e-nformes

Júlio Neves é reeleito por unanimidade no Masp

Matéria publicada originalmente na Folha de São Paulo do dia 30 de outubro de 2004.

O arquiteto Júlio Neves, diretor-presidente do Museu de Arte de São Paulo (Masp) foi reeleito por unanimidade ontem, em eleição - com chapa única - realizada a partir das 17h, na instituição.

Ao todo, 55 dos 68 conselheiros compareceram à eleição e votaram pela permanência de Neves no cargo. Esse resultado prolonga por mais dois anos sua gestão, que já dura dez anos.

Leia a continuação e publique seu comentário no Como atiçar a brasa.

Comentários: MASP PEDE SOCORRO!

"é escandaloso o que se passa no MASP e faz muito tempo, que não visito o museu. Me nego a por os pés lá. Foi a única forma que eu encontrei de mostrar a minha indignação".

Helena Pessoa

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TEXTOS DO E-NFORME

VIA BR 040 - SerraCerrado no Museu Imperial

Reunindo 13 artistas de Petrópolis e Brasília será aberta na Plataforma Contemporânea - galeria dedicada à arte atual - situada no Pavilhão das Viaturas, anexo ao Palácio do Museu Imperial a exposição VIA BR 040 - SerraCerrado. Reúne pinturas, desenhos, objetos, fotografias, vídeos e instalações dos artistas.

Idealizada e coordenada por Neno Del Castillo e Sonia Salcedo del Castillo, a exposição é a terceira da série do Programa de Artes Visuais, uma parceria entre o Museu Imperial e a Funarte, que prevê a realização de exposições, seminários multidisciplinares, cursos e workshops, com a proposta de capacitar profissionais, formar novas platéias e ampliar o conhecimento do público em geral. Alinhado aos questionamentos lançados pela produção artística nos últimos anos, bem como às reflexões realizadas sobre a museologia no século 20. Essa cooperação técnica entre as duas instituições foi desenvolvida com o objetivo de difundir e documentar a produção artística nacional, por meio de exposições e de ações didáticas, que em suas vertentes temáticas, históricas e poéticas busquem oferecer aos visitantes a oportunidade de refletir sobre a diversidade artística contemporânea.

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Texto dos idealizadores

Sonia Salcedo del Castillo e Neno del Castillo

O Programa de Artes Visuais - Museu Imperial/Funarte tem o prazer de apresentar VIA BR 040 - SerraCerrado, terceira exposição da série prevista em seu escopo, cujo objetivo é difundir e documentar a produção artística contemporânea, mediante a expografia. Em continuidade à mostra anterior, VIA BR 040 - longo trecho em aclive, que expôs trabalhos elaborados por artistas residentes entre o Rio de Janeiro e Minas Gerais, SerraCerrado retoma o percurso da BR 040 - principal via de acesso a Petrópolis - para conectar-se artisticamente a seu destino final: o Distrito Federal.

Sob a idéia de estreitar a relação de Petrópolis com o contexto contemporâneo da arte, bem como de ampliar a noção de eixo artístico nacional, esta exposição reúne 13 artistas de trajetórias diversas, cuja produção se realiza nas cidades e nos arredores de Petrópolis e Brasília.

VIA BR 040 - SerraCerrado não retoma essa estrada para explorar tão-somente analogias cartográficas. O conceito desta mostra investe na relação simbólica que para nós é inerente a seus limites. Conduzidos por essa linha imaginária, traçamos um painel da produção contemporânea de arte realizada nesse espaço geográfico, escolhendo trabalhos cuja pesquisa artística questiona o plano tanto como suporte ou modelo representativo quanto como projeto ou imagem social.

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Sobre os artistas e seus trabalhos

Clarissa Borges
Tallahassee, EUA, 1976
Vive e trabalha em Brasília.

Turista Censurado
Trata-se de uma série de fotografias de pontos turísticos da cidade de Brasília. Nela monumentos como o Palácio da Alvorada, a Catedral, o Mastro da Bandeira Nacional ou o Banco Central são fotografado e depois velados (censurados) por uma tarja preta. Dessa maneira, o que o espectador vê são os grandes espaços e a imensidão que, conforme a artista, revelam Brasília como um lugar ermo, quase inabitado. Ao interferir nessas fotografias, inserindo-lhes tarjas que prejudicam o reconhecimento desses cartões-postais tantas vezes reiterados, Clarissa parece querer imprimir a idéia de “ luto por uma promessa não cumprida”.

Entre 1995 e 1999 Clarissa Borges cursou o Bacharelado em Artes Visuais na Universidade de Brasília, onde concluiu o Mestrado em Arte em 2002. Dentre as exposições de que tomou parte em Brasília destacam-se as individuais Simulacros do Corpo, na Galeria do Teatro Dulcina em 2004, e Com os Olhos do Outro, integrando o evento Foto Arte Brasília 2004, no Espaço Cultural Contemporâneo; e as coletivas na Arte Futura e Companhia, Referência Galeria de Arte e Museu de Arte de Brasília, bem como sua participação no Grupo de Arte ENTORNO, com intervenções urbanas em Brasília desde 2001. Em 2003 participou das mostras Deslocamentos do Eu, realizadas no Itaú Cultural Campinas e Paço das Artes (curadoria de Tadeu Chiarelli) em São Paulo, e da Eixo Brasília, na feira ArtFrankfurt na Alemanha (curadoria de Teresa Arruda).


Elder Rocha
Goiânia, GO, 1961
Vive e trabalha em Brasília.

Des(re)conhecer
O artista intervém em nossas formas habituais de reconhecimento e associação de significados às imagens, segundo categorias preestabelecidas. Para isso opera mudanças sutis e superposições sobre as imagens, por meio de processo emocional e intuitivo, envolvendo, dessa forma, o espectador em um jogo de reconhecimento e estranhamento, no qual não há lugar para a apreensão de conceitos verbalizáveis, mas a possibilidade de um relacionamento emocional com o objeto de arte. Assim, discutem-se os limites da representação e as possibilidades de articulação de significados por meio da pintura, além da procura de redefinição das fronteiras entre figura e abstração, representação e não-representação, gestualidade e contenção, o objeto pintura e a arquitetura.

Elder Rocha mora em Brasília desde 1971, onde trabalha como artista e professor do Departamento de Artes Visuais da Universidade de Brasília.

O artista, de produção consistente, tem mostrado seu trabalho regularmente desde 1981 em várias exposições individuais e importantes coletivas - Panorama da Arte Brasileira, MAM SP e RJ; Arte Contemporânea, MAM RJ; Gentil Reversão, CCBB DF; Projeto Brasil Reflexão 97, PR; BR 80 - Pintura Brasil Década 80, Instituto Cultural Itaú - e conta com seus trabalhos em coleções públicas relevantes do Brasil, como Funarte RJ, MASC e MAB DF, tendo recebido prêmios de aquisição no Prêmio Brasília de Artes Visuais em 1998, no IX Salão Nacional de Artes Plásticas, RJ, em 1986, e no Salão de Artes Plásticas do DF em 1991.


Lívia Carvalho
Belo Horizonte, MG, 1953
Vive e trabalha em Petrópolis.

Interregno/em curso, Festa e Feito à Máquina
A costura sempre foi o fio da meada da pesquisa plástica de Lívia Carvalho. Em seus desenhos também figurava a trama de tecidos, como na recriação em papel da transparência da organza. Tecendo sua obra Lívia incorporou ainda a trama do tecido industrializado e, assim, pintura e costura se entrelaçavam em sua obra.

“Do desenho de tramas com grafite, sugerindo tecido, ao avesso – que é arremate –, a costura vira pretexto na obra da artista. Na verdade, da reflexão sobre o espaço íntimo, que não é para ser revelado, à representação no objeto, nasce o conceito de seu trabalho.”

Desde a década de 1980, Lívia Carvalho participou de núcleos, oficinas e cursos de arte, dentre os quais se destacam: Núcleo Experimental de Arte – Nearte, Petrópolis, 1983; oficinas de desenho e pintura, com Luís Ernesto de Moraes, e aulas de análise e crítica, com Luís áquila, Luís Ernesto de Moraes, Manfredo de Souza Neto e outros, de 1983 a 1988; e os workshops promovidos pelo Sesc: A Arte dos Anos 60: Primórdios da Arte Contemporânea no Brasil, em 2004, e Quem tem Medo da Arte Contemporânea, em 2003, ambos com Fernando Cocchiarale. Além de duas individuais no Centro de Cultura de Petrópolis, RJ (1987 e 1995), destacam-se as coletivas: Faces do Tempo, no Corredor Cultural, Parque Lage, Rio de Janeiro, RJ, 1997; Século das Mulheres, mostra com mais de 40 nomes da arte contemporânea brasileira, na Casa de Petrópolis, Petrópolis, RJ, 2000; Petrópolis, Produção Contemporânea, no Sesc Petrópolis, Petrópolis, RJ, 2001.


Marília Saenger
Brasília, 1980
Vive e trabalha em Brasília.

Variável V
Desenho, pintura, escultura, instalação... Variável, de Marília Saenger, ao frustrar qualquer tentativa de classificação, se refaz em cada espaço, a cada olhar. Variável soma aproximadamente 2.500 unidades. Utilizando o mesmo processo 2.500 vezes, ainda que manualmente, o caráter único, original, desaparece. Empilhadas, amarradas, no chão ou no teto, as peças perdem seu caráter pictórico tradicional e tornam-se comparáveis a matéria industrial produzida em série. Na impossibilidade de nomear, classificar ou racionalizar a obra, o espectador se deixa tomar pelo tempo de sua experimentação perceptiva, que acontece no silêncio do espaço, na ausência de lugar e significação do objeto.

Em 2004 Marília Saenger formou-se em Artes Plásticas pela Universidade de Brasília. Além da individual Variável II, realizada em 2003 no Corredor de Acesso ao Plenário da Câmara dos Deputados, Brasília, DF, destacam-se as seguintes coletivas: 144 quadrados de pintura, exposição dos alunos de diplomação em Artes Plástica em 2004; Um Cadáver Inquieto, Galeria da Cal (Casa da Cultura da América Latina) em 2003; Vias, Galeria de Bolso da Cal em 2003; Procura-se e Sorria! Você esta sendo filmado, ambas intervenções no Campus da UnB em 2002; e, em 2001, Projeto Prima Obra 2001, Galeria Funarte.


Marta Penner
Porto Alegre, RS, 1965
Vive e trabalha em Brasília.

Um quarto para o Presidente
Desde 1999 Marta Penner tem a cidade de Brasília como foco central de sua produção, em cuja pesquisa o conceito de não-lugar, de lugar de desapego, de passagem é articulado. Há alguns anos vem investigando o sentido das áreas de ninguém e de todos, onde o particular e o singular cedem espaço ao uniforme e padronizado. Um Quarto para o Presidente consiste em uma série de plotagens com imagens de suítes presidenciais de hotéis em Brasília, incluindo a do Catetinho, primeira moradia de Juscelino na capital. As fotos em preto-e-branco ganham relevo com o acoplamento de objetos sobre lugares pontuais da imagem.

Marta Penner é formada em pintura pela Universidade de Brasília (1995) e Mestre em Arte e Tecnologia da Imagem pela Universidade de Brasília (2001). Expõe desde 1989 no Brasil e no exterior. Criou em 2002 o Projeto de Arte Entorno, reunindo artistas que trabalham com intervenções no espaço urbano. Participou do Itaú Rumos Visuais 2002/2003 SP, CE, PR e MG, e do Projeto Faxinal das Artes, PR, 2003. Nos últimos anos suas principais exposições foram Vice-Versa, Eixo Brasília Linha Imaginária, Frankfurter Kunst Messe, Frankfurt Alemanha, 2003. Em 2002 expôs Um Quarto para o Presidente no Espaço Cultural Contemporâneo Venâncio-Ecco, Brasília, DF; Canberra/Brasília, no Espaço Cultural da Cultura Inglesa, São Paulo, SP. E em 2001 Paisagem do não Evento, intervenção urbana, no Hotel das Américas, Brasília, DF; Brasília/Canberra entre Redes, intervenção urbana, no Currong Apartments, Canberra, Austrália.


Matheus Perpétuo
Tiradentes, MG, 1980
Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

Projeto para uma nova iluminação do Paço Imperial
Em seus trabalhos mais recentes Matheus Perpétuo confronta o aspecto técnico da fotografia com contextos históricos e ficcionais. Em Projeto para uma nova iluminação do Paço Imperial, o artista registrou durante um ano a ação do tempo sobre os holofotes da Catedral de São Pedro de Alcântara, em Petrópolis – onde estão os restos mortais de D Pedro II. Ampliadas e acondicionadas, essas fotos foram instaladas em caixas, como holofotes em escala real, no Paço Imperial, no Rio de Janeiro – onde D Pedro II trabalhou. Dessa forma a relação entre as fotos e seu referente adquiriu distanciamento crítico, seja pelo deslocamento de sítio, seja por reproduzirem um aparelho que ilumina um monumento, iluminando outro monumento, ou pela própria impossibilidade de iluminarem qualquer coisa.

Matheus Perpétuo estudou História na Universidade Federal Fluminense e Filosofia na Universidade Estadual do Rio de Janeiro. Atuando no circuito artístico nacional obteve premiações - Prêmio Rio Jovem Artista, Rio de Janeiro, 1999 ( primeiro lugar na categoria fotografia) e a Bolsa Pampulha do Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, MG, 2004. Além de individuais realizadas no Rio de Janeiro em 2002 - Projeto para uma nova iluminação do Paço Imperial, na Praça XV, e Três páginas da topografia facial, no Castelinho do Flamengo, destacam-se algumas coletivas: em 2001, Uma Geração em Trânsito, no Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, RJ; ArteFoto, no CCBB; em 2004; e Posição 2004, no Parque Lage, RJ.


Mendes Faria
Juiz de Fora, MG, 1946
Vive e trabalha em Petrópolis.

Barroquices e Barroquetes
Buscando linguagem própria, Mendes Faria concilia, com extrema adequação e senso de medida, seu espírito construtivo com um elemento meio lúdico. Assim, para desdobrar relações pictóricas, enfrenta questões como a utilização de suportes não convencionais, a precariedade do objeto, sua perecibilidade, o choque entre o material pobre e o refinamento da linguagem geométrica, o todo e o fragmento, o separar e juntar, a repetição, etc.

Mendes Faria estudou na EBA, UFRJ, teve aulas com Kate Van Sharpenberg, em 1983/84 e participou do Núcleo Experimental de Arte - Neart, em Petrópolis, em 1983. Suas principais mostras foram as exposições individuais na Funarte-SP, na Cândido Mendes-Ipanema, no Rio de Janeiro, RJ, e na Galeria Contemporânea, também no Rio, em 89, 88 e 87, respectivamente, e as coletivas: Visiones Convergientes, CNN, Atlanta, EUA, em 2003; III Bienal de Santos, SP, MAM-RJ e MACC-SP, em 1991; MNBA, no Rio de Janeiro, RJ e Museu do Ingá, em Niterói, RJ, em 1990; Petrópolis Urgente, em Petrópolis, RJ, em 1987; Além de diversos salões: Paulista de Arte Contemporânea (1988 e 1986), Carioca (1989, 1987 e 1986), de Ribeirão Preto (1988), Paranaense (de 1990 a 1986), Nacional de Arte-BH (1987) e Nacional de Belas Artes (1976).


Nelson Ricardo
Petrópolis, RJ, 1962
Vive e trabalha em Petrópolis.

Link, Você Pinta Como eu Pinto?, Reflexivo I e Dormindo
O trabalho, o processo são totalmente autobiográficos. Nada há que não seja experienciado e realizado de forma real. Nunca acontecem croquis ou esboços. Os trabalhos surgem de imediato, prontos e economicamente realizados, como se não houvesse tempo e material a ser desperdiçado.

Nunca existe o que chamo aqui efeitos especiais, ou seja, nada é empregado apenas com a função de tornar algum elemento mais digerível, mais bonito mesmo. A busca é de uma relação plural e multisensorial que vá de encontro à ditadura do olho. Cada observador/ator faz, digamos assim, a obra sua e a faz funcionar,independentemente de materiais ou griffe.

Nelson Ricardo é graduado em Artes Plásticas pela Escola de Belas Artes da UFRJ em 1990, com Pós-Graduação em Teoria da Arte pela UERJ, em 2002, sob orientação de Cristina Salgado. Foi aluno de Charles Watson na Escola de Artes Visuais (Parque Lage) em 1989/1990 e premiado pela Fundação Petrópolis de Cultura em 1997. Suas principais exposições: as individuais Espaço Intermediário, na Galeria de Arte Sesc-Petrópolis, em 2002, e hiper-link, no Centro Cultural da Uerj, em 2002, e as coletivas Novos ângulos do Museu Imperial (Prêmio Aquisição), Plataforma Contemporânea, no Museu Imperial, Petrópolis, em 2000/2001.


Pedro Lobo
Rio de Janeiro, 1954
Mora em Petrópolis e trabalha em diversos estados.

Da Gloria 192
“Fotografias da série “Arquitetura Popular” apenas arranham o exterior de um universo paralelo e excluído de nossa brasilidade injusta. Não pretendo, em momento algum, formular conceitos ou avaliações sobre as comunidades que fotografo. Ao fotografar as construções das favelas da mesma maneira que exemplares de arquitetura convencional são retratados em publicações e exposições, espero apenas poder apoiar as vozes dos próprios excluídos em sua reclamação pela cidadania plena à qual têm direito natural.”

Pedro Lobo, fotógrafo carioca formado pela School of the Museum of Fine Arts, Boston, e no International Center of Photography, NY, dedica-se prioritariamente a projetos que combinam expressão pessoal e conteúdo social, entre os quais se destacam: TerraTempo (V Prêmio Marc Ferrez de Fotografia), Funarte, Rio de Janeiro, RJ, 1993), O Alcance das Medidas, exposição individual no Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, RJ, 1995, Memórias Escondidas, sobre Budapeste, 1998, Arquitetura Popular no Rio de Janeiro, Bolsa Vitae 2002/3, Carandiru, com Maureen Bisiliat, 2002, e São Paulo 450 anos, em 2004.


Ralph Gehre
Três Lagoas, MS, 1951
Vive e trabalha em Brasília.

Pigmeus e Labirintos
Desenhos e pinturas recortados não como desconstruções. Antes, são pensados como espaço de suporte ou campo de trabalho, permitindo diferentes montagens que se abrem organicamente, ampliando espaços negativos, à maneira de percursos impossíveis, caminhos inseguros. “Aquele em feltro assemelha-se ao desenho, tendo sido feito com caneta esferográfica preta e tinta nanquim, o outro, rosado, é uma pintura em tinta acrílica sobre tela, ambos recortados à tesoura.” Em geral, os títulos de seus trabalhos são adoções de nomes que eles ganham naturalmente, como os feltros que intitulam-se Pigmeus graças à semelhança de suas formas com as vestimentas dessa gente pequena. O outro, nomeado Labirinto, de fato, assemelha-se a este “tipo de bordado tão bonito, o crivo,” pois são feitos igualmente “de fios e buracos, de vazios e passagens, de cruzamentos.”

Ralph Gehre expõe regularmente desde 1980, tem por formação básica a arquitetura e trabalha essencialmente o desenho e a pintura. Colabora em projetos teatrais e gráficos. Algumas exposições: Individual Des Enhos, Referência Galeria de Arte, Brasília-DF, 2004; Coletiva Gentil Reversão: versão Castelo, Castelinho do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, 2003; Coletiva Eixo Brasília, Galeria Ecco, Brasília, e ArtFrankfurt, Alemanha, 2003; Coletiva Gentil Reversão, CCBB-Brasília, 2001; Individual Ralph Gehre Caixa 2000, galeria do Conjunto Cultural da Caixa, Brasília, DF, 2000; Coletiva Uma pintura, com Dominic Dennis, The Britsh Council, Galeria Mezanino da Sala Villa-Lobos do TNCS-BsB, 1999.


Thiago Rocha Pitta
Tiradentes, MG, 1980
Vive e trabalha no Rio e Janeiro.

Olho d’água e Homenagem a Willian Turner
Desde seu primeiro trabalho apresentado ao público, Abismo sob abismo (Prêmio Interferências Urbanas, Santa Teresa, no Rio de Janeiro, 2001) ao mais recente, Fonte, montado nos jardins do Museu da Pampulha, Belo Horizonte, MG, em 2003, Thiago Rocha Pitta vem estabelecendo um dialogo entre artifício e natureza, tematizando os diversos estados do ciclo da água, dos quais sua obra se pretende paródia. Assim, no filme Homenagem a William Turner, em que um barco é incinerado e deixado à deriva, ao sabor das ondas e do fogo, e em Olho d´água, que faz pender uma gigantesca tela sobre um tipo de piscina com água e pigmento, Thiago apresenta ampla reflexão pictórica – como história e processo.

Thiago Rocha Pitta formou-se em pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ, em 2003, e freqüentou diversos cursos livres, como os de pintura com Luis Ernesto (1996) e desenho com Maria do Carmo Secco (1997), ambos na EAV Parque Lage, e o de estética com José Thomaz Brum (2003), na PUC-Rio. Vencedor do prêmio CNI-Sesi Marcoantonio Vilaça, Recife, PE, 2004, destacam-se também em seu currículo a individual A cópula e os espelhos – instalações, Castelinho do Flamengo (2001) e A gentil carioca (2004), ambos no Rio de Janeiro, e as coletivas: Exposição de Verão, Galeria Silvia Cintra, Rio de Janeiro, RJ; Posição 2004, Parque Lage, Rio de Janeiro, RJ; Arte Contemporânea Brasileira nas Coleções do Rio, MAM-Rio, RJ; Obra Colecionada, Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, BH, todas em 2004.


Milton Marques
Gama, DF, 1971
Vive e trabalha em Gama.

S/Título
“Atualmente o foco de sua obra reside na experimentação com vídeo digital e aparatos tecnológicos inutilizados, resgatados do lixo, instrumentos ópticos, step motors, impressoras, copiadoras, scanners, câmeras e outros equipamentos destituídos de sua funcionalidade e que, depois de desmontados ou modificados, adquirem outra função. Como matéria-prima artística, eles ainda se movem, acendem, cintilam, mas refletem nesse novo estado diversas colocações diante do fenômeno humano, das mediações tecnológicas, das ironias e inquietações ou, ainda, das aparências ordinárias que movem as relações contemporâneas.”

Milton Marques é licenciado em Educação Artística pela Universidade de Brasília em 1998. Como artista pesquisador, apoiado pelo CNPq, atuou no Grupo Corpos Informáticos de 1995 a 1998, Brasília, DF. Suas principais participações expositivas são: 26a Bienal de São Paulo, SP; Projeto de intervenção artística, Torreão Porto Alegre, RS; IV Salão Nacional de Goiânia, GO, 2004. Centro Excêntrico, Centro Cultural Banco do Brasil, Brasília, DF; Art Frankfurt, Eixo Brasília, Frankfurt, Alemanha, 2003. III Prêmio Sérgio Motta, Museu da Imagem e do Som, São Paulo, MAC Goiânia; II Salão Nacional de Goiânia, GO; Salão de Artes Visuais de Brasília, DF; Faxinal das Artes Visuais, Atelier residência, Curitiba, PR, 2002. Rumos Visuais, Instituto Cultural Itaú, São Paulo, Recife e Fortaleza, 2001.


Miguel Rio Branco
Las Palmas de Gran Canaria, Espanha,1946
Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

Tv, Xota Túmulo, Berlim, Touch of Evil, Santiago de Compostela e She Looked Tenderly
No início dos anos 70 Miguel Rio Branco escolhe a fotografia como veículo de sua pesquisa artística. Na contramão das experimentações estéticas surgidas desde o final dos anos 60, suas fotos acentuam a violência e o excesso das imagens cotidianas do mundo, como um duplo de cor e velocidade, contrário ao glamour de refinamentos. Em pleno declínio da Pop Art, investe no narcisismo nostálgico de “inconscientes repelidos”, como se afirmasse a existência de outra vida no “desavergonhado mundo de consumo”. Memória solitária de coisas e lugares que isola, nas imagens de Miguel a máxima “ser-se é ver-se” parece confirmar-se.

Pintor, fotógrafo, diretor de cinema e criador de instalações multimídia, trabalhou na Europa e Américas desde o começo de sua carreira, em 1964. Em 1966 estudou no New York Institute of Photography e, em 1968, na Escola Superior de Desenho Industrial, no Rio de Janeiro. Começou expondo pinturas, na década de 1970 foi fotógrafo e diretor de filmes experimentais em Nova York e desde 1980 seu trabalho é publicado em todo o mundo, como Dulce Sudor Amargo, México, 1985; ou Silent Book, Brasil, 1998. Destacam-se as individuais: Door into Darkness, Aperture’s Burden Gallery, New York, 2003; Miguel Rio Branco, Peggy Guggenheim Museum, Veneza e Entre los ojos, Centro Cultural de la Villa, Madrid, 2001; e as coletivas: Gran Canaria, Galeria Elba Benítez, Madrid, 2003; La Mirada, Daros Exhibitions, Zurich, 2002; Brazil Body and Soul, Guggenheim, New York. Além de Bienais, sua obra vem integrando importantes acervos internacionais.

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Essas Telas São Retratos

Paulo Sergio Duarte

Há pouco tempo o perfil dos objetos superpostos à tela deixava o rastro das coisas reais. De um mundo fechado no universo do trabalho, dos instrumentos encontrados à mão no atelier que habitavam como fantasmas as grandes superfícies de lona ou linho. A pintura perpetrava uma espécie de vingança contra os ready mades ao manipulá-los e abandoná-los, deixando apenas sua presença virtual. Fragmentos do corpo haviam deixado a representação. A luz resvalava aqui e ali as áreas escuras como o penetra num jantar que, para acontecer, pressupunha sua ausência. Dava o que pensar essa luz insidiosa - coadjuvante intrometida, não-protagonista - na cena noturna: somava à lembrança dos objetos, o princípio da possibilidade de olhar e ver. Sem luz nos tornamos escravos do tato. E para este sentido toda pintura é sempre a mesma - truísmo às vezes esquecido tão possuídos que somos pela naturalidade da visão. Mas também acrescentava o mundo de fora do atelier, indizível porque não representado, mas que entrava sem ser convidado e acentuava o caráter noturno daquelas telas pintadas num local que não conhece o verdadeiro inverno e seu necessário recolhimento. Havia, a meu ver, um evidente movimento para o interior. Uma introversão que caminhava com a inevitável reflexão sobre a própria pintura.

As novas telas de Fábio Cardoso, de certa forma, confirmam esse movimento. A paleta volta a uma discreta diversidade. São elegantes e marcadas, às vezes, por uma trama que não as engessa. Podem ser tudo, menos rude e dura. Portanto, estão distantes da crueza conceitual que alimentou parte da pintura francesa do final dos anos 60 e começo dos 70. Mesmo as cores escuras estão bem humoradas com a possibilidade da pintura se mostrar inteira, sem os fantasmas do objeto. Mas – quem sabe? – esse humor esconde o lado escuro da solidão da própria pintura no mundo contemporâneo.

O novo fantasma, que de certo modo figura e representa, é o seu avesso – as vértebras escondidas, o próprio chassi. Essas telas são retratos da própria pintura. Sem haver nobres ou burgueses para pintar, dando as costas ao vale-tudo pós-moderno, o pintor retrata a própria pintura. Afinal de contas, há muito tempo, o que resta é o fazer da própria obra: este o único destino da arte.

Na “Montanha Mágica”, Hans Castorp descobre o interior de sua paixão: a radiografia de Mme. Chauchat – aquela que deixava a porta bater quando entrava no refeitório e pelo gesto eslavo mal educado chamava a atenção do contido jovem visitante do sanatório de Davos. é no ápice da paixão pelo trabalho que o pintor pinta as radiografias possíveis da sua própria obra, agora que Davos não é mais cenário do romance de uma burguesia adoecida que discutia seu destino e sua irrelevância diante do confronto das idéias e das forças sociais, tampouco de um “documento do estado de alma e da problemática do espírito europeus no primeiro terço do século vinte” (Thomas Mann), mas outra Davos, agora, palco do triunfo global das finanças e do poder do império. Nesse novo tempo, o corpo radiografado é a obra, ela, o objeto da paixão. Resta à pintura ser o retrato de si mesma e de uma atividade: o trabalho do artista.

Rio de Janeiro, fevereiro de 2003.

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Mostra o seu que eu mostro o meu na Casa França Brasil

Mantendo o espírito das quatro edições anteriores a Mostra o seu que eu mostro o meu, amplia o espaço para as artes plásticas e propõe uma exposição que tem como ponto de partida a mistura da energia de jovens artistas com a coerência de trabalhos realizados por artistas consagrados.

Promover esse encontro e fomentar o diálogo entre esses artistas formados por diversas escolas é um movimento alinhado com o objetivo desta 5ª Edição. A ausência de uma linha curatorial reforça essa proposta na medida em que elege o intercâmbio como o mote da exposição, proporcionando aos visitantes a oportunidade de vivenciar as questões levantadas por esta combinação.

A pluralidade dos suportes utilizados juntamente com o uso de técnicas e poéticas diferenciadas cria uma estranheza em um primeiro momento, mas justifica-se como uma atitude contemporânea de ocupação e convívio com as diferenças.

Performances:

6 de novembro, sábado, 17h
Boing, de Renato Carrera

7 de novembro, domingo, 17h
I’m Not Here ou a Morte do Cisne, de André Masseno

9 de novembro, terça-feira, 18h30
Dois Irmãos, de Márcio Vieira

11 de novembro, quinta-feira, 18h30
Estróina, de Márcio Vieira e Ruy Albernaz

12 de novembro, sexta-feira, 18h30
Para Você Compaixão, de Lourival Prudêncio

13 de novembro, sábado, 18h30
Ciça, Priscila e Maria dos Mares, de Verusya Correia


Sessões de Debates:

6 de novembro, sábado, 17h30
De Ancine à Ancinav
Roberto Farias e Valmir Fernandes
O posicionamento e suas razões de algumas das entidades representativas do Cinema Brasileiro frente às mudanças sugeridas na política audiovisual com a criação da Ancinav.

7 de novembro, domingo, 17h30
Cinema: crítica e auto-crítica brasileira
José Carlos Avellar, Luiz Carlos Oliveira Jr. e Marcelo Janot
mediador: Leandro Mendonça
A atual crítica cinematográfica brasileira, seu perfil e atuação nas diversas mídias, e a relação com o público leitor.

9 de novembro, terça-feira, 19h
Um Brasil digital nas telas?
Celso Araújo, Denise Miller, Diler Trindade e Vicente Amorim
mediador: Osvaldo Emery
A viabilidade e as possibilidades do processo digital nos diversos estágios de uma produção cinematográfica brasileira.

11 de novembro, quinta-feira, 19h
Festival de Festivais
Ilda Santiago, Marcos Magalhães, Roberta Sauerbronn e Rossine A. Freitas
mediadora: Lorena Bondarovsky
A atividade e experiência dos debatedores, o balanço das mostras, e a avaliação sobre o aumento de festivais de cinema no Brasil.


Sessões de cinema e vídeo:

Sessão 1
5 de novembro, sexta-feira, 18h
Caricata Arangola, de Rodrigo Serra e Ana Carneiro
Tempo Esgotado, de Marcio Carvalho de Mattos
Crianças da Favela, de Emília Faria, Joana Brea e Leila Lessa

Sessão 2
5 de novembro, sexta-feira, 19h30
Surpresa, de Ronaldo Moreira
Lar Doce Lar, de Gordeeff e Claudio Roberto
Saara, de Bianca Zanoni e Laila Borges
Espera Feliz, de Matheus de Souza Carvalho
Uma Estrela para Ioiô, de Bruno Safadi

Sessão 3
5 de novembro, sexta-feira, 21h
Luz, Câmera e Ação, de Daniel Gontijo
Equilíbrio, de Márcia Lobo Brito
Sol Lucet Omnibus, de Phillip Jhonston
TPM, de Frida Renfro
A Espera, de Ernesto Solis

Sessão 4
6 de novembro, sábado, 16h
Pedro e Saulo, de Márcio Freitas
Gueto da América, de Carolina Paiva
#1, de Maurício Castro

Sessão 5
6 de novembro, sábado, 19h30
Emprego Zero, de Estevão Garcia e Gabriel Ares
Esconderijos do Tempo, de Marcos França
O Circo é Imortal, de Carlos Vila Nova
O Duelo, de Julian Coate
Trylha, de Evângelo Gasos

Sessão 6
6 de novembro, sábado, 21h
Guatemala, de Francisco Almeida
Sistema de Cotas, de Augusto Araujo
Animareco, de Maria de Fátima Seehagen
WC, de Mariana Pais
Noite de Sol, de Adipe Neto

Sessão 7
7 de novembro, domingo, 16h
Almoço em Família, de Leandro Corrêa
últimas Palavras, de Marco Antonelli
O Espaço, de Danilo Ignarra
O X da Questão, de Danielle Cony
Distração, de Vivian Sutherland
Podia ser pior, de Guilherme Shinohara

Sessão 8
7 de novembro, domingo, 19h30
Uma noite no Rio, de Regina Ramos
Grafite, de Fernando Bennevolo
Fernando José, de Felipe Reynaud
O Artilheiro, de Clementino Jr., Gordeeff e Claudio Roberto
Trava Contas, de Paulo Camacho

Sessão Extra
9 de novembro, terça-feira, 15h
O Galante Rei da Boca, de Luís R. Melo e Alessandro Gama
Clara, Coletivo

Sessão 9
9 de novembro, terça-feira, 17h30
Rua Domingos Sávio sem nº, de Bárbara Veloso
Dolores, de Fábio Meira
Enquanto a Tristeza Não Vem, de Reinaldo Moreira
Noir, de Luis G. Ramos, Rafael de Luna e Tiago Campany

Sessão 10
10 de novembro, quarta-feira, 17h30
Santificada Elisa, de Raquel Duarte Garcia
Preconceito DeficientevMarcelo Resende
Placebo, de Alexander Mello
Cenas de Metrô, de Marcia Fixel

Sessão 11
11 de novembro, quinta-feira, 17h30
Cérbero, de Thati
Felizes para Sempre, de Ana Beatriz
Catadores, de Eduardo Chamon
A Solidão dos Dias Difíceis, de Sandra Kraucher e Eduardo Ramos

Sessão 12
12 de novembro, sexta-feira, 15h
Na Veia do Rio, de Ana Rieper

Sessão 13
12 de novembro, sexta-feira, 19h30
Roderia, de Léo Jesus
A Criação da Criação, de Ananda Guimarães
Universitários do Morro, de Monique Lima e Suziane Melo
Um Dia Desses, de Daniel Z. Dorn e Tati Torres

Sessão 14
12 de novembro, sexta-feira, 21h
Esquizóide, de Hugo Matos
24hs, de Felipe Mutti
Encarniçado Botenkim, de Regina Ramos e Danielle Cony
Memórias Sentimentais de um Assassinato, de Vitor Leite
Primose, de Victor van Ralse

Sessão 15
13 de novembro, sábado, 15h
Eu Versus Palavra, de Cia Dos 22
O Assalto Frustrado, de Túlio Marcelo Bambino
Cinquentona Gallotti, de Pricila Botto e Paulo De Barros

Sessão 16
13 de novembro, sábado, 19h30
Lotado, de Luanda Lopes
Exteriortipos, de Haldney Ferreira
O Beijo de Língua, de Lauro César Macedo
A Outra Porta, de Júlia Neves

Sessão 17
13 de novembro, sábado, 21h
Disse me Disse, de Jorge Monclar
Profissão Ator, de Ellan Lustosa
Dona Eulália, de Valério Fonseca
Uma Onda na Selva, direção coletiva
FDP, de Glauco Kuhnert

Sessão 18
14 de novembro, domingo, 15h
O Som do Samba, de Marina Santoniere
Arquivo X Download, de Flávio Ferreira
Rejane Melo: dialeto das cores, de Alaerson Nonô Coelho e Valério Fonseca
Umundo, de Gláucia Duprat
Cenas Urbanas & Cia, de Rachel Castro

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