted the dead ox? Did this image repre­sent a way for him to express the rawness of bankruptcy or the peeling away of his livelihood? The artist may have glimpsed his own mortality in his slaughtered ox, but he also continued to paint more hopeful versions of himself. In his 1658 Self-Portrait in the Frick Collection, Rembrandt appears as a cross between a Renaissance artist and a magisterial king. In the context of the Dutch memento mori theme, this painting suggests a reversal of the seemingly inevitable movement toward death and decay: renewal of the flesh is possible after all, the portrait seems to state”.

Caetano de Almeida doesn’t consider his painting Carcass a self-portrait, but, as Rembrandt could hypothetically transmute from a flayed ox into a master or a powerful Renascence king, an important change is clear in this 2019 work. A transformation has been happening in Caetano de Almeida’s production for some time, and it has been made noticed in the essay by the theoretician Tadeu Chiarelli, published last year at the occasion of the artist’s solo show in Rio de Janeiro:

“In this new crop of works, a certain canvas – Behavior – and some watercolors, those of the Física series, cause a stir. In Behavior, it is noteworthy how, by the micro vertical relief produced by Caetano – and that covers up the whole surface of the canvas, subverting it -, the artist lightly allows the expansion of a red tone paint. Evidently Caetano tries to control the discrete overflow of the color, but the insidious paint ends up following its short path until it vanishes, without being stopped by the artist’s action. As a result, we have a canvas that’s a bleeding relief. Which means that, suddenly, the pure virtuality of Caetano’s works is jeopardized by a painting that denies itself as painting (it’s a relief), that seems to throw itself into tridimensional reality, bleeding.

Chiarelli goes on talking about the innovation of incisions in the watercolors in the Series Física (Physics) and the actual holes that Caetano produces when pressing burning cigarettes onto the paper, in the drawings named Maços (Packs). For the critic, these perforations give the work “a physicality closer to object than to painting” and change “the bidimensional space of ‘a thin’ crossed by reality”. The three recent groups of works, namely – Behavior, Física (Physics) and Maços (Packs) – indicate a sheer in the artis’s research, because of the objects’ materiality appreciation, apparent in the Lenticular (2019) work shown at Luisa Strina Gallery, which is an unfolding of Behavior. Chiarelli closes up his essay pointing that materiality “is there as a record of the artist’s transformation start in his research, [which] could have new and unexpected directions.”.

Caetano de Almeida’s eleventh solo exhibition at Luisa Strina is marked by new directions, the most obvious one being the renouncement of mathematical rationality that has defined his paintings since the year 2000. Another aspect of the rupture is the violence imbedded in the works that make reference to the Brazilian rattan. In the two works that depict the rattan weft, violence is present in the cuts (The Invisible Museum, 2019) – the pieces are symbolically torn from the weaving – or in the stretching of the ox’s skin (Carcass, 2019). It seems as if the artist moved from the tropical culture of the “cooling” furniture to the clothes and rugs culture used to keep rooms and bodies warm in icy regions. Although this paintings are filled with a certain cold aspect, a new series of works – and thought – is otherwise compensated with saturation. Pac Man, Construction and Cave – all from 2019 – seem to speak of a virtualized and encrypted world that portrays a sort of information flow decoded in colors and shapes. However, Caetano’s intention is the same as the one which guided the construction of Carcass: to dialogue with art history.

Cave (Caverna) was inspired by the construction of black spaces surrounded by light as in Coubert’s practice. “I am fascinated by the way he created a dark hole as clear as possible in the middle of the canvas” Caetano observes. After Dinner at Ornans (1849), The Painter’s Atelier (1855) and After the Hunt (1859) are some of the paintings that come to mind. On the other hand, Construction (Construção) has its biography connected to technology and archeology, as it has come to life after the artist observed a roman fresco fragment unveiled in a French castle that, during the first stages of restauration – after being identified under many layers of history and coatings – could be observed only through small square and rectangular cuts on the stone wall surface. “The holes allowed glimpses of a volute here, there a plant, cherubins on the corners, all submerged in a dark acqua shade. The image of the mural with cuts remained in my mind for a long time”, Caetano tells us.

Finally, linking all together, there are the holes, cuts and empty spaces that reminds us of actual cuts made by the artist in the past. Actual or virtual (represented), the holes address the suffering and decay that in the exhibition culminate on the painting Crux (2019), a constellation from which weft (in a double meaning of warp and plot) Caetano de Almeida snatched the stars from. The artist admits that the main reference to Art History in this set of recent works is the Leap into the Void by Yves Klein. As with in Rembrandt’s case, where as one can see decay, one can see renewal also. “This is the trip that I want to facilitate: beauty is in the trip, not in the destination”, Caetano adds.

ABOUT THE ARTIST

Born in 1964, Campinas, Caetano de Almeida lives ans works in São Paulo, Brazil. Recent solo exhibitions include: 11R Gallery, New York (2017); Galeria Luisa Strina (2016); ‘Coffret’, Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto (2015); Galerie Anne Villepoix, Paris (2015); Eleven Rivington Gallery, New York (2013); Andreas Thalmann Gallery, Zurich (2013); Galeria Luisa Strina, São Paulo (2012).

Recent group shows include: ‘Por aqui tudo é novo’, Centro de Arte Contemporânea Inhotim (CACI), Brumadinho (2016); ‘A Cor do Brasil: de Visconti a Volpi, de Sued a Milhazes, Museu de Arte do Rio (MAR), Rio de Janeiro (2016); ‘O Estado da Arte’, Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto (2016); ‘0 to 60: The Experience of Time through Contemporary Art, North Carolina Museum of Art, Raleigh (2013); ‘Law of the Jungle’, Lehmann Maupin Gallery, New York (2010); ‘Ponto de Equilíbrio’, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2010).

His works are part of the following collections: Museum of Fine Arts, Boston; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo; Coleção Gilberto Chateaubriand; Coleção Marcantônio Vilaça; Coleção João Carlos Fiqueiredo Ferraz; North Carolina Museum of Art, Raleigh; Acervo Banco Itaú; Associação dos Amigos da Pinacoteca do Estado; Centro de Arte Contemporânea Inhotim; Instituto Tomie Ohtake; Peter Stuyvesant Foundation; Rehabilitation Institute of Chicago; and New York Presbyterian Hospital.

Brian Griffiths na Luisa Strina, São Paulo

“Faço esculturas porque elas se abrigam no mundo conosco, como nós. São inanimadas e ainda assim nos definem. O ser e as coisas parecem sempre misturados. Sou atraído por como pensamos com as coisas e como as coisas pensam. No ateliê, negocio entre o que quero e o que as coisas precisam. Isso geralmente é uma sitcom. Considero a escultura um ato social, uma investigação social, um tipo de narrativa rebelde coletiva. Preocupo-me com a maneira como minha escultura difere de objetos em circulação geral como mercadorias e quais relações e valores essa diferença estabelece. Faço uma arte que é cheia de contradições, falibilidade e sentimentos – algo propositalmente cansado, como uma alternativa para o brilhante e recém-saído da caixa. Eu estou fazendo um lugar para nós, para o humano.” [Brian Griffiths, 2019]

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Taking Sides, a quarta exposição individual do artista com a Galeria Luisa Strina, apresenta duas séries diferentes de trabalhos: No No to Knock-Knocks, versões de um personagem escultórico de Brian Griffiths, e AIR SIGNS, uma série de fotografias de Brian Griffiths e Frank Kent.

No No to Knock-Knocks é uma figura tragicômica: um macho caucasiano assemelhado a um boneco nu, que parece não saber que suas cordas – se alguma vez o seguraram – foram decisivamente cortadas. Careca, cego e com sua pintura cor-de-rosa e corpo de madeira mostrando sinais de desgaste, este pequeno performer interpreta o seu papel aos tropeços.

Em seu livro Puppet: An Essay on Uncanny Life (2011), Kenneth Gross escreve que “o boneco serve como um embaixador ou peregrino do mundo das coisas para os seres humanos”. É um objeto “que tem uma educação, que aprendeu a agir”. Os não-tão-fantoches de Griffiths são performers ambíguos, provocando tanto a risada como a simpatia. Objetos materiais, em vez de corpos vivos, eles estão fadados a subir ao palco, apesar da implausível rigidez de sua atuação, de se comunicar apenas por meio de sua própria matéria aborrecida.

Em Taking Sides, esse personagem aparece para se divertir, tirar uma soneca ou talvez fingir-se de morto; pontuando o espaço como uma história em quadrinhos rotineira. Esse impulso para desacelerar, para demorar-se, pode ser lastreada a tradições do absurdo, em particular à obra de Samuel Beckett, em que a ação tende a estacionar. Este pequeno personagem também tem um toque do artista de vaudeville nele – ele interpreta a comédia de pastelão com grande brio e consegue evocar charme e pathos pelo viés do fracasso.

As posturas da figura e as fixações rudimentares falam de seu potencial de improvisação em andamento; essas obras de arte admitem a perspectiva de sua própria reformulação. Seu tempo parece expansivo, sua situação, mutável; no entanto, esse arquétipo de “homem comum” está perdido e cego acerca de sua situação e dos problemas de tais ideias universais automáticas – e artificiais.

Brian Griffiths e Frank Kent compartilham um ateliê, eles dividem o estúdio exatamente no meio, eles tomam partido. Fizeram juntos obras fotográficas chamadas AIR SIGNS. Estas são uma série contínua de trabalhos esculturais que são apresentados como fotografias. É uma colaboração que apresenta objetos de seu estúdio e, ocasionalmente, da vida dos artistas.

AIR SIGNS valoriza a abordagem improvisada de arranjos formais e a celebração da vida e da arte. Objetos são exibidos, posicionados e colocados em ação dentro de um cubo de madeira. Essa estrutura constante achata as três dimensões e direciona o foco, cria um espaço para isolar e examinar as coisas do dia-a-dia. O palco de veludo torna-se uma superfície dramática e ostensiva que sustenta os objetos acompanhando a luz e a atividade de forma incontrolável.

Essas imagens oscilam satisfatoriamente entre documento e sonho, a razão e a intuição; silenciosa e insistentemente, sugerem imagens de pensamentos com formas estranhas, ou balões de texto. Esses quadros também estabelecem estrutura e ordem – enquanto objetos, ações e o próprio processo fotográfico, tentativas de romper. Tal como acontece com todas as molduras ou fronteiras – elas privilegiam e ignoram (tomando partido de novo) – apresentam um mundo e não o mundo, admitem que a realidade não é algo exterior, mas algo que compomos a cada momento, com uma constante interpretação de fato e ficção, objetiva e subjetiva.

As obras de AIR SIGNS estabelecem um diálogo histórico de arte com outras esculturas fotografadas, como Involuntary Sculptures, de Brassaï, as radiantes fotos de estúdio de Brancusi, fotografias de Peter Fischli & David Weiss de equilíbrio de objetos do cotidiano (Série Equilibrium), imagens de objetos cotidianos de Gabriel Orozco (como Cats and Watermelons, 1992), Marcel Broodthaers (como Daguerre’s Soup, 1974).

A prática de Griffiths sempre negociou as histórias e as linguagens da escultura e seu duplo, o objeto – ele utiliza a posição de que a escultura não pode mais significar algo específico, mas sim indicar uma objetividade polimorfa.

“Brancusi articulou o estúdio em torno de groupes mobiles (grupos móveis), por meio de categorias de escultura, bases e pedestais. Kent e eu criamos estratégias de agrupamento mais relaxadas e abertas, em que as abordagens podem ser reconfiguradas diariamente. Isso resulta em imagens mudando de atitude, do literal e óbvio ao magicamente obscuro; na fotografia Power, History and Comfort (2019) todas as cadeiras do nosso estúdio são agrupadas. Por este arranjo simples o trabalho passa a falar de diferentes espaços, atividades (trabalho e lazer) e períodos do design; em Germany to Spain, England back to Germany (2019), uma série de objetos verdes está alinhada e o título mapeia absurdamente as origens dos objetos; em European Magic (2019), uma bicicleta voa pelo estúdio iluminado pelo anoitecer”, analisa Brian.

SOBRE OS ARTISTAS

Nascido em 1968, em Stratford-upon-Avon, Inglaterra, Griffiths vive e trabalha em Londres, Inglaterra. Mostras individuais recentes incluem: Vilma Gold, Londres (2016); BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead (2015); Tramway, Glasgow (2014); Galeria Luisa Strina, São Paulo (2012). Exposições coletivas recentes incluem: Voyage, Berjamin & Gomide, São Paulo (2017); Nuit Américaine, Office Baroque, Bruxelas (2014); Folk Devil, David Zwirner, Nova York (2013); British Art Show 7: In the Days of the Comet, Hayward Gallery, Londres e itinerância (2010-11); Rude Britannia: British Comic Art, Tate Britain, Londres (2010).

Nascido em 1982 em Londres, UK, Frank Kent vive e trabalha em Londres. Frank Kent estudou na Royal Academy Schools, Londres, e Nottingham Trent University. Exposições anteriores e obras comissionadas incluem: New Works, mostra individual na Fold Gallery, Londres, 2017; Green backrests for lectures and other events, projeto para a Royal Academy Schools, Londres, 2015; Site & Situ, residência de três meses na Surface Gallery, Nottingham, UK, 2011; Visual Delusions, exposição individual na galeria Bend In The River, Gainsborough, UK, 2011.

“I make sculpture because it sits in the world with us, like us. It is inanimate and yet defines us. Self and stuff seem always mixed up. I am drawn to how we think with things and how things think. In the studio I negotiate between what I want, and what the things need. This is often a situational comedy. I consider sculpture a social act, a social investigation, a type of unruly collective storytelling. I am concerned with how my sculpture differs from objects in general circulation as commodities, and what relations and values this difference sets up. I make art that is full of contradictions, fallibility and feelings – something that is unremarkably tired, as an alternative to the shiny and box- fresh. I am making a place for us, for the human.” [Brian Griffiths, 2019]

Taking Sides, the fourth solo show of the artist with Galeria Luisa Strina, present two different series of works: No No to Knock-Knocks, versions of a sculptural character by Brian Griffiths, and AIR SIGNS, a series of photographs by Brian Griffiths and Frank Kent.

No No to Knock-Knocks is a tragi-comic figure: a naked, puppet-like Caucasian male who seems not to know that his strings – if they ever held him up – have now been decisively cut. Bald, blind, and with his pink paintwork and wooden body showing signs of wear and tear, this little performer clunks through his part.

In his book Puppet: An Essay on Uncanny Life (2011), Kenneth Gross writes that ‘the puppet serves as an ambassador or pilgrim to human beings from the world of things’. It is an object ‘that has got an education, that has learned to act’. Griffiths’ not-quite-puppets are ambiguous performers, eliciting both laughter and sympathy. Material objects rather than living bodies, they are fated to take to the stage despite the implausible ‘woodenness’ of their acting, to communicate only through their own dull matter.

In Taking Sides this character turns up to hang-out, to nap, or possibly play dead; punctuating the space like an uneventful comic strip. This impulse to slow down, to linger, can be traced to absurdist traditions, in particular Samuel Beckett’s work were action tends to stall. This little character has also a touch of the vaudeville entertainer about him – he plays the slapstick comic with great panache and manages to evoke charm and pathos through failure. The figure’s postures and rudimentary fixings speak of their ongoing improvisatory potential; these artworks admit the prospect of their own reshaping. His time seems expansive, his situation changeable; yet this ‘everyman’ archetype lost and blind to his predicament and the problems of such ‘man-made’ self-serving universal ideas.

Brian Griffiths and Frank Kent share a studio, they split the studio directly down the middle, they take sides. They have made photographic works together collectively called AIR SIGNS. These are an ongoing series of sculptural works that are presented as photographs. It is a collaboration that presents objects from their studio, and occasionally, from the artists’ lives.

AIR SIGNS values improvised approach to formal arrangements and the celebration of life and art. Objects are displayed, positioned and pressed into action within a wooden cube. This constant framework flattens three- dimensions and directs focus, it creates a space to isolate and scrutinize everyday things. The velvet stage becomes a dramatic and ostentatious surface which holds the objects whilst uncontrollably tracking light and activity. These images shift satisfyingly somewhere between a document and dream, reason and intuition; they quietly, but insistently, suggest image into oddly shaped thoughts, or speech bubbles.

These frames also establish structure and order – as objects, action, and the photographic process itself, attempts to disrupt. As with all frames or borders – it privileges and ignores (taking sides again) – it presents a world not the world, it admits that reality is not something outside, but something we compose every moment, with a constant interpretation of fact and fiction, objective and subjective.

These works enter into art historic dialogue with other photographed sculptural works of Brassaï Involuntary Sculptures, Brancusi’s radiant studio photos , Peter Fischli & David Weiss photographs of balancing of everyday objects (Equilibrium Series), Gabriel Orozco’s imaging of everyday objects (like Cats and Watermelons, 1992) , Marcel Broodthaers (like Daguerre’s Soup, 1974). Griffiths’ practice has always negotiated the histories and languages of sculpture and its doubleganger, the object – he utilizes the position that sculpture can no longer signify something specific, but rather to indicate a polymorphous objecthood.

Brancusi articulated the studio around groupes mobiles (mobile groups), through categories of sculpture, bases, and pedestals. Griffiths and Kent have set up a more relaxed and open grouping strategies where approaches can be reconfigured daily. This results in pictures shifting attitude, from the literal and obvious to the magically obscure; in the photograph Power, History and Comfort (2019) all the chairs from the artists’ studio are collected together. Through this simple arrangement the work starts to speak of different spaces, activities (work and leisure) and periods of design; in Germany to Spain, England back to Germany (2019) an array of green objects are lined up, the title absurdly maps out the objects origins; in European Magic (2019) a bike flies through the dusk lit studio.

ABOUT THE ARTISTS

Brian Griffiths (b. 1968, Stratford-upon-Avon) lives and works in London. His recent solo exhibitions include: Vilma Gold, London (2016); BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead (2015); Tramway, Glasgow (2014); Galeria Luisa Strina, São Paulo (2012). Recent group exhibitions include: Voyage, Berjamin & Gomide, São Paulo (2017); Nuit Américaine, Office Baroque, Brussels (2014); Folk Devil, David Zwirner New York (2013); British Art Show 7: In the Days of the Comet, Hayward Gallery, London and touring (2010-11); Rude Britannia: British Comic Art, Tate Britain, London (2010).

Frank Kent (b. 1982) lives and works in London; he studied at Royal Academy Schools, London and Nottingham Trent University. Previously shows and commissions include: New Works, solo exhibition at Fold Gallery, London, 2017; Green backrests for lectures and other events, commission for Royal Academy Schools, London, 2015; Site & Situ, three-month residency at Surface Gallery, Nottingham, UK, 2011; Visual Delusions, solo exhibition at Bend In The River, Gainsborough, UK, 2011.