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dezembro 6, 2017

Verbo 2018 - Chamada para Projetos

De 1 de dezembro de 2017 a 1 de março de 2018, estarão abertas as inscrições para envio de projetos para a 14ª edição da Verbo Mostra de Performance Arte, que ocorrerá de 3 a 7 de julho de 2018.

[scroll down for English version]

Desde sua criação em 2005, a Verbo procurou apresentar um panorama abrangente da arte da performance programando ações de artistas brasileiros e estrangeiros, com diferentes formações e idades, atuantes em campos distintos da arte. O objetivo é alargar o conceito de performance arte herdado do século XX programando ações de artistas e grupos atuantes no campo das artes visuais, mas também na dança, teatro, poesia e literatura, música, grafite e ativismo. Por conta disso, nunca foi determinado um recorte curatorial a priori.

Para a Verbo 2018, entretanto, parece oportuno definir um terreno conceitual que crie uma reflexão focada no atual momento de conflito ético que caracteriza a vida no Brasil e no mundo. Hoje, a arte é uma potente ferramenta de resistência contra a crescente onda de obscurantismo que permeia o cotidiano.

Tendo isso em mente, poderão participar da seleção de projetos da Verbo 2018 artistas ligados ao campo das artes visuais, das artes cênicas, da dança, da literatura, da música, e da moda, mas também aqueles que se dedicam a pesquisas que se materializam no formato de fotografias, vídeos ou textos.

A seleção de projetos ficará a cargo da artista da dança, professora universitária e pesquisadora, Doutora em Comunicação e Semiótica (PUC/SP) Ana Teixeira, e pelo diretor artístico da Verbo, Marcos Gallon.

Palavras chave: Censura, Corrupção Endêmica, Cultura, Desobediência Civil, Ditadura, Estado de Direito, Estado de Exceção, Ética, Etnia, Extremismo Religioso, Feminismo, Gênero, Gentrificação, Levante, LGBTQ, Manipulação da notícia, Minorias, Patrulha Intelectual, Pobreza, Polícia, Populismo, Pós-verdade, Propriedade, Público/Privado, Raça, Racismo, Redes Sociais, Violência.

Como participar

Os interessados em participar da seleção de projetos poderão encaminhar até 3 propostas inéditas, ou criadas a partir de 2016, acompanhadas dos seguintes documentos:
1 Formulário de inscrição preenchido, disponível para download neste link
2 CV, portfolio atualizado, e bibliografia*
3 Links para visualização de registros em vídeo do projeto
4 Resumo do texto ou da publicação*

*apenas para textos e publicações

Período de recebimento: até 01/03/2018

Informações e envio de projetos: verbo@galeriavermelho.com.br
Resultado da seleção: 18/03/2018


From Dec 1, 2017 to March 1, 2018, Verbo will be receiving applications for the 14th edition of the Performance Art Festival, which will take place from 03 to 07 July 2018.

Since its first edition in 2005, Verbo Performance Art Festival has sought to present a comprehensive panorama of performance art through programming actions of Brazilian and foreign artists with different backgrounds and ages acting in fields other than the visual arts. The objective is to enlarge the concept of performance art inherited from the 20th century by programming actions by artists and groups active in the field of the visual arts, but also in dance, theater, poetry and literature, music, graffiti and activism. Because of this, a priori curatorial selection has never been the determining factor.

However, for Verbo 2018 it has become opportune to define a conceptual ground creating a reflection focusing on the current moment of ethical conflict characterizing life in Brazil and the world. At times like today, art is a powerful tool of resistance against the growing wave of obscurantism that permeates and affects all areas of life.

With this in mind, artists in the fields of visual arts, dance, literature, music and fashion, as well as those engaged in investigations materializing in the format of photographs, videos or texts may participate in the selection of projects for the 2018 edition of Verbo.

The selection will be done by the dance artist, university professor and researcher, PhD in Communication and Semiotics, Ana Teixeira, and Marcos Gallon, artistic director of Verbo.

Keywords: Censorship, Endemic corruption, Culture, Civil Disobedience, Dictatorship, State of Exception, Ethics, Ethnicity, Religious Extremism, Fake news, Feminism, Gender, Gentrification, LGBTQ, Minorities, Intellectual Patrol, Police, Populism, Post-Truth, Property, Public/Private, Race, Racism, Rule of Law, Social Media, Violence, Uprising.

How to participate

Those interested in participating in the selection process may submit up to 3 new proposals (recent creations or creations premiered in 2016) together with the following documents:
1 Completed application form, available for download here
2 Updated CV, portfolio and bibliography*
3 Links for video documentation
4 Summary of text or publication*

*only for texts and publications

Deadline: 01/03/2018

For more information, please write to: verbo@galeriavermelho.com.br
Results: 18/03/2018

Publicado por Patricia Canetti às 2:23 PM


novembro 29, 2017

Assista ao anúncio do vencedor do Prêmio Pipa 2017

No último sábado, 18 de novembro, o curador do Instituto PIPA, Luiz Camillo Osorio, anunciou o grande vencedor da oitava edição do Prêmio PIPA no MAM-Rio. A ocasião ainda contou com o anúncio do artista mais votado pelos visitantes da Exposição dos Finalistas, vencedor da categoria PIPA Voto Popular Exposição, e com o lançamento do catálogo de 2017 – repaginado, ele ganhou uma nova capa e textos críticos exclusivos sobre cada um dos finalistas desta edição.

Camillo foi um dos participantes do Júri de Premiação 2017 que, formado ainda por Fernando Cocchiarale, Consuelo Bassanesi, Leda Catunda e Marcelo Campos, foi responsável por selecionar o ganhador do Prêmio PIPA 2017. Em uma reunião no MAM-Rio, o grupo analisou portfólios, carta de intenção, obras apresentadas na exposição do Prêmio PIPA e a relevância do prêmio a ser recebido para a trajetória de cada um dos quatro finalistas da oitava edição. O vencedor, escolhido entre Antonio Obá, Bárbara Wagner, Carla Guagliardi e Éder Oliveira, você descobre no vídeo abaixo, produzido pela Do Rio Filmes:

O vencedor do Prêmio PIPA 2017 recebe uma doação financeira e uma participação de três meses em um programa de residência artística da Residency Unlimited, em Nova York, em 2018. O valor total da doação totaliza R$130 mil. Já o ganhador do PIPA Voto Popular Exposição recebe uma doação financeira de R$24 mil. Os vencedores das duas categorias doam, cada um, uma obra para o Instituto PIPA.

Apesar de o anúncio já ter sido feito, a Exposição dos Finalistas do Prêmio PIPA 2017 continua em cartaz no MAM-Rio. Mas corra: é só até este domingo, 26 de novembro.

Clique aqui para saber mais sobre a oitava edição do Prêmio PIPA.

Publicado por Patricia Canetti às 9:56 AM


novembro 26, 2017

Prêmio EDP nas Artes: Residência Artística na Escola Entrópica - Inscrições

O Prêmio EDP nas Artes lança, pela primeira vez, uma residência artística na Escola Entrópica do Instituto Tomie Ohtake, para jovens artistas de 18 a 27 anos. Serão concedidas duas bolsas para os cursos, grupos de estudos e acompanhamento artístico na Escola Entrópica, além de passagem e hospedagem durante quatro meses na cidade de São Paulo, com espaço de residência e ateliê.

Inscrições online até 22 de dezembro de 2017

PRÊMIO EDP NAS ARTES
RESIDÊNCIA ARTÍSTICA NA ESCOLA ENTRÓPICA 2018

INTRODUÇÃO

O Prêmio EDP nas Artes, desde 2009, vem contribuindo para o mapeamento, reconhecimento e formação da atual produção artística no Brasil, por meio do acompanhamento curatorial dos artistas selecionados, exposições, catálogos, publicações e debates.

Dando continuidade a essa série de iniciativas, o Prêmio propõe uma Residência, que, com o objetivo de apoiar a formação de artistas, oferece uma oportunidade de estudo e prática artística na Escola Entrópica do Instituto Tomie Ohtake, além de espaço para residir e produzir na cidade de São Paulo.

Serão selecionados dois artistas entre 18 e 27 anos para a Residência, a ser realizada entre março e julho de 2018. Os selecionados serão contemplados com passagens aéreas ou terrestres (à cidade de São Paulo e retorno à cidade onde reside atualmente), hospedagem e bolsa integral para as atividades da Escola Entrópica no Instituto Tomie Ohtake.

Poderão se inscrever artistas brasileiros ou estrangeiros residentes no Brasil há pelo menos dois anos, e com atuação nas diversas expressões da área de artes visuais (pintura, desenho, gravura, escultura, colagem, instalação, fotografia, vídeo, performance, som, novas mídias e outras), que tenham disponibilidade para participarem integralmente das atividades da Residência durante o período proposto.

As inscrições são gratuitas e devem ser realizadas entre 9 de novembro e 22 de dezembro de 2017 pelo site http://premioedpnasartes.institutotomieohtake.org.br/, com o preenchimento de cadastro, envio de carta de intenção e portfólio.

Para auxiliar no processo de elaboração do portfólio a ser enviado na inscrição, é recomendada a leitura da publicação intitulada “Portfólio - ideias para pensar a organização e apresentação do trabalho de arte”, disponível gratuitamente no site do Prêmio, como uma das fontes possíveis de referência e consulta para esse fim.

ESCOLA ENTRÓPICA

A Escola Entrópica busca ampliar os espaços de compartilhamento, experimentação e produção crítica entre artistas, pesquisadores, curadores e o público, tendo como mote a entropia e suas noções de transformação irrefreável. O artista poderá vivenciar dinâmicas de erosão de certezas, aumento de temperatura de processos, dispêndio concentrado e contínuo de energia, a partir de processos que partem do pressuposto de que não há um ponto ideal a ser alcançado.

O programa da Escola Entrópica é composto de grupos de estudo em arte contemporânea, cursos livres, encontros de acompanhamento com um professor-orientador, conversas com artistas, pesquisadores e curadores e visitas a exposições e ateliês.

Os grupos de estudo são constituídos por encontros semanais de discussão sobre processos de pesquisa e de realização de exercícios de experimentação artística pautados nas práticas dos participantes.

Os artistas selecionados poderão escolher um dos grupos de estudo da Escola Entrópica, coordenados por uma dupla de artistas e curadores: Galciani Neves e Vitor Cesar, ou Pedro França e Paulo Miyada.

O programa inclui ainda a participação gratuita em três cursos livres (cada curso com três aulas) oferecidos ao longo do semestre. Os cursos livres são provocações – teóricas e/ou práticas – provenientes das investigações dos artistas e pesquisadores que ministram as aulas e propõem exercícios para os participantes.

O acompanhamento será feito por meio de quatro encontros com um dos professores-orientadores para o adensamento das questões vivenciadas pelo participante, com foco direcionado em sua produção, além de dois encontros de ebulição: visita a um ateliê e exposição.

RESIDÊNCIA ARTÍSTICA

Dois artistas serão selecionados e contemplados com:


  • passagens aéreas ou terrestres (à cidade de São Paulo e retorno à cidade onde reside atualmente), em território nacional;

  • hospedagem em quarto privativo;

  • bolsa integral para um dos grupos de estudo e produção de arte contemporânea da Escola Entrópica, composto por encontros semanais, nas salas de ateliê do Instituto Tomie Ohtake;

  • bolsa integral para três cursos livres da Escola Entrópica, que propõem aprofundar as experiências e pesquisas dos participantes e discutir suas práticas;

  • acompanhamento de um professor-orientador (artista ou curador), para discussão sobre percurso, produção e portfólio, em quatro encontros (um por mês), com duas horas de duração;

  • visita ao ateliê de um artista brasileiro a ser escolhido;

  • participação na mostra coletiva da Escola Entrópica, na qual os integrantes dos grupos de estudos apresentam exercícios e experimentações, nas salas de ateliê do Instituto Tomie Ohtake, em julho de 2018;

  • acesso à biblioteca e publicações do Instituto Tomie Ohtake, bem como aos projetos artísticos, educativos e sócio-culturais do Núcleo de Cultura e Participação e do Núcleo de Pesquisa e Curadoria que possam interessar ao artista para investigar possíveis formas de aproximação com a comunidade local, ações em espaços públicos, ou com projetos de outros artistas e coletivos;

  • divulgação da Residência e participação do artista no site, catálogo e mídias sociais do Instituto Tomie Ohtake, EDP e Instituto EDP.

INSCRIÇÃO

Podem se inscrever artistas:

  • brasileiros, natos ou naturalizados, ou estrangeiros residentes no Brasil, há pelo menos dois anos, com domínio da língua portuguesa, e que estejam com idade entre 18 e 27 anos completos até a data de inscrição;
  • as inscrições são gratuitas e devem ser efetuadas exclusivamente pela internet a partir do dia 09 de novembro até as 23h59 do dia 22 de dezembro de 2017 no site http://premioedpnasartes.institutotomieohtake.org.br/
  • deverão, obrigatoriamente, ser enviados, através da plataforma online de inscrição:

1) FICHA DE INSCRIÇÃO preenchida no formulário online com dados pessoais e proposta/carta de intenção para a residência na cidade de São Paulo;

2) DOCUMENTO DE IDENTIDADE (RG ou CNH) digitalizado em formato PNG, JPEG ou PDF;

3) PORTFÓLIO em formato PDF, com até 10MB, incluindo imagens do percurso de formação, trabalhos/obras com detalhamento técnico e textos críticos de exposições que tenha participado (se houver);

  • como referência para a construção do portfólio, recomenda-se a leitura da publicação online, disponibilizada gratuitamente no site do Prêmio: “Portfólio - ideias para pensar a organização e apresentação do trabalho de arte”;
  • no caso de coletivos, apenas um dos artistas poderá participar da Residência, devendo ser feita a inscrição de seus integrantes separadamente;
  • não poderão inscrever-se membros da Escola Entrópica ou da equipe de seleção, funcionários ou colaboradores do Instituto Tomie Ohtake ou do Instituto EDP, bem como seus cônjuges ou familiares até o terceiro grau;
  • serão excluídas do processo seletivo as inscrições enviadas fora do prazo estabelecido, com algum dos arquivos faltantes ou informações incompletas.

CRONOGRAMA

09 de novembro de 2017: início das inscrições
22 de dezembro de 2017: término das inscrições
29 de janeiro de 2018: divulgação dos 08 pré-selecionados para entrevista
05 de fevereiro de 2018: início das entrevistas com os 08 artistas pré-selecionados
19 de fevereiro de 2018: divulgação dos 2 artistas selecionados
março de 2018: início da residência na Escola Entrópica
junho de 2018: término dos encontros dos grupos de estudo da Escola Entrópica
15 de julho: mostra coletiva dos exercícios realizados na Escola Entrópica e fim da Residência

SELEÇÃO

O processo de seleção será constituído por duas etapas:

1ª etapa) pré-seleção: compreenderá a conferência e análise dos materiais enviados; serão selecionados até 8 artistas para entrevista;

2ª etapa) entrevista com os artistas: realização de conversas individuais por Skype; serão selecionados os 2 artistas residentes e 2 artistas como suplentes;

  • a comissão de seleção é autônoma e suas decisões são soberanas, não sendo passíveis de questionamento e/ou recursos;
  • são critérios para a seleção:

- expressão e experimentação ao longo do percurso artístico: portfólio;
- coesão na apresentação da pesquisa: carta de intenção;
- comprometimento e interesse pela proposta da residência: entrevista.

Paulo Miyada, curador do Instituto Tomie Ohtake.
Galciani Neves, curadora e professora, mestre e doutora pela PUC-SP.
Felipe Arruda, diretor do Núcleo de Cultura e Participação do Instituto Tomie Ohtake.

CONDIÇÕES DE PARTICIPAÇÃO

Os dois artistas selecionados comprometem-se à:


  • assumir despesas de alimentação, transporte dentro da cidade de São Paulo, compra de materiais e gastos de uso pessoal; despesas médicas ou de saúde, que possam vir a ser necessárias;

  • autorizar uso de sua imagem, projeto e registro do processo durante a residência, responsabilizando-se pela obtenção de autorização ou cessão de direitos relativos a obras de terceiros, quando necessário;

  • responsabilizar-se pela organização e preservação dos espaços físicos de ateliê, salas de aula e do quarto onde estará hospedado, cumprindo com os horários e combinados feitos com a equipe de produção;

  • disponibilizar-se para possíveis encontros com o público ou atividades no Instituto Tomie Ohtake, podendo propor ou ministrar oficinas;

  • o artista deve ter, no mínimo, 75% de frequência nas aulas dos cursos e grupo de estudos, não sendo possível o cancelamento após o início das atividades;

  • acompanhar a montagem coletiva da mostra com os exercícios realizados no grupo de estudos, nas salas de ateliê da Escola Entrópica;

  • divulgar sempre que possível o apoio da Residência à pesquisa desenvolvida na Escola Entrópica;

  • a inscrição implica no pleno conhecimento e aceitação dos termos deste edital.

FONTE: http://premioedpnasartes.institutotomieohtake.org.br/wp-content/uploads/2017/11/edital-residencia-na-escola-entropica-2.pdf

Publicado por Patricia Canetti às 3:08 PM


novembro 6, 2017

33ª Bienal de São Paulo revê papel da curadoria

Com abertura em setembro de 2018, mostra terá sete artistas atuando em sua concepção

A menos de um ano de sua abertura, a 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades afetivas vem sugerir uma mudança no próprio modo de se organizar a exposição. Procurando questionar a centralidade do papel do curador na arte contemporânea, Gabriel Pérez-Barreiro foi selecionado pela Fundação Bienal com uma proposta que distribui o poder de decisão e dá prioridade às influências entre processos e artistas.

No intuito de rever o uso de temáticas nas curadorias, a 33ª edição nasce de um “sistema operacional” alternativo que privilegia o olhar dos artistas sobre seus próprios contextos criativos. Sete artistas de diferentes origens, gerações e práticas artísticas foram convidados por Pérez-Barreiro a conceber, cada um deles, uma exposição coletiva selecionando seus pares. Dessa forma, a Bienal terá sete exposições diferentes, curadas pelos artistas:

Alejandro Cesarco concentra sua pesquisa em artistas que trabalham sobre tradução e imagem; Antonio Ballester Moreno propõe um diálogo de sua obra com referenciais que tratam da história da abstração e a relação com a natureza, a pedagogia e a espiritualidade; Claudia Fontes pretende ativar questões envolvendo relações entre arte e narrativa; Mamma Andersson elabora temas de figuração na tradição da pintura, desde a arte popular à arte contemporânea; Sofia Borges prepara uma pesquisa sobre a tragédia e a forma ambígua; Waltercio Caldas desenvolve uma reflexão histórica sobre a forma e a abstração; enquanto Wura-Natasha Ogunji reúne um grupo de artistas que trabalham com proximidade, compartilhando questões sobre a identidade e a diáspora africana.

“Ao se aproximar do pensamento criativo, este modelo dá visibilidade a processos e afinidades, em diálogo com uma longa tradição de curadorias feitas por artistas”, explica Pérez-Barreiro. As sete exposições serão complementadas por individuais selecionadas pela curadoria geral. A lista final de participantes será anunciada no primeiro semestre de 2018.

Afinidades afetivas

A ideia de Afinidades afetivas vem guiar a construção dessa Bienal. A expressão nasce da associação de um romance de Goethe, Afinidades eletivas (1809), com o pensamento de Mário Pedrosa em sua tese "Da natureza afetiva da forma na obra de arte" (1949). Protagonista tanto na história da arte quanto na esfera política de seu tempo, Pedrosa foi uma figura ímpar para o pensamento moderno brasileiro e para as primeiras Bienais:

“Resgato de sua atuação o compromisso com a diversidade de linguagens artísticas, a convicção de que a arte é uma expressão da liberdade e da experimentação, a fé nos artistas e o papel social e transformador que a arte pode ter a partir de uma modificação da sensibilidade das pessoas”, explica Pérez-Barreiro.

O título não serve como direcionamento temático para a exposição, mas caracteriza a forma de conceber a mostra. Se no romance de Goethe um casal de personagens recebe convidados que afetam diretamente a sua relação (tal e qual ocorre com elementos químicos), as curadorias da 33a Bienal explicitam vínculos, afinidades artísticas e culturais e as múltiplas influências que alimentam os artistas envolvidos.

Mediação, arquitetura e projeto editorial

Os conceitos estabelecidos pela curadoria pautam o desenvolvimento dos projetos educativo, arquitetônico e editorial. Para trabalhar em consonância com a equipe da Fundação Bienal foram convidados os colaboradores Alvaro Razuk (arquitetura), Lilian L'Abbate Kelian e Helena Freire Weffort (educativo), Fabiana Werneck (editorial) e Raul Loureiro (identidade visual).

Com o objetivo de acentuar as passagens entre os múltiplos momentos da exposição, o projeto arquitetônico pensado por Razuk cria áreas de respiro distanciando as diferentes exposições coletivas e evitando uma ocupação exaustiva do espaço. Procurando pensar ambientes mais intimistas e/ou de menor escala, a organização espacial sugere um contraponto à incontornável dimensão arquitetônica do prédio.

As práticas de mediação do projeto educativo se dedicarão à economia da atenção, procurando contrabalançar a dispersão causada pelo imenso volume de informação e imagens a que somos submetidos diariamente. Por meio de exercícios que provocam um estranhamento entre o público visitante e a situação expositiva, a abordagem busca enfatizar a qualidade e a potência do olhar atento.

Para o projeto editorial, o catálogo em moldes tradicionais será substituído por um conjunto de livros de artista. Será produzida também uma publicação com o registro da Bienal após sua abertura, que incluirá ensaios fotográficos da exposição e de sua montagem, bem como entrevistas com os artistas participantes. A identidade visual da 33a Bienal elegeu a tipografia Helvetica, que prioriza a clareza e a neutralidade de significados, endossando o pensamento de uma Bienal não temática, enfatizando o número 33 como elemento gráfico.

A fim de alinhar pensamento e sentimento, criação e reflexão, a 33ª Bienal se desenha como exposição que privilegia a experiência acima do discurso, a descoberta acima do tema e a pluralidade acima da uniformidade. Ao evidenciar relações de poder e deslocar os lugares de fala e decisão, a 33ª Bienal procura fazer da arte um lugar central de atenção no mundo.

Curador-geral e equipe curatorial

GABRIEL PÉREZ-BARREIRO
(La Coruña, Espanha, 1970. Vive entre São Paulo e Nova York, EUA)
É doutor em História e Teoria de Arte pela Universidade de Essex (Reino Unido) e mestre em História da Arte e Estudos Latino-Americanos pela Universidade de Aberdeen (Reino Unido). Em seus mais de 20 anos de atuação, foi curador de Arte Latino-Americana no Blanton Museum of Art, na Universidade do Texas (2002-2008), curador-chefe da 6ª Bienal do Mercosul, em Porto Alegre (2007) e diretor de Artes Visuais na The Americas Society, em Nova York (2000-2002). Trabalhou ainda como coordenador de Exposições e Programas na Casa de América, em Madri (1998-2000) e como curador fundador da Coleção de
Arte Latino-Americana da Universidade de Essex (1993-1998). Foi conselheiro da Fundação Iberê Camargo e curou, no Brasil e no exterior, exposições de artistas como Lygia Pape, Geraldo de Barros, Rivane Neuenschwander, Waltercio Caldas e Willys de Castro. É diretor e curador-chefe da Coleção Patricia Phelps de Cisneros, com sedes em Nova York e Caracas.

ALEJANDRO CESARCO
(Montevidéu, Uruguai, 1975. Vive em Nova York, EUA)
Alejandro Cesarco utiliza diferentes formatos e estratégias para abordar seu constante interesse por repetição, narrativa e pelas práticas de leitura e tradução. Exposições individuais recentes incluem: Song, The Renaissance Society, Chicago (2017); Prescribe the Symptom, Midway Contemporary Art, Mineápolis (2015); Loyalties and Betrayals, Murray Guy, Nova York (2015); Secondary Revision, Frac Île-de-France/Le Plateau, Paris (2013); Alejandro Cesarco, MuMOK, Viena (2012); The Early Years, Tanya Leighton, Berlim (2012); A Common Ground, Pavilhão Uruguaio, 54ª Bienal de Veneza (2011); e Present Memory, Tate Modern, Londres (2010). Exposições coletivas incluem: Question the Wall Itself, Walker Art Center, Mineápolis (2016); Under the Same Sun, Guggenheim Museum, Nova York (2014); e 30a Bienal de São Paulo – A iminência das poéticas (2012). Cesarco é diretor da organização sem fins lucrativos Art Resources Transfer.

ANTONIO BALLESTER MORENO
(Madri, Espanha,1977. Vive em Madri)
Antonio Ballester Moreno graduou-se em artes pela Universidad Complutense Madrid. Ele também desenvolveu estudos na Universität der Künste Berlin com o professor Lothar Baumgarten de 2000 a 2002. Ballester Moreno realizou exposições individuais em La Casa Encendida, Madri (2017), MUSAC, León (2008) e em galerias de arte como Christopher Grimes, Santa Monica (2016), Galeria Pedro Cera, Lisboa (2016, 2014), Maisterravalbuena, Madri (2015, 2013, 2009) e Peres Projects Berlim e Los Angeles. Também participou de diversas exposições coletivas: Colección III e IV e Antes que todo (2010), na CA2M Madrid, Una pausa para reflexionar (2014) e Existencias, no Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León – MUSAC (2007), entre muitas outras. Recebeu vários apoios de instituições como MUSAC – Bolsa de Criação Artística (2006) e Fundación Arte y Derecho (2005). Seu trabalho se encontra nos acervos do MUSAC e do Centro de Arte 2 de Mayo, Madri. De 2003 a 2009, coordenou o espaço de arte sem fins lucrativos Liquidación Total.

CLAUDIA FONTES
(Buenos Aires, Argentina, 1964. Vive em Brighton, Inglaterra)
Claudia Fontes é uma artista visual que, por meio de suas ações, explora objetos e pesquisas, o espaço poético e modos alternativos de percepção da cultura, natureza, história e sociedade que são gerados nos processos de descolonização, sejam eles pessoais, interpessoais ou sociais. Ela estudou arte na Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón em Buenos Aires e história da arte na Universidade de Buenos Aires. Fontes tem participado de exposições desde 1992, com mostras individuais em espaços como: Instituto de Cooperación Iberoamericana – I.C.I., Museu de Arte Moderna de Buenos Aires – MAMbA, Galería Luisa Pedrouzo, Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo e The Wordly House, na Documenta 13, Kassel (2012). Seu trabalho foi exposto recentemente no Pavilhão da Argentina na Bienal de Veneza de 2017 e está presente nas coleções do Museu de Arte Latinoamericana de Buenos Aires – MALBA, MAMbA, e Museu de Arte Contemporânea de Rosario – MACRO, bem como em coleções particulares na Argentina e na Europa.

MAMMA ANDERSSON
(Luleå, Suécia, 1964. Vive em Estocolmo, Suécia)
Andersson é uma das artistas suecas mais reconhecidas no âmbito internacional. Inspirada em imagens de filmes, cenografias de teatro e interiores de época, as composições de Mamma Andersson são com frequência oníricas e expressivas. Suas referências estilísticas incluem a pintura figurativa nórdica da virada do século 19 para o século 20, a arte popular e o vernacular contemporâneo; porém o uso sugestivo do espaço pictórico e as justaposições de camadas grossas de tinta e lavadas texturizadas constituem características únicas do seu trabalho. Sua temática se desenvolve em torno de paisagens evocativas, melancólicas e interiores privados corriqueiros. Seu trabalho está representado em coleções como as do MoMa, Nova York; Dallas Museum of Modern Art; Museum of Contemporary Art – MOCA, Los Angeles; Hammar Museum, Los Angeles; Nasjonalmuseet, Oslo; Moderna Museet, Estocolmo. Em 2006 ela recebeu o primeiro prêmio no Carnegie Art Award e em 2003 representou a Suécia na Bienal de Veneza. Ela se graduou no Royal Institute of Arts, Estocolmo, em 1993.

SOFIA BORGES
(Ribeirão Preto, Brasil, 1984. Vive em São Paulo, Brasil)
Sofia Borges é artista visual formada em 2008 pela Universidade de São Paulo. Entre 2009 e 2011, realizou sete mostras individuais no Brasil, foi selecionada pelo Rumos Itaú Cultural, recebeu o Prêmio Destaque da Bolsa Iberê Camargo, ganhou o Prêmio Porto Seguro de Fotografia e seu trabalho integrou o Clube da Fotografia 2011 no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Em 2012, participou da 30ª Bienal de São Paulo – A iminência das poéticas. Em 2013, a artista foi indicada ao Premio BES de Fotografia (Portugal), ao Foam Paul Huf Award e recebeu o prêmio de Fotografia do Centro Cultural São Paulo. Neste mesmo ano, realizou individuais na Cidade do México, Madri, Paris, Lisboa e São Paulo. Em 2014, apresentou trabalhos em Londres, Los Angeles, Lyon, São Paulo, Doha e Beijing. Em 2015 realizou uma individual em Paris, participou de exposições coletivas no Brasil, França e Canadá e desenvolveu o No Sound, o seu primeiro projeto colaborativo/experimental como curadora. Em 2016, venceu o prêmio inglês The First Book Award com o projeto The Swamp.

WALTERCIO CALDAS (Rio de Janeiro, Brasil, 1946. Vive no Rio de Janeiro, Brasil)
Waltercio Caldas realizou sua primeira exposição individual em 1973 no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Desde então tem participado de inúmeras exposições no Brasil e no exterior. Em 1998 recebeu o prêmio Johnnie Walker de artes plásticas e, em 2002, o prêmio Mario Pedrosa da Associação Brasileira de Críticos de Arte, ambos pelo conjunto de sua obra. Representou o Brasil nas Bienais de São Paulo de 1983, 1987 e 1996; na Documenta IX, em 1992; e nas Bienais de Veneza em 1997 e 2007. Em 2013 uma retrospectiva de suas obras percorreu três museus: a Fundação Iberê Camargo, a Pinacoteca de São Paulo e o Blanton Museum of Art no Texas, EUA. Sobre a obra de Waltercio Caldas foram publicados Aparelhos (1978, GBM Editora); Manual da ciência popular (1982, Edições Funarte e 2008, Cosac Naify), Waltercio Caldas (2000, Cosac Naify), entre outros. O livro Os desenhos / The Drawings com seus desenhos e texto de Lorenzo Mammì foi lançado pela Editora BEI em 2017.

WURA-NATASHA OGUNJI (St. Louis, EUA, 1970. Vive em Lagos, Nigéria)
Wura-Natasha Ogunji é artista visual e performática. Suas obras incluem desenhos, vídeos e performances públicas. Seus desenhos costurados a mão, feitos sobre papel vegetal, inspiram-se nas interações e ocorrências cotidianas – das épicas às mais íntimas – na cidade de Lagos. As performances de Ogunji exploram a presença da mulher no espaço público e, em geral, incluem investigações sobre trabalho, lazer, liberdade e frivolidade. Uma seleção de seus desenhos em grande escala foi recentemente exposta na Kochi-Muziris Biennale, em Kerala, Índia. Também realizou exposições na 1:54, em Londres; no Seattle Art Museum; no Brooklyn Art Museum; e no Louisiana Museum of Modern Art. Ogunji recebeu a prestigiada Guggenheim Foundation Fellowship, além de apoios das instituições The Pollock-Krasner Foundation, The Dallas Museum of Art, e Idea Fund. Ela concluiu o bacharelado (BA) em Antropologia na Stanford University em 1992 e o mestrado (MFA) em Fotografia na San Jose State University em 1998.

33ª Bienal - Afinidades afetivas
De 7 de Setembro a 9 de Dezembro de 2018
Pavilhão Ciccillo Matarazzo, Parque Ibirapuera

Preview para Imprensa: 4 de Setembro de 2018
Preview para imprensa, profissionais e convidados: 5 e 6 de Setembro de 2018
Credenciamento a partir de janeiro

www.bienal.org.br

Publicado por Patricia Canetti às 5:16 PM


outubro 30, 2017

Residência Artística Internacional OCA - Selecionados

Programa pioneiro da UnB aproxima as artes das Américas
Residência artística terá Brasília como tema principal

A Casa da Cultura da América Latina lançou na quarta-feira (25) uma residência artística pioneira em Brasília. Seis artistas de países latino-americanos foram selecionados entre mais de 120 inscritos de toda a América Latina – Colômbia, Guatemala, México e Peru, além do Brasil. Os artistas vão passar um mês experimentando a cidade de Brasília, investigando seus aspectos sociais e culturais, e pesquisando sobre a capital que é símbolo do modernismo brasileiro. O objetivo é aproximar as artes e os artistas desse espaço diverso, e que os artistas apresentem, ao final de um mês, suas vivências nessa residência.

Segundo o diretor da Casa da Cultura da América Latina, ligada ao Decanato de Extensão da Universidade de Brasília, Alex Calheiros, esse programa foi pensado para que os artistas possam ter contato com o cenário artístico e cultural da cidade, incentivando a troca de visões e experiências, mas, sobretudo, como proposta de “revitalização do Setor Comercial Sul, uma região onde prevalece prédios comerciais e órgãos públicos, com pouca vida noturna ou cultural”.

Os artistas vão ser acompanhados por curadores de Brasília e produtores da CAL UnB, entre eles estudantes da Universidade. Vão visitar os edifícios mais célebres da capital federal, mas também as cidades satélites e ter contato com a população.

A proposta de imersão dos artistas em Brasília vai além da visão mais conhecida da capital. Propomos visitas por lugares inesperados, longe das imagens dos cartões postais, para que os artistas conheçam as várias Brasílias.

Na programação, está previsto o Parque Ecológico Ermida Dom Bosco, cuja localização geográfica derivaria de uma visão do santo, durante o século XIX sobre o local da terra prometida. Os residentes também devem visitar o setor residencial projetado por Lúcio Costa, em sua expressão mais conservada: a quadra modelo (308 Sul), onde está a “Igrejinha” de Niemeyer e o espelho de água de Burle Marx, escondido entre os prédios. Para além dos limites do plano piloto, os residentes devem conhecer o Vale do Amanhecer em Planaltina, que foge da efervescência da cidade, mas que carrega uma carga mística inusitada. Ainda em Planaltina, a pedra fundamental marca o centro do país, no ponto mais elevado do Morro do Centenário. A proposta é ter uma visão em todas as direções. Brasília é a capital, símbolo de centralidade e unicidade, mas de fato, espaço de diversas realidades.

O programa também prevê palestras com artistas locais e nacionais. No dia 1º de novembro, o grupo vai conhecer de perto o Empreza, grupo composto de artistas de Goiânia, Brasília, São Paulo e Rio, que fará um serão de performances na Casa da Cultura da América Latina. No final do mês, a artista paulista Carmela Gross e o arquiteto Paulo Mendes da Rocha são os convidados para uma conversa na Cal UnB. Todos os eventos são abertos ao público e gratuitos.

A residência tem duração de 4 semanas. Na primeira semana, os artistas circularão pela cidade, conhecendo pontos turísticos e espaços públicos em geral, além da Universidade. A segunda e terceira semanas estão reservadas para que produzam no ateliê que a Cal UnB oferece. Na quarta e última semana, haverá palestras e um ateliê aberto ao público para que conversem com os artistas. O programa de residência artística OCA conta com o apoio da Organização dos Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI), SESC-DF, e também o apoio de todas as embaixadas da América Latina e Caribe.


O lançamento oficial da Residência Artística Internacional OCA foi às 15 horas desta quarta-feira, 25 de outubro, no Anfiteatro 9 do ICC Sul.

A comissão de seleção do programa OCA é composta pelos curadores Ana Avelar e Renata Azambuja e pelos artistas Gregório Soares, Elder Rocha e Gisel Carriconde. Foram selecionados os seguintes artistas:

Cecilia Vilca Ocharan - Peru
Esvin Alarcón Lam - Guatemala
Ismael Arturo Rodríguez Moreno - México
Jordi Tasso Melo (estudante) - Brasil
Maria Alejandra Rojas Arias (estudante) - Colômbia
Sergio Camilo Pinzón Herrera – Colômbia

Foram ainda convidados artistas de Brasília para acompanharem as atividades. São eles: Cecilia Bona, Gustavo Silvamaral, Thiago Pinheiro e Katalina Leão.

Publicado por Patricia Canetti às 2:54 PM